Teatro

01 06 2024

“Um minuto para dizer que te amo” é a prova viva de que há certas dores que só se entendem no coletivo

“Um minuto para dizer que te amo” é um espetáculo comovente. Criação do Matraca Grupo de Teatro, de Jaboatão dos Guararapes, a montagem encanta, enquanto assusta, ou assusta, enquanto encanta, mesmo quando envereda por uma composição mais caricata. A maior parte do tempo, o que predomina é um tom equilibrado, respeitoso, com uma das dores mais agudas de que se tem registro. “Um minuto para dizer que te amo” flagra o medo de uma família de ser engolida pelo esquecimento. Pai, mãe e filho sofrem ao se dar conta de que suas memórias já não são assim tão confiáveis, de que o ontem já não lhes diz mais absolutamente nada. O tempo deles é outro. É um tempo presente e aflito, angustiado. O tempo deles é o de quem tem a consciência de que se morre a cada memória borrada ou esquecida.

Falar do Mal de Alzheimer no teatro é um desafio à parte. O tema é dos mais espinhosos onde quer que seja enfrentado, mas, no palco, com a ação funcionando de forma condensada, tudo se revela mais complexo na medida em que o caráter processual da demência fica um tanto inviável de se representar. Em “Um minuto para dizer que te amo”, por exemplo, o público é colocado diante de um conjunto de situações provocadas por um estágio avançado da doença. Com isso, tudo parece ainda mais sensível, mais à flor da pele. O texto de Luiz de Lima Navarro, porém, não tem propriamente um tratamento clínico. “Um minuto para dizer que te amo” não discute o Mal de Alzheimer, ele mostra o sofrimento de viver e conviver com o Mal de Alzheimer. rudi4

Nesse sentido, a encenação de Rudimar Constâncio encontra soluções muito interessantes. O espetáculo constrói imagens bastante funcionais para transitar do lembrado ao esquecido. Rudimar turva o olhar do público, concentrado um bom número de cenas sob uma espécie de véu do esquecimento. A cenografia e a indumentária de Séphora Silva e a iluminação de João Guilherme de Paula são decisivos para organizar uma composição que, embora realista, está mais próxima da alegoria do sonho que do registro documental. É lindo ver Dona Guida, personagem de Célia Regina Rodrigues, voar e sentir a brisa no rosto só com um movimento de luz. É lindo ver o pai, vivido por Carlos Lira, criança em plena velhice, fazer de um simples Mané Gostoso seu menino Lúcio. Muito equilibrado, o elenco, formado ainda por Douglas Duan e Marinho Falcão, que fazem juntos o filho herdeiro do Mal de Alzheimer, e Vanise Souza, a zelosa cuidadora Amélia, cruza diferentes inflexões de atuação. A exceção fica por conta de Lucas Ferr, preso numa camada mais lírica do espetáculo. Rudimar Constâncio explora bem seus atores, também muito habilidosos enquanto cantores. Além dos números musicados ao estilo do canto coral, há cenas muito bonitas no jogo de Vanise Souza e Célia Regina Rodrigues e ainda no jogo protagonizado por Douglas Duan e Marinho Falcão. “Um minuto para dizer que te amo” aciona performances de interpretação que provocam a estilização do realismo. Vanise e Célia contracenam de costas uma para a outra, enquanto Douglas e Falcão alinham tempos do personagem que compartilham num longo trecho de texto falado em sincronia, por exemplo.

Rico em detalhes, exuberante nos recursos que dispõe, “Um minuto para dizer que te amo” prende a atenção, porém, com aquilo que tem de mais simples e sofisticado: o trabalho de ator. Célia Regina Rodrigues e Carlos Lira, em particular, são desafiados com um grau de dificuldade mais acentuado. São eles que dão cara ao Alzheimer, que tornam visível a dor do esquecimento, ao tempo em que são demandados a envelhecer diante do público. Fico pensando se não seria o caso de Rudimar Constâncio ter recorrido a atores ainda mais experientes, o que tem de sobra no teatro Pernambuco. Essa outra opção, entretanto, seria tão problemática quanto, diante do risco da caricatura que Célia e Lira caem, considerando que os atores mais velhos teriam que rejuvenescer em cena. Rudi02

