Cultura Popular

26 05 2024

Caboclinho Canidé de Goiana ocupa a Praça do Campo Santo no FPG e isso ainda diz pouco: o mover de um território cujas raízes originárias e afro-brasileiras são um modo de existir

É em Goiana, na Mata Norte do nosso estado, que nasce o Caboclinho Canidé, patrimônio vivo de Pernambuco, fundado por mestre Antônio Galdino da Silva em 15 de julho de 1971. A cidade de Goiana se destaca não só economicamente, dentro do estado, mas sobretudo como manancial e berço de artistas e expressões culturais as mais diversas e consistentes. Lá nasceram, também, por exemplo, o artista Zé do Carmo (outro patrimônio vivo de Pernambuco), pintor e escultor em cerâmica, e o compositor e músico Juliano Holanda, entre tantas e tantos. De Goiana também, outro patrimônio vivo de Pernambuco é o grupo Pretinhas do Congo, que a certa altura foi capitaneado por Dona Carminha (Maria do Carmo Monteiro) com apenas dez anos de idade (filha do do estivador Antonio Manoel dos Santos, o Pirrixiu, espécie de fundador do brinquedo). Ou seja, trata-se de um território historicamente habitado pelos indígenas das etnias Caeté, Tabajara e Potiguara, mas onde também resistem as tradições diasporizadas pela escravização de povos negros. Não podemos esquecer que também é de um distrito de Goiana que vem um dos sentidos mais materializados de resistência e enfrentamento: as heroínas Mulheres de Tejucupapo, que derrotaram soldados holandeses com panelas e colheres de pau.

Apesar do genocídio e das violências estruturais e sistêmicas tanto dos corpos quanto das culturas negra e indígena, segue (r)existindo como símbolo e marca da força das raízes desses povos originários um brinquedo e uma manifestação, no sentido de festa política e música, dança, corpos em conjunto que é o caboclinho. Esta manifestação se configura como um território do encontro de duas matrizes ancestrais e duas tradições, duas forças e modos de se organizar em coletividade, de viver e ver terra e mundo: essa brincadeira (séria, divertida e importante ao mesmo tempo) dos caboclos recoloca na gira as memórias do encontro e do amálgama entre indígenas e os povos afro-diaspóricos e afro-brasileiros que forjaram o nordeste pindorâmico (Pindorama sendo jeito mais próprio nosso de dizer deste país-continente nomeado pelo invasor como Brasil).

Dito isso, ainda vale acrescentar que o Caboclinho Canidé de Goiana tem em sua performance artística muito mais do que apenas um espetáculo a deslumbrar olhos e entranhar-se como música e movimento pelo corpo de quem presencia a brincadeira, o grupo é um dos responsáveis por reverberar e manter a tradição e resistência através da manutenção deste brinquedo e da prática religiosa da Jurema (cuja entidade espiritual é o Caboclo) e da cerimônia conhecida como “Caçada do Bode”, atividade religiosa celebrada na madrugada do domingo de Carnaval, como forma de preparação das comunidades indígenas e dos próprios caboclinhos.

A formação do Canidé é mista, composta por homens e mulheres (além de crianças) e, ao que pese o binarismo desta informação, ela não é nada irrelevante, quando se considera que há nas tradições o que se exaltar, mas também o que se contestar e manter em movimento para combater cristalizações e outras formas refratadas de opressão. Por exemplo, o já sabido machismo que subjaz em tantas e tão diversas formas de organizações sociais, independente de geografias, classe econômica ou social. E no Canidé de Goiana, a devoção hoje se faz à Canidé mulher, com uma diretoria que, desde 2007 – com o falecimento do seu fundador, mestre Galdino -, é exercida por Severina e Denise, suas filhas.

