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Magela Lima

About Magela Lima

Magela Lima é jornalista formado pela Universidade Federal do Ceará, possui mestrado em Teatro e doutorado em Artes Cênicas, com pesquisas desenvolvidas junto à Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro e à Universidade Federal da Bahia. Tem como principal área de interesse acadêmica os estudos históricos sobre a produção teatral no Brasil. É autor de Os Nordestes e o Teatro Brasileiro. Entre 2003 e 2012, integrou equipes de diferentes veículos de comunicação no Ceará, sempre se dedicando ao jornalismo cultural. No jornal O POVO, assinou a coluna Imagem&Movimento, publicando, quinzenalmente, críticas de espetáculos de teatro e dança. Em 2021, colaborou com a plataforma Bemdito, escrevendo textos críticos e ensaísticos sobre o universo das artes cênicas. Possui experiência em docência no ensino superior de graduação em Comunicação Social desde 2008, tendo integrado o corpo docente das Faculdades Nordeste e do Centro Universitário 7 de Setembro. Ocupou o cargo de Secretário Municipal de Cultura da Prefeitura de Fortaleza de 2013 a 2017. Atualmente, é diretor de articulação e integração de políticas do Instituto de Planejamento de Fortaleza e consultor de programação do Festival Nordestino de Teatro de Guaramiranga.

Posts by Magela Lima:

Foto A Fábrica dos Ventos - Créditos João Cláudio de Sena (8)

Assopradores de balão de todos os lugares uni-vos

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Nunca 50 minutos foram tão poderosos. O reino criado pela Trupe Lona Preta, de São Paulo, parece distante do nosso, mas as opressões e as alegrias são bem próximas. Os trabalhadores seguem um regime puxado, têm uma rotina totalmente mecânica e vigiada, trocam sua força por alguns tostões e são estimulados a consumir no pouco tempo livre de que dispõem para que outras indústrias e outros trabalhadores tenham, por fim, do que se ocupar. “A Fábrica dos Ventos” é um lúdico manifesto, uma máquina de ameninar o tempo, capaz de traduzir pelo ritmo e graça da palhaçaria conceitos que a academia tem suado para explicar. O espetáculo é um misto de Marx e Engels e, ainda, de Adorno e Horkheimer para crianças.

Quatro palhaços no palco dão conta de um número bem maior de personagens. Alexandre Matos, Joel Carozzi, Sergio Carozzi e Wellington Bernado se dividem entre quem controla os meios de produção e quem detém a força de trabalho. Eles são mão de obra explorada, sim, mas são, também, uma coroa pomposa, com direito a um rei cheio de vontades e um exército subserviente. São poucos, mas se fazem de muitos. São indivíduo e massa. Constroem até uma rua movimentada e um cardápio variado de programas de televisão. “A Fábrica dos Ventos” tem tudo aquilo que se espera dos números puxados pelos palhaços, no picadeiro e no mundo, ancorado por uma dramaturgia corajosa, pelo risco de se fazer hermética ao público, e um trabalho musical excepcional.

Com direito a torta na cara, tapa na cara, muito jogo de trapaças, “A Fábrica dos Ventos” envolve o público da primeira à última cena. Na verdade, sem que sejamos devidamente informados, somos também personagens daquela história. Somos alucinados por bexigas ou balões ou bolas de assopro, consumidores desenfreados independente do tamanho e cor das peças, sem que atentemos para o fato de que aquilo pode ser, de algum modo, o pretexto ou a razão para a exploração de alguém. Os trabalhadores de “A Fábrica dos Ventos” perdem o fôlego e até a vida para encher balões horas e horas do dia, ao tempo em que sonham e lutam pelo direito de ter também um balão, de preferência bem estilizado, para poder chamar de seu.

Há quase 20 anos em atividade, a Trupe Lona Preta demonstra no espetáculo uma competência exemplar de técnicas circenses, tem um trabalho singular no encontro com a linguagem musical, mas sobressai pela coragem de enfrentar uma temática tão complexa, ainda mais considerando que tem as crianças como público prioritário. “A Fábrica dos Ventos” é profundo e sensível, é uma brincadeira leve e um alerta poderoso. Com graça, a montagem critica de modo contundente um mundo imaginário que também é o nosso. A alegoria da Trupe Lona Preta tem referências muito diretas ao nosso cotidiano. Do alerta de mensagens do WhatsApp à vinheta de acesso da Netflix, passando pelas dancinhas do TikTok, o reino de lá tão é tão diferente assim.

“A Fábrica dos Ventos” tem cenas hilárias e cenas com um traço violento também. Há trechos de embates físicos, até cruéis, nos quais fica mais acentuado a crítica à cultura do consumo. Uma bexiga com 50% de desconto é motivo de um conflito brutal, em que o “vencedor” ganha não só seu objeto de desejo como a realização de ter um concorrente a menos em sua jornada. Nesse mundo de valores duvidosos, até palhaços entristecem e são condenados à solidão. É isso, ao fim, que mobiliza a grande revolução que a Trupe Lona Preta convida sua plateia a participar. De nada adianta ficar só, mesmo quando se arrebata em promoção a bexiga dos sonhos. Ainda mais, quando se sabe que o rei, sem encher um só balão, tem uma verdadeira fortuna deles.

Com encenação de Alexandre Matos, Joel Carozzi e Sergio Carozzi e direção musical de Joel em parceria com Wellington Bernado, “A Fábrica dos Ventos” organiza uma visualidade fantástica e delicada. O espetáculo fala com as crianças com uma sinceridade e uma intimidade profundas, enquanto envolve adultos com maestria. “A Fábrica dos Ventos” é, sim, para todas as idades. É uma alegria cantar e brincar com o elenco, torcer e temer ao ritmo das trapalhadas. Melhor ainda é poder ser confrontado, com tanta poesia, diante de questões que têm conduzido nossas relações e nossas práticas há gerações. “A Fábrica dos Ventos” mostra que um outro mundo é possível. Um reino com um rei concentrando todos os balões só para si, à custa do fôlego de outros que não sabem se nunca vão possuir um balãozinho sequer, definitivamente, não é um lugar bom de se viver.

As opiniões expressas nas resenhas publicadas neste blog são de responsabilidade exclusiva dos críticos que as assinam. O Sesc PE não se responsabiliza pelas opiniões, comentários ou avaliações feitas pelo autor, que são independentes e não refletem, necessariamente, a visão de nossa instituição.