A verdade, no entanto, é que “Um minuto para dizer que te amo” não deixa margem para tantos questionamentos assim. Enquanto se é dado a ver a saga de Lúcio e seus pais, o tema acaba por se sobrepor. Como consequência principal desse movimento, fica evidente que a presença da plateia passa a compor o espetáculo. Não é que se sofra à distância, sofremos todos, juntos. Dona Guida e seu marido são um pouco mãe, um pouco pai, um pouco avó, um pouco avô, um pouco vizinha, um pouco vizinho da grande maioria dos espectadores. Assim como, não se pode fugir à possibilidade real de sermos, também, um pouco Lúcio. É tátil a afinidade que a montagem estabelece com sua audiência, enfim. “Um minuto para dizer que te amo” é um belíssimo encontro, desses que só o teatro consegue produzir. Um encontro com a dor do outro e, sobretudo, com a nossa própria dor.

As opiniões expressas nas resenhas publicadas neste blog são de responsabilidade exclusiva dos críticos que as assinam. O Sesc PE não se responsabiliza pelas opiniões, comentários ou avaliações feitas pelo autor, que são independentes e não refletem, necessariamente, a visão de nossa instituição.

01 06 2024

Uns bonecos do cacete! ou A poesia e a graça de Lorca num teatro que explicita a arte de manipular

Leidson Ferraz Teatro 4

Em se tratando de um espetáculo que é fruto de um processo artístico-pedagógico, volto minha atenção primeiramente para o fim da apresentação de “Os Títeres de Porrete: Tragicomédia de Dom Cristóvão e Sinhá Rosinha”, que o Grupo Titiritando, formado por alunos do curso de Licenciatura em Teatro na UFPE, apresentou no penúltimo dia do Festival Palco Giratório (31.05.2024) para um Teatro Capiba quase lotado. É que no término da sessão, todos os 18 atores-manipuladores compartilharam com o público seus nomes, mostraram o(s) boneco(s) que acabaram de brincar – alguns retomando suas vozes, para surpresa de todos –, pontuando ainda outras funções desempenhadas na montagem: sonoplastia, figurinos, sombras, cenários, produção ou mídias sociais. Um ótimo momento para que espectadores – grandes ou pequenos – saibam que tudo ali é fruto do coletivo e deu muito trabalho.

Afinal, todo mundo esteve literalmente com a mão na massa, construindo cada títere seu graças a uma oficina com a bonequeira Maria Oliveira, que os ensinou a lidar com o papel machê nas etapas de modelagem, pintura e caracterização. Mas é a professora Izabel Concessa, docente da universidade, quem está à frente da direção cênica, observando postura (haja força nos braços e mãos para cima), voz, concepção dos tipos, a entrega a duas técnicas da animação, bonecos e sombras, e todas as escolhas estilísticas, sempre em conjunto com seus alunos-artistas. A peça estreou em 2022 na disciplina “Teatro de Formas Animadas”, já foi vista nas cidades do Recife, Igarassu, Limoeiro e Surubim (essa foi a sétima exibição do coletivo) e o resultado é, de fato, uma graça.

A obra nos transporta para a Andaluzia, região da Espanha, terra do autor da divertida trama, o poeta e dramaturgo Federico García Lorca. O mesmo é autorrepresentado por um narrador de nome Mosquito, misto de duende e inseto, no entanto parecendo mais um Louva-Deus com nariz comprido. Ele é dúbio, assim como os lances de ironia que virão salpicados nos seis quadros em sequência, para além do uso da metateatralidade, dos derrames de poesia apaixonante e das críticas históricas e sociais afiadas – trata-se de uma peça que investe contra a moral patriarcal e reclama empoderamento feminino. Tudo regado a muitas promessas de violência ou sua concretização, afinal, o porrete do título (bastão que serve para surrar alguém) é quase “personagem”, sempre surgindo como por encanto.

Sem receio de inverter o politicamente correto, há até quem defenda que espetáculo de boneco popular, como o teatro de títeres lorquiano, tem que ter mangação e cacete, porrada mesmo. Pois assim é a estética da tradição guinholesca andaluza (pena que a empanada não seja de madeira, e sim de tecido, para ouvirmos com mais força as pancadas do objeto, como no mamulengo nordestino). E nessa tragicomédia farsesca também estão presentes o lirismo, a poesia e a pura galhofa, ainda que muito do que seja dito permaneça nas entrelinhas, como a xenofobia declarada e o direito à liberdade extraconjugal. É um conflito familiar e amoroso cheio de quiproquós, que se estabelece aparentemente quase sem resolução, até que a surpresa da vida diante da morte faz o desfecho precipitar-se para o final feliz tão esperado.