O que se viveu (não se trata apenas de ver um espetáculo) na tarde deste sábado, 25 de maio de 2024, dentro da programação do Festival Palco Giratório do Sesc Pernambuco foi o Canidé se concentrando na rua Treze de Maio, em frente à unidade do Sesc Santo Amaro, e iniciando o desfile até ocupar o terreiro em roda aberto na Praça do Campo Santo, com o espaço do Palco para os músicos. O desfile acontece com a formação de duas filas, que se deslocam executando as evoluções ou manobras (como é chamada a dança dos caboclinhos) acompanhando o ritmo e o compasso marcado pelo som das preacas (instrumento composto por arco e flecha, geralmente, de madeira Quiriri ou Imbiri, que produz um som breve e seco em uma vibração percutida), num rápido movimento de levantar e abaixar, com rodopios nas pontas do pés. As preacas são adereços da dança, mas não só: estão presentes nas manifestações religiosas do Candomblé e da Jurema, notadamente no toque de Oxossi. Também serve como marcador e instrumento de comunicação para as manobras o apito, usado como toque de comando do cacique, seja a indicar começo e fim do brinquedo, seja a conduzir as alas. Há, além das presenças dos caciques, ou cacicas, o pajé e o porta-estandarte, que apresentam o grupo ao público, durante suas performances festivas.

Quem estava na Praça do Campo Santo testemunhou os olhares tão significativos de respeito do porta-estandarte ao estandarte que carrega; a troca de sorrisos entre as caboclas e os caboclos; as crianças brincando com a seriedade e o divertimento pertinentes à própria noção do brincar; a consciência de ritmo, de compasso, de velocidade e a complexidade dos passos (que na execução do grupo parece simples). A indumentária, feita principalmente a partir do uso de penas de pássaros e aves (pavão, ema, faisão e galo) e o brilho da vestimenta (por conta das lantejoulas, miçangas e pedras) é mais uma festa de cores, numa visualidade que conversa com outros brinquedos da zona da mata, como o maracatu rural. Voltando à música do caboclinho: é basicamente instrumental, guiada pela flauta (já mencionada, que é o instrumento fundamental para chamar e receber os Caboclos), acompanhada por gaitas; e o baque é composto por caracaxás (maracás ou exeres), conhecidos como mineiro; além do tarol e do atabaque.

A trajetória do Canidé é de excelência (para os que gostam deste adjetivo em que pese ele ser absolutamente dispensável para os que compõem este caboclinho): em 2019, consagrou-se campeão do Concurso de Agremiações do Carnaval do Recife (Grupo

de Acesso); em 2020, foi campeão do Grupo II e foi Vice-campeão do Grupo I, em 2023, importante reconhecimento estratégico para receber o título de patrimônio vivo, que permite algum recurso financeiro para a sobrevivência de um manancial de arte, cultura, espiritualidade e resistência que deveria ser assim visto e considerado não só no âmbito de um grupo específico, mas da cultura cabocla, indígena e afro-indígena. Afinal, para cada uma dessas nações, a medida certamente é outra: viver o cultivo desta tradição é seguir se entendendo como identidade, pertencimento, cosmovisão. E tudo isso é ritualização da vida, do espírito, da matéria e de sua transcendência. É a escrita viva, secular e religiosa de uma outra história, contada e dançada por quem não sucumbiu à colonização.

O Festival Palco Giratório acerta ao compreender arte e cultura como espaços, como territórios de pertencimento e não somente como um conjunto de jargões pretensamente técnicos de supostas linguagens artísticas e ao colocar em convívio fazedores de teatro, de dança e de circo contemporâneos com quem também mantém viva a gira da cultura, que alguns ainda chamam de popular, ignorando que não tem ela outro nascedouro (a tal feita nos salões elitizados é mais fruto do tédio e, por vezes, de uma certa arrogância pré-burguesa e pré-romântica que é herança da frustração de nobreza dessa classe). O ofício de artista é tão sinônimo da metáfora freiriana (do mestre Paulo Freire) de chão de escola que se materializa no chão batido de areia (ou até no asfalto) onde batem o pé e traçam seus passos as caboclas e os caboclos. E todos esses elementos de dança, música, indumentárias em conjunto captam a atenção do público onde quer que esteja, sendo festa pros olhos e fogo pra aquecer e lembrar de onde viemos. Viva o Caboclinho Canidé de Goiana!