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“Um minuto para dizer que te amo” é a prova viva de que há certas dores que só se entendem no coletivo

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 “Um minuto para dizer que te amo” é um espetáculo comovente. Criação do Matraca Grupo de Teatro, de Jaboatão dos Guararapes, a montagem encanta, enquanto assusta, ou assusta, enquanto encanta, mesmo quando envereda por uma composição mais caricata. A maior parte do tempo, o que predomina é um tom equilibrado, respeitoso, com uma das dores mais agudas de que se tem registro. “Um minuto para dizer que te amo” flagra o medo de uma família de ser engolida pelo esquecimento. Pai, mãe e filho sofrem ao se dar conta de que suas memórias já não são assim tão confiáveis, de que o ontem já não lhes diz mais absolutamente nada. O tempo deles é outro. É um tempo presente e aflito, angustiado. O tempo deles é o de quem tem a consciência de que se morre a cada memória borrada ou esquecida.  

 Falar do Mal de Alzheimer no teatro é um desafio à parte. O tema é dos mais espinhosos onde quer que seja enfrentado, mas, no palco, com a ação funcionando de forma condensada, tudo se revela mais complexo na medida em que o caráter processual da demência fica um tanto inviável de se representar. Em “Um minuto para dizer que te amo”, por exemplo, o público é colocado diante de um conjunto de situações provocadas por um estágio avançado da doença. Com isso, tudo parece ainda mais sensível, mais à flor da pele. O texto de Luiz de Lima Navarro, porém, não tem propriamente um tratamento clínico. “Um minuto para dizer que te amo” não discute o Mal de Alzheimer, ele mostra o sofrimento de viver e conviver com o Mal de Alzheimer. rudi4

 Nesse sentido, a encenação de Rudimar Constâncio encontra soluções muito interessantes. O espetáculo constrói imagens bastante funcionais para transitar do lembrado ao esquecido. Rudimar turva o olhar do público, concentrado um bom número de cenas sob uma espécie de véu do esquecimento. A cenografia e a indumentária de Séphora Silva e a iluminação de João Guilherme de Paula são decisivos para organizar uma composição que, embora realista, está mais próxima da alegoria do sonho que do registro documental. É lindo ver Dona Guida, personagem de Célia Regina Rodrigues, voar e sentir a brisa no rosto só com um movimento de luz. É lindo ver o pai, vivido por Carlos Lira, criança em plena velhice, fazer de um simples Mané Gostoso seu menino Lúcio. Muito equilibrado, o elenco, formado ainda por Douglas Duan e Marinho Falcão, que fazem juntos o filho herdeiro do Mal de Alzheimer, e Vanise Souza, a zelosa cuidadora Amélia, cruza diferentes inflexões de atuação. A exceção fica por conta de Lucas Ferr, preso numa camada mais lírica do espetáculo. Rudimar Constâncio explora bem seus atores, também muito habilidosos enquanto cantores. Além dos números musicados ao estilo do canto coral, há cenas muito bonitas no jogo de Vanise Souza e Célia Regina Rodrigues e ainda no jogo protagonizado por Douglas Duan e Marinho Falcão. “Um minuto para dizer que te amo” aciona performances de interpretação que provocam a estilização do realismo. Vanise e Célia contracenam de costas uma para a outra, enquanto Douglas e Falcão alinham tempos do personagem que compartilham num longo trecho de texto falado em sincronia, por exemplo.  

 Rico em detalhes, exuberante nos recursos que dispõe, “Um minuto para dizer que te amo” prende a atenção, porém, com aquilo que tem de mais simples e sofisticado: o trabalho de ator. Célia Regina Rodrigues e Carlos Lira, em particular, são desafiados com um grau de dificuldade mais acentuado. São eles que dão cara ao Alzheimer, que tornam visível a dor do esquecimento, ao tempo em que são demandados a envelhecer diante do público. Fico pensando se não seria o caso de Rudimar Constâncio ter recorrido a atores ainda mais experientes, o que tem de sobra no teatro Pernambuco. Essa outra opção, entretanto, seria tão problemática quanto, diante do risco da caricatura que Célia e Lira caem, considerando que os atores mais velhos teriam que rejuvenescer em cena. Rudi02  

 A verdade, no entanto, é que “Um minuto para dizer que te amo” não deixa margem para tantos questionamentos assim. Enquanto se é dado a ver a saga de Lúcio e seus pais, o tema acaba por se sobrepor. Como consequência principal desse movimento, fica evidente que a presença da plateia passa a compor o espetáculo. Não é que se sofra à distância, sofremos todos, juntos. Dona Guida e seu marido são um pouco mãe, um pouco pai, um pouco avó, um pouco avô, um pouco vizinha, um pouco vizinho da grande maioria dos espectadores. Assim como, não se pode fugir à possibilidade real de sermos, também, um pouco Lúcio. É tátil a afinidade que a montagem estabelece com sua audiência, enfim. “Um minuto para dizer que te amo” é um belíssimo encontro, desses que só o teatro consegue produzir. Um encontro com a dor do outro e, sobretudo, com a nossa própria dor.  

As opiniões expressas nas resenhas publicadas neste blog são de responsabilidade exclusiva dos críticos que as assinam. O Sesc PE não se responsabiliza pelas opiniões, comentários ou avaliações feitas pelo autor, que são independentes e não refletem, necessariamente, a visão de nossa instituição.
A dama da noite

Caio F. não é de pedir licença

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Caio Fernando Abreu é um sedutor. Sua escrita marca, sua escrita prende. Entre o documento e a ficção, ele cria e destrói mundos, cria e destrói sonhos. É um exímio contador de histórias. Histórias que, de tão esmiuçadas em detalhes, parecem reais. E são. Em “Os dragões não conhecem o paraíso”, livro de 1988, estão reunidas algumas daquelas que acabaram por se tornar das mais afamadas. Entre “Uma praiazinha de areia bem clara, ali, na Beira da Sanga” e “Mel & Girassóis (ao som de Nara Leão)”, o leitor vai encontrar uma tal de “Dama da Noite”. No conto, curtinho, em primeiríssima e singular pessoa, Caio criou um de seus tipos mais teatrais. O texto, que conduziu montagens importantes na história recente do teatro brasileiro, também ajudou a parir a Pane Produções Artísticas, de Garanhuns.