O enredo mostra as desventuras da bordadeira Sinhá Rosinha, que já foi abandonada por um namorado e agora tem vontade de se casar com o romântico Cocoliche, mesmo sendo ele mais pobre que ela. O problema é o pai da moça, em troca de cem moedas para saldar dívidas, prometeu sua mão ao nobre Dom Cristóvão, um homem bruto, violento e arrogante que tem prazer em baixar o porrete a todo instante. Antes de concretizar aquele recíproco amor, muitos obstáculos atrapalham os dois apaixonados, inclusive o retorno do ex-affair da jovem, Currito, que a largou para viajar pelo mundo. É uma dramaturgia envolvente, que fisga o público de cara, muito também pela presença de bonecos tão graciosos, com destaque à mais lúdica das personagens, a protagonista.

O curioso é que Lorca não se omite de fazer rir com malícia, basta citar as referências aos prazeres sexuais em meio ao machismo descabido e até uma possível libidinagem da moçoila em seu quarto, já casada, com três homens que a desejam. O público responde a tudo com muita entrega e sem censuras, num desfilar de interjeições às surpresas e reviravoltas, muxoxos às tiradas do vilão, risadas às trapalhadas dos títeres e suspiros de torcida ao romance dos pombinhos. Para melhorar, a diretora Izabel Concessa acertou em cheio ao optar por desvelar a relação atores e bonecos como complementos indissociáveis, com entradas de alguns tipos pela plateia ou por baixo da tenda, revelando o teatro que mistura humanos e figuras inanimadas, ora um se transformando no noutro e vice-versa, numa simbiose e alquimia que encantam.

Alguns instantes em especial são de encher os olhos: o beijão que acontece entre Cocoliche como gente, o ator Lucas Carvalho, e a boneca Sinhá Rosinha, manipulada por Gil Miranda (para delírio do público!); as cenas em que vários bonecos surgem ao mesmo tempo (e como há bonecos no palco!); e o belo trecho sobre a morte, que deixa clara a condição de seres de madeira na mão de manipuladores humanos (ou seria o contrário?) como plena unidade (a teatralidade, então, se expande magistralmente). Tudo uma delícia de se ver!

Em meio a tantos elogios, como eu já tinha assistido “Os Títeres de Porrete: Tragicomédia de Dom Cristóvão e Sinhá Rosinha” antes, percebo que todo o elenco está bem mais desenvolto, tanto nas vozes quanto na manipulação, mas, a título de contribuição, só tenho a destacar que, talvez pelo espaço diminuto no palco do Teatro Capiba, as passagens de uma cena para a outra mereciam mais dinamicidade. Ah, e a lua que surge ao final – como destacou uma criança da plateia – está mais para cheia do que nova. São detalhes que não tiram o brilho do espetáculo, que merece ser visto por muito mais pessoas. Vida longa ao Grupo Titiritando!

*Vale o registro do outros nomes da equipe: Alice Bôa Hora, Álvaro de Farias, Diniz Luz, Gio Miranda, Guilherme Mergulhão, Karol Spinelli, Leo Bouças, Luan Lucas Leite, Lucas Carvalho, Lucas Vinícius, Marcílio Santos, Maria Guerra, Mariana Azevedo, Rafael de Souza Torres ZN, Ruan Henrique, Ruana Toledo e Thayná Nascimento no elenco; com operação de som de Blandon Aravanis e iluminação e produção executiva de Ariane Clara Fernandes (tendo ainda assistência de produção da dupla Ruan Henrique e Luan Lucas Leite).

Imagens gentilmente cedidas pelo fotógrafo João Fernando Bonfim.

19 05 2024

Mesmo sendo importante como libelo pela não subalternidade negra, espetáculo perde oportunidade de nos revelar mais sobre Maria Firmina dos Reis

Leidson Ferraz Teatro 0

Nem sempre ter boa intenção compensa. Este é o caso de uma peça teatral que, apostando no protagonismo feminino e dando visibilidade a uma personagem real da história do nosso país, com duas mulheres pretas em destaque, não resulta com a potência que poderia ter. “Maria Firmina dos Reis: uma voz além do tempo”, do Núcleo Atmosfera – NUA, da cidade de São Luís, no Maranhão, se propõe a fazer uma releitura sobre a vida e a obra da escritora e professora maranhense Maria Firmina dos Reis, misturada a outras vozes de pessoas pretas, principalmente da atriz solista em cena, Júlia Martins. A direção é de Leônidas Portella.