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18 05 2024

Balé Popular do Recife: a tenacidade de 47 anos encenando o seu Nordeste imaginado

Renata Pimentel Cultura Popular 0

Pode parecer redundante, a um público pernambucano, mais especificamente recifense, apresentar a história do Balé Popular do Recife. Será? Talvez, nem tanto, se considerarmos que a apresentação à qual este texto se dedica aconteceu na noite de 17 de maio de 2024 e no contexto do Festival Palco Giratório (FPG), o qual reúne eventual e considerável plateia de fora da cidade e, até, do estado; aliás, destaquemos que o Festival volta a acontecer na cidade após um longo hiato de dez anos. Um primeiro “Salve” a este retorno do FPG! Voltemos ao foco: o Balé Popular do Recife, icônico na história da cultura pernambucana, tem a completar na próxima segunda-feira (20 de maio) exatos 47 anos de existência e atuação. Longevidade rara em grupos de criação artística em um Brasil que nem sempre olha para a arte como uma cadeia fundamental de economia e produção de cidadania. E boa parte da plateia talvez não tenha essa informação sobre a longevidade do grupo.

Fundado em 1977, pelo coreógrafo André Madureira (falecido em 2021), o Balé Popular do Recife tem em seu DNA, também, a proposta e o olhar estéticos do então secretário municipal de Educação e Cultura do Recife, o escritor paraibano Ariano Suassuna. Vê-se, desde já, as marcas de uma compreensão da cultura popular como um manancial de busca de identidade e produção simbólica de um nordeste esteticamente retrabalhado na tentativa de encontrar raízes ibéricas, medievais e de traduzir o pensamento de uma intelectualidade em busca de forjar a síntese de uma brasilidade. Neste caldeirão, portanto, entram as referências de grupos étnico-culturais indígenas e afrodescendentes. Ritmos como o maracatu (em seus vários baques), o caboclinho, a quadrilha junina, o boi e o frevo povoarão o imaginário dos trabalhos do grupo. André Madureira também foi criador de um método de dança denominado “Brasílica” (novamente em parceria com Suassuna), com o objetivo de divulgar o que compreendiam como folguedos nordestinos. Vale informar, ainda, que o Balé recebeu o título de Patrimônio Cultural Imaterial do Recife, em 2018.

Há que se destacar o quanto houve de esforço e dedicação da família Madureira, tanto no núcleo formado por André e sua esposa Angela Fischer, atual diretora do Balé; de sua filha Angélica Madureira (diretora artística), quanto dos outros filhos que se forjaram inicialmente no grupo (Deca e Angelo Madureira, ainda atuantes como artistas e radicados em São Paulo). Há ainda gerações de sobrinhas/os, netas/os que passaram e seguem no grupo. Sem falar nos irmãos de André; por exemplo, Antonio José (o Zoca), músico, também ligado a esta movimentação de produção estética ancorada na ideia de Suassuna ao forjar seu Movimento Armorial. Ou seja, a família Madureira está embricada de diversas formas na cultura. Destaquemos, ainda, que o Balé Popular do Recife se configurou como uma escola para gerações de corpos; bailarinas/os; brincantes; musicistas, fazendo de suas sedes o espaço para isso, e forjou plateias e olhares para além da cidade, ao circular dentro e fora do Brasil. Sim, há algo de quixotesco neste sonho de André Madureira que perdura há quase cinco décadas e sobrevive a seu criador, há que se aplaudir.