O diretor Antônio Pacheco Neto e o ator Marcelo Francisco, professor e aluno, se reencontram, já com a sala de aula apenas na memória, e constroem, juntos, um percurso de empenho e dedicação ao teatro. “A dama da noite”, espetáculo que inaugura a companhia, está em cena há 20 anos e, de tão azeitado no cotidiano criativo do coletivo, abriu espaço para o projeto de uma trilogia. A relação da Pane Produções Artísticas com Caio F., assim, iniciada lá atrás, deve se estender num perder de vistas. Pacheco Neto e Marcelo Francisco, com isso, revelam sua devoção ao autor e a sua obra, o que explica muito daquilo que conseguem entregar ao público. Em “A dama da noite”, eles se apresentam como conhecedores dedicados das tramas e tipos criados por Caio Fernando Abreu e isso acaba por se traduzir, em cena, num respeito e controle excessivos.

É certo que “A dama da noite” da Pane Produções Artísticas não poderia ser outra, que não a “Dama da Noite” de “Os dragões não conhecem o paraíso”. A história é um só. A questão é que a referência, por fim, se revela algo que asfixia e, não, que liberta. Antônio Pacheco Neto e Marcelo Francisco trabalham, na maior parte do tempo, tendo Caio Fernando Abreu como um limite, como uma fronteira. A montagem, no entanto, vaza, transborda, não respeita barreiras. A maravilhosa puta velha que Caio F. fabula para censurar um mundo que se especializou em censurar tem uma força nas páginas que é ímpar. Para ganhar os palcos, porém, ela cobra um tanto mais de ousadia. O texto toca em opressões que hoje se configuram de outras formas e, com isso, exige um outro tipo de elaboração no horizonte da encenação.

A carpintaria de “A dama da noite” engessa a performance de Marcelo Francisco. O espetáculo tem uma partitura muito estática, conduzida por pontos de luz muito frios. A atuação escorre por uma marcação muito sublinhada. Tudo tem um lugar muito específico, um tom muito específico, um movimento muito específico. “A dama da noite” da Pane Produções Artísticas parece presa, controlada. O figurino um tanto alegórico e o cenário mais realista embaralham entendimentos. Antônio Pacheco Neto lê Caio Fernando Abreu com um certo lirismo. Embora mantenha a literalidade do texto muito presente, com uma ou outra citação para tornar a narrativa “contemporânea”, a direção conduz o olhar do espectador mais para uma dimensão de fantasia, de embriaguez, de alucinação. Caio F. é mais bruto. Pacheco Neto, mais delicado.

Enquanto o conto é mais direto, mais áspero, a versão da Pane Produções Artísticas é mais sensível, mais subjetiva. O drama de Caio Fernando Abreu expõe um lugar, um tipo e um recorte de conflitos particular, já a peça de Antônio Pacheco Neto e Marcelo Francisco parece borrar aquilo que a referência assume com rigor e precisão. De todo modo, é Caio F. quem detém as rédeas do espetáculo. O texto e o autor são os maiores pontos de destaque, muito embora seja forçoso reconhecer que Marcelo Francisco tem repertório para superar essas amarras. “A dama da noite”, por vezes, consegue, sim, ser elogioso sem ser obediente. Caio Fernando Abreu merece e até instiga algo mais subversivo. Antônio Pacheco Neto e Marcelo Francisco poderiam muito bem sair do campo da leitura de uma obra e enveredar mais pela composição de uma obra outra, uma cópia que não é cópia porque não quer ocupar o mesmo lugar da original.

Em cartaz há 20 longos anos, “A dama da noite” da Pane Produções Artísticas, porém, não é algo mais da ordem da experiência, da dúvida. Ali, Pacheco Neto e Marcelo Francisco compartilham suas convicções. O espetáculo é a síntese do teatro que eles acreditam. Da plateia, o que se vê, no entanto, são possibilidades de criação que demonstram consistências muito específicas. “A dama da noite” se coloca como mais autoral e vibrante quando aposta na música, quando flerta com a performance, acentuando o corpo do ator em cena, ao tempo em que perde intensidade em sequências presas demais ao texto, revelando quase um exercício de retórica, amparadas num conjunto de recursos cênicos muito precários. É um espetáculo honesto em suas limitações. Pena que Marcelo Francisco só explode na taça arremessada ao chão no minuto final.

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Se eu fosse Malcolm_76_Ana_Yoneda

A revolução rebolativa de Eron Villar e DJ Vibra

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Colaboração do ator Eron Villar e da DJ Vibra, “Se eu fosse Malcolm?” não chega a ser o que se anuncia, embora acabe por se configurar como uma experiência muito poderosa. O Malcolm do título do espetáculo faz menção a Malcolm X, militante norte-americano que atuou na década de 1960 pelos direitos civis dos negros. A interrogação ali presente também merece atenção, não é meramente retórica. Eron Villar, que assina a dramaturgia, se faz, literalmente, esse questionamento. Alguém com as ideias de Malcolm X, deslocado 60 anos no tempo, falaria a quem? Um Malcolm X do século XXI seria mais forte, encontraria mais eco para suas teses? O fato é que “Se eu fosse Malcolm?” não se fixa numa referência tão particular assim.

Aparentemente, um tanto obcecados pela biografia singular de Malcolm X, Eron Villar e DJ Vibra cruzam trajetórias reluzentes de outras personalidades negras. Malcolm X, assim, perde espaço para nomes como os ativistas Bayard Rustin e Martin Luther King Jr., o lutador de boxe Muhammad Ali, a diva Nina Simone e até mesmo ícones brasileiros, como Zumbi, o rei dos Palmares, e a cantora Elza Soares. Isso, para ficar nas figuras públicas que assumiram uma projeção mais regular no correr da história. “Se eu fosse Malcolm?”, entretanto, é entrecortado por citações de dor e de luta, de certo modo, anônimas. É o caso, por exemplo, de George Floyd e seu “I can’t breathe”, também lembrados em cena por Eron Villar e DJ Vibra.

“Se eu fosse Malcolm?” não tem a literalidade que provoca e só se afirma na medida que se dilata. “Se eu fosse Malcolm?” não fala de X, fala de um alfabeto inteiro de enfrentamento ao racismo, em suas diversas formas de apresentação. A montagem imagina ter um foco muito definido, quando, na verdade, o que funciona mais claramente no contato com o público é a articulação inteligente e ágil de tantos temas e tantos tipos e tantos tempos e tantos lugares. Talvez, todos sejam um tanto Malcolm X, mas essa também não é a questão. “Se eu fosse Malcolm?” não trata, ao fim, de um lutador, trata de uma luta, que tem sido de muitos, é verdade, e deveria ser de todos, mais verdade ainda.