A grande maioria das pessoas nem conhece a figura feminina que dá título à obra, mas ela foi a primeira mulher no Brasil – e há quem diga na América Latina – a escrever um romance, “Úrsula”, com perfil abolicionista em plena época de escravidão instituída no Brasil, e que demorou a ser publicado em 1859 (antes da Lei Áurea). No espetáculo em questão, muito mais do que fartos dados biográficos – talvez pela carência de detalhes –, são as suas concepções de vida e relações com os outros que um jogo de narrativas se faz, ora como se ela própria, em gravação em off ou transfigurada, explicitasse suas opiniões; ora com a atriz narrando sobre ela ou dirigindo-se ao público para uma conversa sobre si mesma, direta, sem rodeios.

Há também um trecho em que uma possível escrava relata os horrores do tráfico nos navios negreiros. E assim, nesse teatro épico (narrativo), abre-se espaço até mesmo para a participação da plateia, com luz branca direcionada, quando perguntas como “Tu sabe a tua escravidão?” são lançadas. Noutro momento o público vira aluno da educadora em questão. Sim, porque Maria Firmina dos Reis, em pleno século XIX, chegou a ser aprovada num concurso público para tornar-se professora primária, além de ter sido pioneira na fundação de uma escola gratuita e mista para meninas e meninos estudarem juntos, algo que também lhe criou problemas de censura.

A grande questão é que as cenas “interativas” são apenas eco, sem maior abertura ou estímulo para uma real confrontação ou depoimentos que pudessem desvelar o peso daquelas problemáticas. “Negro não é animal para se andar montado nele” ou “Só a educação é capaz de combater o racismo” são algumas das obviedades – desculpem o termo, para os tempos atuais – que a mestra pede para a plateia dizer repetidamente. E por todo o tempo da montagem o legado da escritora/educadora é pautado por frases de efeito, talvez, como sugere o título do espetáculo, na intenção de que o seu discurso possa ecoar do passado ao presente, com reverberação no futuro.

Crédito das fotos: Guilherme Lostt

Penso que vem daí o sentido dos espectadores serem encarados como alunos desse entre tempos, escolha, ao meu ver, bem pouco assertiva. É que diante de uma personagem tão promissora, cujos dados nos chegam espaçadamente – sabe-se que vivia em condição humilde, não casou, mas criou filhos adotivos; dedicou-se à escrita e à educação, mesmo enfrentando questões raciais e de gênero no país que foi o último a abolir a escravidão (persistindo até hoje de outras maneiras, infelizmente); tinha impressões melancólicas sobre a vida e morreu cega, aos 95 anos, em 1917 –, as reflexões e vozes que se agrupam à sua figura não parecem ter força suficiente para uma coesão dramática melhor estruturada.

E o referencial identitário na árdua e penosa trajetória de Maria Firmina dos Reis – uma mulher que assumiu amar as próprias lágrimas que vertia constantemente – parece clamar por maior espaço. Toda a concepção de cena é pautada pelo corpo da atriz Júlia Martins em destaque – numa composição que vai do sofrimento lancinante, com direito a urros de dor, à extrema suavidade, incluindo movimentações dançadas de ancestralidade afro (até um belo trecho sonoro do Tambor de Crioula entra em certo momento), com ela transitando por entre biombos manipuláveis e forrados com toalhas de crochê. Teria tido Maria Firmina alguma relação com essa prática artesanal?

Crédito das fotos: Guilherme Lostt

A dramaturgia, marcada por subjetividades, parece ter sido construída a partir de experimentos em sala de ensaio. É feita de retalhos, fragmentos, lances de memória, um roteiro que, ao meu ver, não empolga, não surpreende, tudo tão previsível quanto a exposição de palavras no figurino de malha ou no uso daquele manto hierático. Não há uma situação que decole, algo que emocione de fato. Falta progressão, clímax, uma força maior às escolhas dramatúrgicas e direcionais, tendo apenas na luz, de Renato Guterres, uma moldura cênica a se fazer com maior beleza, graças a um efeito fosforescente ou pela transição das cores que deixam os tecidos de crochê ganharem tonalidades variadas.