Quanto ao trabalho mostrado pelo Balé Popular do Recife nesta programação do Festival Palco Giratório, intitulado “Nordeste, Dança e Música Irresistível”, encontramos a essência dessas décadas de atuação e uma síntese da concepção de espetáculo desenvolvida pelo grupo. Podemos constatar essas marcas na sinopse que divulga o trabalho como “um passeio panorâmico pelas principais manifestações artísticas e culturais de Pernambuco” e também como um “show que apresenta uma variedade de autos e folguedos populares encontrados nos ciclos festivos nordestinos, destacando-se no ciclo natalino com danças como Guerreiro (reisado), Dança dos Arcos (galante), Brincantes do Nordeste (bumba meu boi) e Cavalo Marinho”. Também são destacados na sinopse, e no que nos é oferecido no cardápio do espetáculo, os Caboclos de Lança e o Maracatu Nação (lidos pela linguagem do Balé Popular do Recife como o “ciclo afro brasileiro”) e as manifestações do “ciclo carnavalesco”: os Caboclinhos, a La Ursa e o Frevo.

A nomeação espetacular já nos aponta que se pretende encher os olhos da plateia, para que ela se veja grandiloquente como um Nordeste no qual as raízes populares encontram-se com o olhar da erudição em figurinos ricos de cores e adereços, através de um elenco numeroso de vinte e cinco bailarinos se revezando em cena, além de uma orquestra executando a música ao vivo no palco. Estes são dois aspectos a se louvar: a coragem de manter em cena um elenco tão numeroso e a força da música executada ao vivo, algo um tanto raro de se conseguir na cena artística brasileira (com os orçamentos tão minguados e precarizados).

A orquestra se posiciona ao fundo do Palco, com camisas de estampa colorida, com o coro de vozes ao lado. As danças vão sendo apresentadas em sequência: ora em solos buscando destacar algum virtuosismo da performance, ora em grandes grupos, a dar o tom de coletividade em que se forja a efetiva cultura popular (cujas raízes repousam em mestres e tradições/ transmissões em comunidades rurais e urbanas, em geral periféricas ou marginalizadas; como o cavalo marinho, o maracatu rural e seus caboclos de lança ou mesmo o frevo, cujos passistas foram no início do século XX associados à desordem social). Um traço bonito é a junção de corpos diversos, em formas e idades, ocupando a cena e dançando/ envergando adereços e figurinos. Há o momento em que o quarteto de vozes masculinas vem à frente do palco, na boca da cena, capitaneado pela voz feminina única entre eles. Ela irá comandá-los e provocar a plateia, em uma breve e humorística interação, a imitarem-na em sequências de palmas e pisadas no chão, propondo a adesão das/os espectadores à festa. Depois, retoma-se a apresentação das danças que se sucedem até um grande final, apoteose a esse caldeirão imagético que o grupo vem forjando há tantas décadas.

Há um sabor de folclórico, há uma atmosfera de tradição, há um desejo que se mantém de celebrar um olhar festivo, ufanista até, de um Nordeste colorido, vibrante, alegre, no qual a cultura popular se amalgama como uma espécie de brasão tradicional. A plateia experimenta, em uma hora, uma exibição e uma invenção deste Nordeste imaginado. Em tempos de decolonialidade, muitas/os podem não se mover pela proposição estética do Balé Popular do Recife e podem até enxergar nela um viés ideológico elitista ou mesmo algum laivo de estereotipia. Entretanto, não há como não aplaudir a tenacidade de manter-se tanto tempo perseguindo um fazer artístico e estético.