Muito bem resolvido na plasticidade de sua composição, combinando, com equilíbrio e muita beleza, recursos de iluminação com projeções de vídeo e trechos musicados, “Se eu fosse Malcolm?” se perde, entretanto, ao se assentar indevidamente numa estrutura de solo. Assim como o ponto central de atenção não está em Malcolm X quando se observa em detalhe a dramaturgia, o ponto central de atenção não está em Eron Villar quando se observa em detalhe a encenação. Muito embora Malcolm X acione os questionamentos que conduzem a narrativa e Eron Villar funcione como um núcleo irradiador de todo processo, inclusive interpretando o ativista, “Se eu fosse Malcolm?” seria outro sem a presença definitiva da DJ Vibra.

Em cena, DJ Vibra não tem uma atuação acessória. Ela está lá como DJ, sim, mas assume funções cruciais para organizar o discurso da peça. É DJ Vibra., por exemplo, quem interrompe as elocubrações de Malcolm para localizar o racismo no Brasil com outras violências que não as vividas pelas comunidades negras nos EUA. É DJ Vibra, ainda, quem conclama a plateia para uma revolução rebolativa, subvertendo o que é da ordem do clichê e do estereótipo em potência transformadora. “Se eu fosse Malcolm?” encontra em DJ Vibra uma força física que merece mais destaque. “Se eu fosse Malcolm?” tem um caminho virtuoso a ser explorado naquilo que tem de base coreografada. “Se eu fosse Malcolm?” pode e deve ser mais dançado, mais livre.

Com cerca de 60 minutos de duração, o espetáculo tem um ritmo dinâmico de esquete e um trato com o público muito intenso. Por diversas vezes, Eron Villar e DJ Vibra interagem com os espectadores como que a querer arregimentar novas vozes para fazer coro as suas ideias. E conseguem. A resposta é muito bonita, viva, interessada. “Se eu fosse Malcolm?” tem uma conexão muito forte com o hoje, com as demandas desse tempo presente e com as formas de criação cênica desse tempo presente. É uma montagem que faz dialogar linguagens, enquanto provoca convenções, inclusive sociais. Ainda com uma história muito recente nos palcos, tendo estreado em maio de 2023, “Se eu fosse Malcolm?” tem ajustes a fazer, sem dúvidas, mas tem, também, um caminho muito vasto pela frente. Nina Simone e Elza Soares ainda vão tocar muito!

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Aldeias - TALES PEDROSA

O teatro segundo Agrinez Melo

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No coração da cidade do Recife, no tradicional bairro da Boa Vista, vive e pulsa um teatro-roda-terreiro. Lá, Agrinez Melo investiga uma cena que não se convenciona – ou, sendo mais preciso, que se convenciona a partir de outros códigos e outros corpos, que não os brancos, europeus. Agrinez Melo poderia muito bem pesquisar sozinha, mas, felizmente, suas poéticas carregam outros fundamentos. Ela é de uma linhagem de filhas do vento, entende que seu corpo, essa casa que dança, é, na verdade, uma vastidão povoada de tempos. Assim, do encontro, nasce “Aldeias”, uma lindeza costurada por uma sabedoria ancestral que a Paó Produção & Comunicação em parceria com a Doceagri, acham por bem chamar de espetáculo, mas que poderia ser batizada de teimosia da insistência.

“Aldeias” carrega a força e a delicadeza do que é puro. O que é dado a ver ao público é, simplesmente, um tanto de verdade. Claro, há uma camada de representação, sim, mas, apenas muito pontualmente, o elenco transita por uma composição interessada pela construção artificial de um outro. Em “Aldeias”, os atuadores – músicos, dançarinos e atores – são eles e suas memórias, aquelas mais recentes e outras tantas, muitas, que vêm de longe, ancestrais. Sempre que a encenação se coloca a serviço de uma interpretação em que os artistas se expõem como eles mesmos, com suas alegrias e suas dores, “Aldeias” explode. O teatro de Agrinez Melo não é preso a um mimetismo da ordem do como se fosse, é um teatro genuíno, que é o que é.

Logo em sua primeira cena, a montagem deixa claro essa chave de criação. Ester Soares, sozinha, é ela e todas as mulheres do mundo, ao tempo que se veste de Rainha da Encruzilhada. A Pomba Gira de “Aldeias” sai do panteão e se espraia pela vida. A Pomba Gira é Ester Soares, ao tempo que Ester Soares é a Pomba Gira do culto e dos pontos, entoados com maestria, mas também é a mulher açoitada por ser mulher, a mulher de quem a sociedade tem medo, a mulher, porém, que não sofre do proibido e sabe que, sem ela, não haveria de existir alegria nem revolução. “Aldeias” arrebata pelo batuque, pelo ritmo, pelo movimento, mas, sobretudo, pela capacidade de provocar temas contemporâneos. A ancestralidade de “Aldeias” é absolutamente presente.

No teatro-roda-terreiro de Agrinez Melo cabe tudo. Questões ligadas ao universo LGBTQIAP+, por exemplo, demarcam seu espaço na medida em que se conectam com outras exclusões e outras censuras. A exclusão e a censura ao povo preto, a exclusão e a censura à mulher, a exclusão e a censura às religiões de matriz africana, a exclusão e a censura, enfim. “Aldeias”, no entanto, está longe de ser uma arena de debates. Definitivamente, não é uma peça didática. A dinâmica é mais da ordem do compartilhamento do vivido. O público é colocado quase que diante de um segredo. “Aldeias” tem, a um só tempo, a força do coletivo e a força da intimidade.

Experimentado desde 2019, “Aldeias” vem sendo inventado e reinventado ao sabor das trocas formativas desenvolvidas por Agrinez Melo na lida cotidiana dos 20 anos de atuação do Grupo O Poste Soluções Luminosas, formado por artistas negros interessados pelo resgate das culturas afro-indígenas no Recife. Com isso, “Aldeias” tem uma partitura que é aberta à renovação, tem uma trama porosa e acolhedora, que sempre pode receber uma nova cena e um novo ator. O músico Beto Xambá ganhou texto falado na sessão do último dia 27. A estreia, do modo como se deu, só é possível porque, no jogo jogado pelo elenco de “Aldeias”, não há espaço para individualidades. A ancestralidade é coletiva. Quando fala de si, Beto Xambá está falando de todos, está falando do mundo, assim como Ester Soares e Jorge Féo e Jully e todo o elenco também o fazem.