No fundo, a sequência de “lições” pelos casos relatados, ou mesmo nas poesias que aqui e acolá vêm rechear a cena, transparece uma ausência de maior teatralidade, porque, no caso, discurso apenas não basta. Claro que é sempre importante bater na tecla de que “a violência mata mais gente negra neste Brasil”, mas se tais constatações pudessem revelar o contexto sócio-histórico em que foram propagadas antecipadamente pela personagem-título, neta e filha de escravas alforriadas que galgou espaço como cidadã e intelectual na sociedade maranhense do século XIX, acredito que teríamos dimensão muito mais forte da sua projeção política no correr do tempo. E a grandiosidade da memória desta mulher preta, no lugar de frases de efeito militante ou dados numéricos, deixa de reverberar como merecia.

19 05 2024

Palhaçaria comovente de Santa Catarina introduz as crianças aos temas da acessibilidade, inclusão e capacitismo

Dib Carneiro Teatro 0

Estamos apenas no começo de uma longa jornada de espetáculos selecionados para a programação 2024 do Palco Giratório em Recife, uma iniciativa do Sesc Pernambuco, e já elogio com muito empenho a diversidade de atrações que vi até agora. A curadoria está de parabéns. Vamos a mais um. Na tarde de sábado (18), no Teatro Marco Camarotti, o público recifense pôde ver um espetáculo para crianças, vindo de Santa Catarina, sobre acessibilidade, inclusão e capacitismo. Reparem que maravilha incluir esses temas no festival. E, sobretudo, com censura livre, para que desde cedo as crianças vejam essas questões com naturalidade e abrangência. Sem preconceitos, sem medo de tocar no assunto, sem escamotear as diferenças.

O nome do espetáculo, que fala dos dois pés de uma palhaça, é ‘Circo de Los Pies’ – e vem da cidade de Canelinha (desculpem, mas parece piada pronta). Quem esteve lá vendo em ação a La Luna Cia. de Teatro (criada em 2016) presenciou uma grande carga de emoção trocada entre artistas e plateia. Foi lindo ver o teatro funcionando em toda a sua potência interativa, chegando nas crianças e nos adultos com a mesma intensidade. Impossível ficar indiferente a tanto acerto na abordagem de um assunto delicado. Era a deficiência física sendo mostrada de forma direta, sem disfarces, sem pudores, sem hipocrisias, sem dourar pílulas.

Pezinho e Pezão

Emeli Barossi, que atua e criou o espetáculo, nasceu com hemimelia fibular, uma formação congênita na perna direita, que é menor e mais fina do que a esquerda, o mesmo ocorrendo com os pés. Seu pé direito tem apenas quatro dedos. Ela é a palhaça Asmeline, que resolveu transformar seus dois pés diferentes em dois personagens antagônicos, o Pezinho número 30 e o Pezão número 35. E, assim, um circo inteiro cabe no seu corpo. A ideia é brilhante e muito bem realizada.

Como ela mesma diz à plateia, é um espetáculo feito para diminuir a gravidade das coisas, para afrontar os padrões que nos limitam. Um circo de desvios. Um diálogo com as deformidades de todos nós. Quanta coragem, quanta bravura. Fico imaginando o quanto esse espetáculo contribui para que PCDs, sobretudo as crianças, olhem com mais naturalidade para suas deficiências, aceitem seus corpos diferentes com mais leveza e menos tensão.

Assimetria sem fricotes

É muito comovente ver o que Emeli/Asmeline faz com seu corpo, tão desenvolto, tão preparado. À certa altura, conseguimos achar de verdade que há três “seres” independentes no palco: ela, Pezinho e Pezão, três personagens, ainda que num corpo só. E ela até brinca com isso: “Calma, gente, sou eu mesma que faço tudo, tá?” O público cai na gargalhada. O jeito leve e bem resolvido como a atriz fala de seu corpo faz a plateia se permitir rir e chorar, sem censura, sem fricotes. É, de fato, um grande achado dramatúrgico sobre a naturalização da diversidade, seja ela qual for. No caso dessa palhaça, é a dramaturgia da assimetria. Que feliz ideia. Asmeline nos es-mociona.