18 05 2024

Cavalo Marinho Boi Pintado Família Salustiano mostra sua força, mesmo em condições nada ideais

Leidson Ferraz Cultura Popular 0

Por Leidson Ferraz

Num dia de chuva constante, a coordenação do Festival Palco Giratório poderia ter cancelado a atração, mas preferiu mantê-la e a transferiu da Praça do Campo Santo para o hall de entrada da lateral do SESC Santo Amaro, próximo à saída do Teatro Marco Camarotti. E foi num piso nada ideal, espremido entre os variados espectadores que ali se acotovelavam, de diversas faixas etárias, inclusive, que o Cavalo Marinho Boi Pintado Família Salustiano (sim, o nome é grande assim mesmo) se exibiu na sexta-feira 17 de maio de 2024, exalando a força da arte popular de raiz, mesmo em condições nada agradáveis. No formato arena, como deve acontecer no terreiro de chão batido em que essa manifestação tem seu berço – dando “chuva de poeira” no povo –, quatro músicos num canto executavam a trilha sonora a permear toda a apresentação.

Crédito da foto: Thalyta Ignnus

Ao som do ganzá (ou mineiro), da rabeca, do pandeiro e do bage de taboca (espécie de reco-reco onde se arranha um som), dança, teatro, música e poesia transfigurada em loas e toadas nos fizeram ver a beleza do Cavalo Marinho, brincadeira inventada na Zona da Mata pernambucana pelos trabalhadores da cana-de-açúcar. O grupo em questão vem resistindo desde 1968 e foi lançado pelo Mestre Salustiano, músico, rabequeiro, artesão e brincante que nos deixou em 2008, um dos grandes representantes da cultura popular pernambucana. Desde então, quem está à frente da turma é um dos seus vários filhos, Pedrinho Salustiano, de 44 anos, também artista múltiplo, já tão mestre como o pai.

Na realidade, quase todos ali são parentes, filhos, netos ou até bisnetos do Mestre Salu. Além de Pedrinho, entre os músicos está o seu irmão Dinda Salu (tocando rabeca). Imaculada, irmã dos dois, faz de tudo um pouco e é uma das brincantes. Seu filho, João Pedro, de 12 anos, encarna o nêgo Mateus, provocando risadagem na parceria com o amigo Henrique Diniz, de 21 anos, este na pele do também irrequieto Bastião, as duas figuras trabalhadoras – quase escravos – que vêm bagunçar a brincadeira. Ainda há mais gente: Gabriel Salustiano, de 18 anos, é filho de Imaculada e veste o Boi; suas tias Mariana e Betânia são galantes, assim como Gilmar Leite, esposo desta última e pai de Débora, de 11 anos, uma das pastorinhas. A outra pastorinha é Iara, de apenas 10 anos, filha de Pedrinho.

É nesse emaranhado familiar, sem esquecer a participação dos outros músicos amigos (Maurílio Lilo, Cristiano e Jemerson), todos vindos do bairro de Cidade Tabajara, em Olinda, que a perpetuação de um patrimônio cultural nosso vai acontecendo, com saberes e práticas transferidos já há três gerações. Como festejo próprio do ciclo natalino, performances corporais, musicais e dramáticas se sucedem, com roteiro que, independentemente dos improvisos, segue uma lógica própria de enredo cênico. O Cavalo Marinho é, então, uma festa que é permitida pelo Capitão Marinho (daí a corruptela que dá no seu nome), o dono do terreiro, na intenção de celebrar o Divino Santo Rei do Oriente, Jesus.

A questão é que dois de seus negros contratados no trabalho da cana-de-açúcar bagunçam o coreto, até ao ponto de ser chamado um Soldado – com seu espadão imponente – para pôr ordem na casa. Munidos de bexigas de boi e com o seu matulão às costas (folhas de bananeira presas ao corpo), os dois atrevidos investem contra as autoridades e tudo acaba em certa pancadaria – que invariavelmente gera risos e risco no público –, ou seja, numa subversão festiva ao poder instituído, além de toda a devoção ao momento de nascimento do Menino filho de Deus, incluindo a sua própria Ressurreição, simbolizada pelo Boi que aparece e renasce sempre.