“Aldeias” é uma alegria compartilhada, uma festa com direito a banho de cheiro e bombom. É um trabalho suado, poderoso, que tem uma pesquisa muito consistente e pode e deve seguir reverberando e compartilhando seus resultados. “Aldeias” é um encontro muito desafiador para dentro e para fora dos limites de seu intenso e fértil teatro-roda-terreiro. Enquanto se conecta com os seus de agora e com os seus de sempre, Agrinez Melo cria uma experiência se não nova, inovadora, que só é possível, num revisar de convenções. Agrinez Melo questiona para ela, para seus atuadores e para os seus públicos o que é teatro, como se faz teatro e como se assiste teatro. “Aldeias” não fecha questão, não conclui nada, não traz resposta, mas abre veredas e desperta desejos. Sim, outros teatros são possíveis.

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Cabelos-14 - Rômulo Juracy

No sonho frenético e intenso da Buia Teatro Company, não há lugar para maus pensamentos

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Há determinadas pressões e cobranças no contexto do chamado teatro para as infâncias, no mínimo, equivocadas. Com frequência, artistas são provocados com frases como: que mensagem seu espetáculo deixa para as crianças? Ou ainda: sua montagem consegue mesmo prender a atenção da plateia? Fala-se isso e outros tantos absurdos como se os teatros para públicos outros, para além dos miúdos, estivesse liberado formalmente de um enfrentamento coerente dos temas que põe em evidência ou ainda que as encenações se organizassem sem que o espectador fosse uma preocupação de primeira ordem. Embora indevidas, as demandas externas sobre as peças infantis acabam por conduzir suas realizações para um outro lugar.

“Cabelos Arrepiados”, espetáculo da Buia Teatro Company, de Manaus, é uma dessas experiências que, de tão zelosa para cumprir à risca a lista de exigências para se rotular como “infantil”, acaba por surpreender também o olhar dos mais velhos. Com texto de Karen Acioly e direção de Tércio Silva, o espetáculo é uma soma de referências as mais variadas. Tem música, tem animação, tem manipulação de bonecos, tem drama, tem comédia, tem mágica. É uma colagem de performances múltiplas com um apelo visual preciso e facilmente absorvido. “Cabelos Arrepiados” faz uma apropriação muito clara do universo imagético do cinema de Tim Burton. Há uma esquesitice delicada no perfil e nos traços dos tipos que apresenta que lembra filmes como “Edward – Mãos de Tesoura”, “A Noiva Cadáver” e “Frankenweenie”, por exemplo.

É um trabalho que se desdobra com recursos de várias linguagens, que funciona pelo excesso. É uma overdose de criatividade e recursos, apesar de o trabalho ser temporalmente enxuto, cerca de 50 minutos. De todo modo, é preciso reconhecer que Maria Hagge, Magda Loiana, Jeferson Mariano, Roque Baroque e Dimas Mendonça transitam e misturam esses códigos tão absurdamente variados com grande habilidade e, quase sempre, com equilíbrio. Ficando apenas no recorte do teatro musical, a peça se apresenta como uma opereta, merece destaque o fato de “Cabelos Arrepiados” não realçar tensões recorrentes ligadas às figuras irregulares do “ator que canta” ou do “cantor que atua”. O correr das cenas e os números musicais são intercalados com muita harmonia e competência. O espetáculo é fluido e mantém o ritmo sem grandes oscilações.

Em cena, o elenco se divide – se multiplica, justiça seja feita – para contar a história – as histórias, melhor dizendo – de Tico, Cora, Flora e Dora, Clara e Ciro. Crianças de tempos e mundos particulares, eles se aproximam na medida em que são todos meninos “estranhos”, além de compartilharem o drama de que não conseguem dormir. “Cabelos Arrepiados” organiza sua encenação em torno do curioso tema da privação do sono entre os pequenos e enfrenta essa questão com muita poesia. Para a Buia Teatro Company, crianças que não dormem são crianças que tiveram seus sonhos roubados, objetiva e subjetivamente falando. A companhia encontra soluções muito felizes para compor uma dramaturgia que conduz a resolução dos pequenos atos de forma afirmativa. Mesmo quando enfrenta aspectos mais áridos que impactam o bem dormir, o desfecho é positivo. Ao final, o sono vem e todos dormem com tranquilidade.

Tico, Cora, Flora e Dora, Clara e Ciro são tão diferentes quanto comuns e, embora alegóricos, despertam grande intimidade. Não há quem não se identifique com alguma das características que eles realçam. Em atividade desde 2015, a Buia Teatro Company deixa claro em “Cabelos Arrepiados” que se guia por uma continuidade de pesquisa e trabalho. O encontro com o público infantil não é algo acidental para o coletivo, é uma constante, e isso se coloca de forma muito evidente na maturidade das escolhas. Há de ter uma lógica para a construção de cenas mais complexas em suas partituras que em suas temáticas. Em “Cabelos Arrepiados”, tudo o que é dito presa por uma economia de articulações e sugestões, enquanto o modo de apresentação dessas questões percorre um caminho inverso. A performance cênica da Buia Teatro Company é visualmente intensa, superlativa, beirando a exaustão.

Com um palco que gira, figurinos e maquiagens ricos em detalhes, desenho de luz muito presente, trechos musicados variados, “Cabelos Arrepiados” é um turbilhão de informações. Fica fácil entender a concentração da plateia, diante de uma obra tão intensa. Não há pausa para um desvio do olhar, é surpresa atrás de surpresa do início ao fim. Esse espetáculo funciona e encanta, sim. Entretanto, a qualidade dos atores é tamanha e a abordagem do tema central tão sensível que a peça funcionaria, sem prejuízos, de cara lavada e sem tanta parafernália. “Cabelos Arrepiados” é uma, rasgando elogios ao cinema de Tim Burton, mas não se perderia, caso se apresentasse meio que como ensaio de banda de garagem. Por baixo de tantas sobreposições de recursos, a Buia Teatro Company tem uma poética particular que também merece ser vista.

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Alguém para fugir comigo

“Alguém pra fugir comigo” brinca com realismos enquanto seduz o público

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Se o Bily entra em cena e pega o Tigrão dele, “Alguém pra fugir comigo” teria cumprido sua jornada. Com encenação de Analice Croccia e Quiercles Santana, o espetáculo do Resta 1 Coletivo de Teatro é incerto e corajoso, como a vida, essa luta quase eterna contra uma derrota anunciada, deveria ser. Em cena, além da própria Analice Croccia, Ane Lima, Caíque Ferraz, Clau Barros, Pollyanna Cabral, Raphael Bernardo e Wilamys Rosendo sabem bem o que querem fazer. A montagem tem uma clareza muito convicta de suas escolhas, muito embora isso não a conduza para um lugar de conforto. “Alguém pra fugir comigo” erra e acerta, erra e acerta, erra e acerta, erra e acerta. É um espetáculo vivo, tem fragmentos lindos e, a todo instante, conduz seu movimento, sua energia, para um lugar de encontro.