Há cenas lindas, muito plásticas e convincentes. Como o momento em que a palhaça assume um tom maternal e consegue que os dois pés façam as pazes – como uma mãe lidando com dois filhos briguentos. Ou quando ela vai finalmente pôr os pés no chão. Com a ajuda do desenho da iluminação, vemos um verdadeiro bailado rasteiro ao solo, entre tombos e balanços, com um cuidado coreográfico incrível. Pés que saltam as lógicas. E como é pungente ver Pezão ensinando Pezinho a calçar um sapato. Só acho delicada a brincadeira que ela faz quando os pés querem se separar, indo um para cada lado, porque ela cita “esquerda e direita” – e neste País polarizado, é muito complicado brincar com isso. Melhor evitar. Ou tomar partido de um dos lados, o que ela não faz.

Libras e off tornam tudo inclusivo

Além da maravilha de falar de capacitismo com as crianças, ‘Circo de Los Pies’ tem outro atrativo inclusivo importantíssimo. É um espetáculo em que a audiodescrição e a língua de sinais são incorporadas à dramaturgia. Não são recursos apartados do espetáculo. Uma voz-guia em off (muito boa) vai descrevendo e contando tudo o que se passa no palco. E a atriz também fala por língua de sinais, mesmo tendo uma profissional fazendo isso tão bem a seu lado. Essa intérprete de libras e o narrador em off viram também coadjuvantes do espetáculo, porque interagem e conversam o tempo todo com a palhaça.

Isso faz a dramaturgia ser totalmente única e especial – e ter um ritmo mais lento, mais cuidadoso, porque excessivamente descritivo. Num espetáculo que dura 45 minutos, dedica-se, por exemplo. 10 minutos para descrever figurino e cenário para a plateia cega e surda que porventura possa comparecer. Fazem isso com muita brincadeira, muito humor, muita esperteza, mas seriam 10 minutos descartados e desnecessários se o espetáculo não tivesse essa proposta de acessibilidade. O mundo felizmente está mudando para melhor e os espetáculos passarão por mudanças inevitáveis como essa.

A solução para Asmeline aceitar sua condição, superar seus medos, encarar de vez seus pés assimétricos e seu andar todo cambaleante surge no comovente final imaginado pelo grupo, e que não vou obviamente contar aqui. Mas tem a ver com o orgulho que a personagem passa a sentir de seu ofício, de sua arte. Ou seja, ao final, somos surpreendidos por mais um tema que ficou latente durante todo o espetáculo e explode com muita força no epílogo: a valorização da arte dos palhaços. Que grande e diverso espetáculo, cheio de camadas! Vida longa.

17 05 2024

Miro, Bibiu e seus mamulengos perdidos no descontrole de um espetáculo mal-acabado

Dib Carneiro Teatro 1

Por Dib Carneiro Neto

Crítico convidado do Palco Giratório 2024

Pode-se dizer que foi um ‘esquenta-festival’. Mestre Miro dos mamulengos da cidade pernambucana de Carpina, conhecido como Miro dos Bonecos, apresentou-se ao ar livre no Marco Zerinho (Teatro do Parque), com seu espetáculo Mamulengo Novo Milênio, após o cortejo inaugural e antes da sessão oficial de abertura com os convidados do Rio homenageando Leci Brandão.

Mestre Miro esquentou o público no dia da abertura, mas não se pode dizer que fez um espetáculo teatral. A atração, se encarada como teatro, é cheia de problemas. Falta dramaturgia, falta ritmo, falta agilidade, falta humor, falta acabamento cênico, falta um montão de coisa. Mas se for encarada como uma manifestação de cultura popular genuína e espontânea, então merece nossos aplausos incondicionais. Eu aplaudi com gosto. Só que para ser show de mamulengos, e não peça de teatro, deveria ser mais curto. Daria seu recado brevemente, objetivamente, artisticamente, encantaria a todos e pronto. Mas… estende-se por tempo demais.

Mestre Miro – sem ser um homem letrado de boas palavras – conversa simploriamente com a plateia, justifica a precariedade, conta que quase desistiu, apresenta seus bonecos e instrumentos musicais adaptados – a gente até se emociona com seu jeito, sua simplicidade honesta e com tal figura tão emblemática e representativa dessa arte dos mamulengos, tombada como patrimônio. Ele conta até que um livro está sendo preparado sobre ele na Suécia. Merecidamente. Um artesão de muita grandeza, um criador de bonecos de causar admiração no mundo todo. Um resistente amante e praticante da arte popular nordestina.