Falas, cantos, trupés (pés ligeiros com pisadas fortes) e danças são quase hipnotizantes, principalmente pela agilidade das pernas nos tremeliques, rodopios, descidas e levantes, investidas contra o outro para puxá-lo à “roda do samba” (o famoso e belo mergulhão), num jogo de simbologias que fazem jus ao corte da cana, à força e intensidade da vida em meio ao canavial, à pulsação da alegria em conjunto. Passos da capoeira, do caboclinhos, do coco e do frevo também estão presentes, numa evidência da influência afro-ameríndia nessa mistura popular.

Destaque ainda para as máscaras e figurinos, com cores berrantes, brilhos, franjas, lantejoulas, fitas, flores de papel, espelhos distribuídos por chapéus e golas, uma indumentária de extrema beleza. Isso sem contar com os arcos na dança evolutiva em caracol, tudo artesanalmente feito pela própria equipe, exímia em ressaltar a paleta de arco-íris. É realmente impactante de se ver e acompanhar, mas, como homem de teatro, preocupado com a cena, eu não poderia deixar de apontar algumas fragilidades que observei.

Pedrinho Salustiano, com o seu vozeirão, corpo maleável e extrema simpatia, conduz muito bem a equipe, mas precisa prestar maior atenção à interpretação que seus pupilos estão dando às figuras (para não dizer personagens). É claro que os dois garotos na pele dos negros Mateus e Bastião têm muito a crescer, na dinâmica entre eles e o público, principalmente, mas um detalhe se faz urgente corrigir: as falas ditas quase que para si, sem projeção vocal suficiente, nem a verdade que nos faria rir ainda mais das suas presepadas.

O mesmo valendo para as outras participações da equipe nas loas ditas, em certo momento apenas na direção dos músicos, sem fazer com que todo o “terreiro” ouça e possa desfrutar da poesia que ali está contida. É preciso explorar mais a doação de cada um e cada uma para com os espectadores, na intenção de que os diálogos e cantos possam ser compartilhados com maior desenvoltura, sem timidez, como na dança já se faz tão presente.

Concebido originalmente para cerca de 30 componentes (segundo me disse um dos músicos) e contando com mais de 70 personagens, apenas dez brincantes, além dos quatro músicos, puderam estar nesse pequeno trecho apresentado no Festival Palco Giratório e que foi retirado das mais de oito horas de duração original do brinquedo popular. No entanto, já deram um gostinho do quanto pode ser divertida e estimulante uma vivência com o Cavalo Marinho, transitando do duplo sentido ao caráter religioso e mítico, mas sempre nos impulsionando ao lúdico e à brincadeira no verdadeiro e imprescindível coletivo popular. Pura alegria da vida.

18 05 2024

Coletivo de Olinda encanta adultos e crianças com peça de bonecos carregada de lirismo e boa música

Dib Carneiro Cultura Popular 1

Imagine uma peça para crianças em que a palavra mistério aparece inúmeras vezes, perpassa a trama de cabo a rabo, arremata os diálogos e conclui ideias. Só isso já seria motivo suficiente para enaltecer ‘Quatro Luas’, atração da tarde de sexta-feira (17), no Teatro Marco Camarotti, como parte da extensa programação do Palco Giratório 2024 em Recife, iniciativa do Sesc Pernambuco. Afinal, instigar a imaginação da criançada de forma misteriosa é tiro e queda na tarefa de entretê-las, é um recurso imbatível na missão de fazê-las se enredar a um espetáculo. O fascínio das crianças pelo mistério é importantíssimo para que tenham um saudável amadurecimento psicológico e cognitivo.

Mas o infantil ‘Quatro Luas’, outro mergulho do coletivo O Bando, de Olinda (PE), no universo poético-encantatório de Federico Garcia Lorca, tem outras camadas, mais atrativos, inúmeros pontos de excelência artística. Conta a história de um menino, não por acaso de nome Federico, que quer muito chegar perto da Lua Cheia e conversar com ela. Numa de suas tentativas, ela está refletida na água de um poço, e então ele se aproxima tanto da cacimba que cai dentro dela, mergulhando em um sem-fim, feito uma vertiginosa Alice – e a peça literalmente se vira de ponta-cabeça a partir desse momento belo e trágico. É tudo mistério.