“Alguém pra fugir comigo” provoca uma escuta muito delicada. O que você fez da vida? O que a vida fez de você? Quanto isso lhe custa e até quando você aguenta? O que sobra para viver? Sem coragem, para onde é que a gente vai? Essas e outras tantas perguntas, nada retóricas, costuram uma dramaturgia que perpassa tempos e tipos os mais variados, aparentemente provocando, mas, na verdade, acolhendo. “Alguém pra fugir comigo” se anuncia panfletário, grita, chama para briga, cospe na cara, mas entrega algo de outra natureza. “Alguém pra fugir comigo” é um abraço sincero, é uma mão estendida, é um ombro amigo. A preta Liberdade vai fugir, sim, quantas vezes for preciso, mas ela quer, sobretudo, que a mãe fuja também, mesmo que não fujam juntas.

Transitando por linhas de composição muito distintas, “Alguém pra fugir comigo” é um espetáculo que não se pode dizer preso a uma narrativa. Tem uma história sendo contada, sim, mas a história mostrada é mais sensível e sedutora. A plasticidade, a materialidade, da montagem é tão consistente quanto o enredo e, na grande maioria das vezes, cria uma camada de informação, fora do lugar do meramente ilustrativo. Analice Croccia, Ane Lima, Caíque Ferraz, Clau Barros, Pollyanna Cabral, Raphael Bernardo e Wilamys Rosendo mantém um ritmo intenso e propositivo de troca, de colaboração, que faz cada cena transbordar sobre as demais, mesmo que não tenha propriamente uma conexão literal, dramática. O Resta 1 Coletivo é e funciona como um grupo de teatro e isso não é pouca coisa.

Nos palcos desde 2017, “Alguém pra fugir comigo” tem, ainda, uma provocação de estreia. É fresco. É presente. É arriscado. O elenco avisa que não há nada de novo ali, que é melhor o público não criar expectativas, que não vai representar nada nem defender ideia alguma, mas, ao fim, não cumpre o receituário por completo. “Alguém pra fugir comigo” tem uma hipótese, uma tese, uma intenção argumentativa que acompanha o espetáculo da primeira e enfadonha cena ao exuberante e profundo ato final. Enquanto Liberdade foge sozinha e acaba sendo capturada pelo escroto do delegado a mando do comendador, aquele asqueroso, o Resta 1 Coletivo de Teatro foge em bando e leva junto o público, totalmente entregue a sua poesia.

“Alguém pra fugir comigo” explora, pelo menos, duas possibilidades de teatro de viés mais realista. Há no espetáculo um recorte dedicado à representação de tipos. Liberdade e sua mãe, por exemplo, são apresentadas vindo de um outro lugar e um outro tempo, são uma verdade inventada. Há, ainda, um outro recorte que se volta para uma espécie de desvelamento dos próprios atores. É quando conhecemos o cãozinho Bily, dono do Tigrão que passeia por muitas cenas. Bily, ao contrário de Liberdade, é impregnado de um registro de real mais tátil. No corpo dos atores, essas dimensões exigem expressões muito particulares. A verdade é que o Resta 1Coletivo de Teatro não domina com precisão nenhuma proposta de composição, mas é muito ciente disso.

Em nenhum momento, as performances dos atores saem do lugar do rascunho, do experimento. É tudo uma bela e honesta tentativa. “Alguém pra fugir comigo” tem, no entanto, chaves de criação muito ricas, sem que nenhum integrante se sobreponha aos demais. O Resta 1 Coletivo de Teatro atua em grupo e, insisto, isso não é pouca coisa. Fora do campo da narrativa, a montagem oferece uma dinâmica muito interessante. Os trechos musicados e coreografados são muito potentes, embora tímidos. “Alguém pra fugir comigo”, mesmo enveredando por temas os mais indigestos, estabelece um diálogo muito afetuoso com o público. Dá vontade de ver mais, dá vontade de continuar vendo. Dá vontade de ver outra vez. Dá vontade de reencontrar “Alguém pra fugir comigo” mais consistente, mais seguro, mais acabado.

As opiniões expressas nas resenhas publicadas neste blog são de responsabilidade exclusiva dos críticos que as assinam. O Sesc PE não se responsabiliza pelas opiniões, comentários ou avaliações feitas pelo autor, que são independentes e não refletem, necessariamente, a visão de nossa instituição.

IROKO - CRÉDITOS- @domarrrrrrr_-249

A decolonialidade enviesada de “O irôko, a pedra e o sol”

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É possível que um olhar mais apressado pense que “O irôko, a pedra e o sol”, do Grupo O Poste Soluções Luminosas, seja um espetáculo que cruze temas como sexualidade e religiosidade. Não. Não é. “O irôko, a pedra e o sol” é, por excelência, uma denúncia contundente de como operam e se espraiam as estruturas do colonialismo. A peça não só flagra como demonstra a abrangência e os efeitos do pensamento colonial, tão caduco quanto intenso, que segue a controlar ideias, afetos, crenças e corpos. Somos todos colonizados, vivemos um mundo ainda moldado por valores específicos e facilmente localizados, que se afirmam fazendo do outro, do “diferente”, uma constante ameaça.

“O irôko, a pedra e o sol” quer crer que fala da trágica história de amor de Severino e Sebastião, dois garotos de uma comunidade quilombola evangelizada do sertão pernambucano. “O irôko, a pedra e o sol”, porém, não tem protagonistas nem um lugar de ação tão definidos assim. A história é de uma inocência pisada, de uma miséria anônima, como diria Clarice. É a história de todos nós, que fugimos a regras, cuja finalidade de existir é, única e exclusivamente, garantir que nós, que fugimos a regras, sejamos apagados e, quando muito, tolerados pela confissão daquilo que é professado como pecado. “O irôko, a pedra e o sol” é o registro de uma luta sem fim entre oprimidos e opressores, também oprimidos, meros reprodutores de opressões seculares.