O fato é que ele veio abrir um festival que não se realizava havia dez anos – e se criou a expectativa de que fosse bom teatro também, além dessa força naif (ingênua) tão inegável. E não é bom teatro. Para começar, não se entende por que o título é Mamulengo Novo Milênio. Nada é dito ou revelado sobre isso. E o que transcorre à nossa vista é muito esquemático e repetitivo. Chega a ser cansativo.

Por exemplo: com a participação de Bibiu (filho do saudoso Mestre Saúba) nas vozes e na manipulação, os mamulengos surgem em uma cena na área da singela empanada (aparato que determina a área de representação), depois saem e Miro canta uma música. Em seguida, os mamulengos voltam à empanada com outra cena, Miro canta outra canção. E assim por diante. Logo, esse ‘mecanismo’ estrutural, por assim dizer, fica totalmente escancarado e não há mais surpresas quanto ao andamento do espetáculo. Já ficamos sabendo que há uma canção intercalando cada cena. Isso é pobre como dramaturgia. Seria preciso pensar em algo mais novo, com maior frescor de narrativa.

Outro exemplo de falta de boa dramaturgia: as cenas com mamulengos são repetitivas e com os velhos chavões de teatro infantil, como sumir com um personagem e ficar perguntando para as crianças onde ele foi. Isso é rançoso, velho, ultrapassado. Mesmo assim, quer usar uma vez no seu espetáculo? Tá bom, ainda mais se forem bonecos. Mas repetir? Criança na plateia gritando “ele foi ali”, “ele foi pra lá”, não é um recurso inteligente de participação. Não é. É uma facilidade, que escancara a fragilidade do texto, que precisa apelar para essa gritaria nada espontânea, forçada nas crianças.

Aliás, o espetáculo todo chama as crianças a participar com respostas. Bibiu, o manipulador dos mamulengos, pergunta coisas o tempo todo. Pronto, instala-se a gritaria. Isso é uma ilusão de interatividade, não é uma interação de verdade, porque é fácil, forçada, boba. Muitas e muitas vezes já escrevi isso em minhas críticas: não mexa com quem está quietinho, se você não vai dar conta de domar as feras depois. O que se viu na apresentação de Mestre Miro e Bibiu Bonequeiro foi uma gritaria de crianças querendo interferir na história, querendo ser mais engraçadas que os artistas – e os adultos passivos (pais, avós, tios) achando tudo muito bonito, sem pedir limites. Uma lástima. Isso não é teatro, muito menos teatro bom. Criança precisa interagir de forma saudável com um espetáculo, interagir de forma inteligente. À certa altura, virou um show histérico de auditório – e o festival não merecia isso em sua abertura.

Bibiu está microfonado e, ainda assim, grita muito. Para que o microfone então? Poderiam pensar em tirar esses microfones do espetáculo. Há ideias boas no transcorrer disso tudo, como Mestre Miro fazendo com uma latinha a sonoplastia da cena do bebê balançando na rede ou apresentado à plateia o balde-bateria de reciclagem. Ou, ainda, quando o pescoço do boneco cresce feito girafa. Mas isso, mesmo sendo bom, se perde em meio à falta de ritmo do espetáculo, desgovernado pelo excesso de gritaria das crianças.

O melhor de tudo, o que mais funciona, o que mais fica em nossa memória, é o número final, em que Miro dança com sua parceira – grande boneca acoplada/encaixada/amarrada em seus pés. Uma graça, uma perfeição de ritmos e movimentos, uma delícia de ver. A boneca faz gestos, mexe a cabeça, rebola o quadril – como se fosse gente de verdade. Uma demonstração de engenho e arte, técnica e talento. Só que, de novo, eles demoram demais na cena e a repetem desnecessariamente.

Ou seja, o resumo de tudo é que há em Mamulengo Novo Milênio muito material ingênuo artístico de primeira grandeza, que nos comove e nunca pode morrer no teatro infantil, mas que precisa urgentemente das mãos firmes de um diretor e de um dramaturgo, de fora do grupo, para dar uma organizada, criar ritmo e leveza, contar uma história bem contada. Quem sabe no próximo Palco Giratório. Eu iria adorar revê-los repaginados.