A bela árvore de ramos retorcidos, no centro do palco, gira em torno de si até ficar com a copa virada para o chão e as raízes para cima. Tudo se inverte na viagem-jornada do menino Federico, que agora só pensa em voltar para casa, viajando entre cataventos e girando descompassado ao luar. Ele vai encontrando pelo caminho bichos que falam (rãs, mariposa, uma gata), um exército de formigas, um cavalo invisível e… as quatro luas, uma em casa fase – minguante, nova, crescente e, finalmente, a que ele tanto queria ver, a cheia. Que inteligência cenográfica mexer com a posição da árvore e nos entorpecer de poesia a partir dessa virada! A iluminação de Eron Villar muito contribui também para essa transformação, assim como para criar todos os imaginativos climas da peça.

A poesia se instaura, mas sobretudo é um espetáculo divertido, bem-humorado, com boas tiradas engraçadas. Adultos também caem na gargalhada em vários momentos, não só as crianças. As duas rãs velhas são hilárias, a gata azul é antológica e inesquecível (inclusive por sua concepção estrutural), as luas são perfeitas em suas características ligadas às fases (como a minguante, que se diz minguada e fala sempre afetadamente, trocando o M por B ou P). Tudo muito bem pensado e muito bem escrito. Claudio Lira, que assina a dramaturgia e a encenação, foi muito feliz em tudo, em cada etapa da jornada, em cada palavra na boca de cada boneco e cada personagem. Uma sensibilidade a toda prova desse grande artista de Olinda, que tive o prazer de conhecer neste festival.

É um jeito inteligente, por exemplo, não só o menino estranhar que as rãs falam, mas elas também se espantarem com a mesma coisa: “O menino fala!” Esse outro lado do mundo da imaginação, o lado do avesso, fica claro nesse momento e mexe com a nossa lógica da fantasia. Sim, porque até para fantasiar certos criadores embutem a lógica – e Claudio Lira acertou em brincar com isso. E brinca com muito mais. Outra das luas tem até bordão – “Daqui a pouco passa!”, que ela repete, arrancando risadas lindas das crianças.

O texto é clássico, de norma culta, para combinar com o mundo da cultura fabular e a literatura de Garcia Lorca. “Havia no ar o perfume perverso da distância”- vejam que frase incrível e poética, numa peça que é prioritariamente voltada para crianças. Isso e lindo demais: ver que o dramaturgo não subestima o público mirim. Ele sabe que criança é capaz de entender metáforas e prosa poética. “O seu destino foi me encontrar para eu lhe dizer o que é destino” – vejam a complexidade dessa outra frase, o jogo de palavras tão perspicaz. Que maravilha de texto.

O espetáculo também toma alguns partidos interessantes de se tomar em peça para crianças, como ironizar os “bozotários patridiotas”, sem citá-los, ao colocar em cena um exército de formigas que bradam: “Nosso formigueiro jamais será vermelho!” Adultos entendem e riem – e quem disse que peça infantil é só para criança? Outro momento desses, de que gostei muito, é quando as rãs teimam em perguntar para o menino se ele acredita em vida eterna. Antes de saírem de cena, as rãs confessam que elas próprias duvidam disso. Tão importante não querer catequizar as crianças com um único jeito de pensar sobre a finitude e a morte. Um tema delicado, que envolve fé e é como mexer em vespeiro neste país de hipócritas. Parabéns pela coragem e até ousadia.