É disso que se trata o colonialismo. Uma opressão secular. “O irôko, a pedra e o sol”, em suas mais de duas horas de duração, enfrenta e se perde numa infinidade superficial de temas, quando, na verdade, concentra no afã de romper com essas estruturas de dominação seu eixo dramático. O espetáculo se faz diante da possibilidade de uma expressão outra da masculinidade, de uma expressão outra do papel social das mulheres, de uma expressão outra dos valores e cultos de matriz africana. Tudo isso não acontece ou acontece no limite do impossível porque o colonialismo dita o que é e o que deixa de ser um homem, por exemplo. O pensamento colonial é uma sofisticada engrenagem de censuras que se impõe sobre as mais variadas áreas. Inclusive, no teatro.

Com texto, direção, letras, cenário e iluminação de Samuel Santos, “O irôko, a pedra e o sol” não consegue romper em absoluto as amarras e convenções de um teatro, a seu tempo, colonial. O Grupo O Poste Soluções Luminosas, embora tenha uma pesquisa sólida sobre corporalidades outras e teatralidades outras, acaba assumindo uma preocupação excessivamente narrativa, textocêntrica, para compor a obra. “O irôko, a pedra e o sol” tem uma curva dramática convencional, com a jornada dos seus heróis muito esquematizada e fundamentada numa lógica questionável de causas e consequências. As melhores cenas da peça, no entanto, estão à margem dessa composição. Há um “O irôko, a pedra e o sol” preocupado em contar uma história e um outro “O irôko, a pedra e o sol”, despreocupado, mais ligado a fluidez dos movimentos e sonoridades.

“O irôko, a pedra e o sol” é fruto da colaboração do Grupo O Poste Soluções Luminosas com o Grupo Bongar – Meme Bongar, que executa toda a trilha do palco. “O irôko, a pedra e o sol” brilha nos trechos musicados, particularmente os que a virtuose se desprende da pretensão narrativa. O espetáculo se investe de muita força quando adota estratégias de encenação mais físicas e menos dramáticas. A cena que o elenco desce do palco e procura abraços na plateia e os dois números que arrematam os atos são muito expressivos nesse contexto. Teatro nem sempre precisa de uma lógica sequencial. Quanto mais liberdade se permite, mais interessante e convidativa a montagem se coloca. O Grupo O Poste Soluções Luminosas tem a chance de conduzir o público a um mundo novo, com éticas e poéticas de outra sorte, mas não consegue romper com esquemas e visões de mundo de uma tradição colonial.

O espetáculo é, por assim dizer, também uma vítima do discurso que denuncia. “O irôko, a pedra e o sol” não só aceita como reproduz opressões. Faz sentido, em pleno 2022, quando a peça estreou, associar o vírus da AIDS à homossexualidade? Como questionar a leitura estereotipada das religiões de matriz africana quando se apresenta um recorte tão estereotipado dos cultos evangélicos? Falta a “O irôko, a pedra e o sol” uma espécie de refinamento diante de uma exuberância de questões que pretende abarcar. Caso se resumisse ao primeiro ato, sem julgamento, sem vingança, sem morte, sem tragédia, talvez, a montagem causasse uma outra impressão. O Grupo O Poste Soluções Luminosas tem um caminho criativo muito interessante a seguir, basta acreditar na linguagem cênica que tem desenvolvido.

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Alegria de Náufragos - Junior Pinheiro abr-23 (16)

“Alegria de Náufragos” é para poucos e bons e não há problema algum nisso

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Na estrada desde 2007, o Grupo Ser tão Teatro é dono de uma caminhada curiosa. Em meio à previsibilidade de montagens como “Flor de Macambira” e “Farsa da Boa Preguiça”, a companhia paraibana se desfaz de fórmulas e surpreende até os mais curiosos com “Alegria de Náufragos”. A peça é tudo, menos a história do laureado professor Nicolai Stiepánovitch. “Alegria de Náufragos” é um grande desabafo e, também, uma grandessíssima declaração de amor. O espetáculo tem a energia de uma confraternização de fim de ano de firma misturada à tensão de um Natal em família. É frio na barriga do início ao fim.

Em cena, Cely Farias, Rafa Guedes, que vale por 300 atores, e Thardelly Lima, substituído por Polly Barros devido às gravações da novela das 18h, se esforçam para sensibilizar o público com o despertar da inocência do professor Stiepánovitch, na juventude de seus 72 anos. De repente, o orgulho do velho mestre diante de suas próprias conquistas se esvai em meio a uma debilidade de valores que ele cultivou desde sempre. O trabalho na universidade, o rigor da ciência e até a família tradicional, com isso, se esfacelam e fica evidente a figura de um sujeito que passou pela vida, deixando a viva passar. Com um currículo invejável, falta ao professor Nicolai Stiepánovitch, um homem marcado pela insônia, um tanto de alegria. Nem que seja a alegria dos náufragos.

Cely Farias, Rafa Guedes e Polly Barros falam, na verdade, deles mesmos. Enquanto se revezam no vasto recorte de personagens – Stiepánovitch, sua esposa, sua filha, a pequena órfã de quem ele é tutor, o porteiro da universidade e seus muitos alunos – o elenco do Ser tão Teatro fala dessa gente estranha que faz teatro e é feliz fazendo teatro. Essa gente que precisa suportar a demora na liberação de verba de edital público, essa gente que convive com gente sem talento, essa gente que se vê obrigada a fazer elenco de apoio na televisão, essa gente que vê seus trabalhos premiados sendo ridicularizados pelos amigos em suas montagens e, mesmo assim, é feliz. “Alegria de Náufragos” é para poucos e bons e não há problema algum nisso.

É uma peça para iniciados. Com texto e direção assinados em parceria pelo potiguar César Ferrario e pelo pernambucano Giordano Castro, “Alegria de Náufragos” é costurada por referências e autorreferências. É um espetáculo que fala, que provoca, mais diretamente quem é da lida do teatro. Tem uma camada de texto e de ações que são apreendidas mais diretamente pela memória e pela dor, num misto de crítica e elogio. “Alegria de Náufragos” é uma brincadeira muito séria. É como se os atores estivessem, a todo instante, testando a si mesmos e testando o próprio teatro, testando a entrega a algo tão absurdamente difícil de ser suportado, mas, ao mesmo tempo, tão absurdamente capaz de produzir e espalhar felicidades.

O público médio, claramente preterido em “Alegria de Náufragos”, acompanha tudo com o pavor gostoso da arquibancada dos circos. O espectador, que não faz teatro, não precisa entender tudo o que está em jogo na construção das cenas. A sorte é que o teatro é uma arte convival e, se for para rir, a plateia vai rir de qualquer jeito, porque sempre tem alguém do lado que não vai se controlar. O hermetismo de “Alegria de Náufragos” é engraçado, ácido, escatológico. Tem torta na cara, tem tapa na cara, tem talco na cara, tem água na cara, tem açúcar na cara, tem verdade na cara. É um crescente, sem limites, sem modéstia e sem pudor. Tudo isso para provar que vale a pena, sim, fazer teatro.

Um tanto violento pelo excesso de informações e sensações que condensa, “Alegria de Náufragos” é um trabalho que se sustenta ou se fundamenta pela excelente performance dos atores. Rafa Guedes é um nome desses para anotar e sair procurando nos cartazes e fichas técnicas. Se a intenção era provocar lamento e piedade diante da sina grandiloquente e desastrosa do professor Stiepánovitch, o Ser tão Teatro naufraga feio. “Alegria de Náufragos” navega a pleno vapor por outros mares. O espetáculo fala e critica e provoca e desafia quem faz teatro, mas deixa o resto dos pobres mortais com o senho de ter uma existência mais feliz aos próprios olhos que aos olhos do mundo.

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Miró _ Estudo nº 2_Fotos_ João Maria Silva Jr_011

O teatro também é danado para botar a gente para pensar

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O que faz um artista de teatro? Interpreta personagens. Isso: cria tipos! É possível que cante, dance e, com sorte, arranhe algum instrumento. A depender da formação, pode ter habilidades circenses e, quem sabe, até cuspir fogo. Há, ainda, aqueles que escrevem os próprios textos que apresentam. Há, também, aqueles que organizam suas próprias cenas, mas estes são mais raros. É por aí. Disso, não passa. Passa, sim. Pelo menos, nos seus dois últimos trabalhos, o Grupo Magiluth tem chamado atenção para uma dimensão do ofício do artista de teatro, tão antiga quanto a própria linguagem, apesar de muito pouco realçada: o estudo.

Depois de “Estudo N°1 – Morte e Vida”, montagem de 2022 provocada pelo conhecido auto de Natal pernambucano de João Cabral de Melo Neto, “Estudo N°2 – Miró”, estreado há pouco mais de um ano, mantém o diálogo da companhia com a poesia local. Dessa vez, a interlocução é com outro João, João Flávio Cordeiro da Silva, conhecido como Miró da Muribeca. Muribeca, diga-se, era o lugar de Miró na cidade do Recife, um conjunto habitacional que reunia 70 prédios, cada um com 32 apartamentos, totalizando 2.240 moradias, que sobreviveu de 1982 a 2017, quando veio ao chão.

O evidente percurso de pesquisa, de investigação, desloca as noções mais regulares de criação e de fruição para outra dimensão. Os estudos do Magiluth são, por excelência, experiências de aprendizagem, para os atores e para seus públicos. “Estudo N°2 – Miró”, por exemplo, tem algo central para a organização da poética criada pelo grupo em seus 20 anos de história. É um espetáculo, uma palestra-performance, sobre a conceituação e a especificidade da composição das personagens. No Magiluth, faz tempo, Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Lucas Torres, Mário Sergio Cabral e Pedro Wagner entram em cena como Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Lucas Torres, Mário Sergio Cabral e Pedro Wagner. São seis atores ou seis personagens? São seis pessoas. Agora, sete, contando com Miró.

Com direção e dramaturgia coletiva, “Estudo N°2 – Miró” destaca esse limite tão tênue que separa o intérprete do tipo, real ou ficcional, dado a ver ao público pelo artista de teatro. O Magiluth teve o privilégio de conhecer Miró, de conviver, de trocar com o poeta. Na plateia alargada da companhia, pensando que o Magiluth fala para além do Recife, esse conhecimento tátil de Miró é mais acidental. Pelo Magiluth, conhecemos um Miró criado a partir do Miró que eles conviveram. É um Miró tão verdadeiro e genial como o original. Para apresentar Miró, e, não, representar Miró, o Magiluth cria um Miró particular. O Miró do Magiluth é um tanto daquele da Muribeca misturado à potência de cena e de vida de Erivaldo Oliveira, ilustre representante de uma família tão devota quanto subversiva por nomes começados pela letra E.

Na aula que o Magiluth constrói para problematizar a relação do teatro com as personagens que o ocupam, há uma gordurinha pop, uma citação divertida ao cinema e à televisão, mas o eixo de interesse recai sobre a criação teatral. Há dois fragmentos muito instigantes que reforçam essa orientação. Num dado momento, Parma, Erivaldo e Giordano procuram definir o que é um protagonista, um coadjuvante e um antagonista. É quando sugerem uma abordagem policial violenta, com o perdão do pleonasmo. Um menino pobre e preto é parado e acaba levando um tapa na cara. O protagonista apanha, o antagonista bate e o coadjuvante observa. E a plateia, o que faz? Nada. Testemunha aquilo tudo passivamente, faz no teatro o que faz na vida. Esse tipo de provocação só é possível no teatro. Ali, afinal, estamos vivos e presenciamos uma situação.

Mais adiante, quando, enfim, Miró deixa de ser uma referência literária para se fazer personagem de carne e osso, a fusão do poeta com Erivaldo Oliveira é algo de extraordinário, de maravilhoso. Embora forte e bruto, esse processo, esse movimento, exibido ao público numa transmissão em vídeo, é feito fora de cena, no camarim. O Miró do Magiluth nasce na intimidade mais profunda do teatro, onde os artistas ainda são eles mesmos. O Miró do Magiluth não é o Miró da Muribeca. Jamais seria. O Miró do Magiluth é Erivaldo Oliveira dando conta de uma camada outra de composição. Erivaldo continua sendo Erivaldo, como Parmera e Giordano seguem sendo Parmera e Giordano, mas assume uma carapuça nova, que não é dele nem de Miró, mas que só é possível pelo encontro do ator com o poeta.

“Estudo N°2 – Miró” deixa um tanto de aprendizado sobre a arte teatral, um tanto de aprendizado sobre a poesia de Miró da Muribeca e um muito de aprendizado sobre a vida e a criação, quase impossíveis, de tipos e artes como a de Miró numa cidade como Recife, também uma personagem da montagem. Poético, no sentido de delicado e afetuoso, ao tempo que político, “Estudo N°2 – Miró” é um tributo a Miró da Muribeca e um tributo a uma percepção do teatro como espaço e meio de circulação de conhecimento. Para além de comungar o ver e o ser visto, o teatro pode e deve ser esse lugar que desafia e renova ideias. Assim como a janela do ônibus, Miró, o teatro também é danado para botar a gente para pensar. A gente é que esquece disso. Ainda bem que o Magiluth não deixou passar batido.

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