No elenco, uma uniformidade de talentos. Cantam, manipulam os bonecos, quebram a quarta parede e se dirigem à plateia – tudo com muita desenvoltura e um cuidado comovente. São eles: Brunna Martins, Célia Regina, Douglas Duan e Matheus Carlos. Que quarteto! Tão linda a cena em que Célia Regina para de “ser” o boneco e começa a cantar para niná-lo. A transição é arrebatadora, feita com delicadeza, pensada com inteligência. Em seguida, os outros três atores se aproximam, cantam com ela e se revezam passando o garoto de colo em colo. Uma cena que é muito Garcia Lorca, de quem se diz que até dedicou às babás uma de suas palestras sobre a força dos acalantos.

Douglas Duan, por sua vez, quase ao final, deixa de ser o menino Federico (até a trilha é interrompida) e muda o tom de voz ao falar diretamente para a plateia sobre a medalha de São Jorge que ganhou da mãe, em forma de depoimento documental. É outra transição incrível, rápida e tocante. Recurso muito brechtiano. Em seguida, ele volta a “ser” o menino e a peça continua. Brilhante!

Douglas Duan é um acontecimento a cada aparição, sobretudo ao interpretar a gata azul toda manhosa e ronronante. Cada “ahã” que ele faz em nome da gata é um deleite. Inesquecível. E Célia Regina nos presenteia com sua altivez de rainha em todas as cenas e seu carisma inegável, também brilhando, como os outros, tanto individualmente quanto em conjunto. Foi ela quem criou e confeccionou todos os expressivos bonecos, com a parceria de Romualdo Freitas. E é ela quem assina a direção de arte, ao lado de Claudio Lira. Célia Regina é potência multifacetada.

Gosto demais também quando o elenco faz chuva de pingos usando apenas estalos da língua. Maravilhosa e singela é a aparição da tão aguardada Lua Cheia. Uma composição de figurinos e adereços muito bem tramada para ajudar na finalização da fábula. E, por falar nos figurinos, destaco uma só peça, para representar todo o capricho do espetáculo nesse quesito: a capa escura, toda bordada de fios, usada pelo personagem cavaleiro protetor das quatro luas. Uma peça impactante no corpo do ator.

Agora, vejam bem: reparem que até agora não falei da música do espetáculo, que começa desde o saguão, com os atores surgindo feito ciganos mambembes e conduzindo com suas belas vozes a nossa entrada até a sala do teatro. Pois é uma das melhores trilhas originais que tive a chance de conhecer numa peça para crianças nos últimos tempos. Douglas Duan assina a dramaturgia sonora, a direção musical e a preparação vocal do elenco. Que trabalho primoroso. É muito perfeito chamar de dramaturgia sonora, porque o que ele faz não é comum, é muito acima da curva do que costumo ver e ouvir nos espetáculos. Todas as canções são arrebatadoras, com letras fortes e belas, ritmos contagiantes e completamente coerentes com a história que se conta. Que trilha, senhoras e senhores, que trilha. Em cena, o luxo de ter dois músicos ao vivo: Arnaldo do Monte, na percussão, e Zé Freire, ao violão.

Eles são uma força fundamental para o andamento do espetáculo. Nada quero comentar sobre o final da peça, pois ‘Quatro Luas’ ainda vai viajar muito por esse Brasil afora, e não quero dar spoiler, estragar o impacto dos últimos minutos. Só digo que é emocionante, cativante, muito maternal, poético ao extremo, além de plasticamente belo. O mistério que tanto perpassa as falas da peça inteira se desvenda de uma forma tão linda quanto triste. Afinal, todas as coisas são o que são. E o menino buscava outra coisa, como arremata a canção final.

‘Quatro Luas’ já entra para minha lista de grandes peças vistas em 2024. Que sorte a minha sair de São Paulo para conhecer essa trupe de Olinda, embalando no palco a finitude fantasiosa de um garoto sonhador. Que pode ser você e que posso ser eu. Federico somos nós, que amamos tanto o teatro. Obrigado, Sesc e Palco Giratório. Obrigado, O Bando Coletivo de Teatro.