Teatro Adulto

30 05 2024

Caio F. não é de pedir licença

Caio Fernando Abreu é um sedutor. Sua escrita marca, sua escrita prende. Entre o documento e a ficção, ele cria e destrói mundos, cria e destrói sonhos. É um exímio contador de histórias. Histórias que, de tão esmiuçadas em detalhes, parecem reais. E são. Em “Os dragões não conhecem o paraíso”, livro de 1988, estão reunidas algumas daquelas que acabaram por se tornar das mais afamadas. Entre “Uma praiazinha de areia bem clara, ali, na Beira da Sanga” e “Mel & Girassóis (ao som de Nara Leão)”, o leitor vai encontrar uma tal de “Dama da Noite”. No conto, curtinho, em primeiríssima e singular pessoa, Caio criou um de seus tipos mais teatrais. O texto, que conduziu montagens importantes na história recente do teatro brasileiro, também ajudou a parir a Pane Produções Artísticas, de Garanhuns.

O diretor Antônio Pacheco Neto e o ator Marcelo Francisco, professor e aluno, se reencontram, já com a sala de aula apenas na memória, e constroem, juntos, um percurso de empenho e dedicação ao teatro. “A dama da noite”, espetáculo que inaugura a companhia, está em cena há 20 anos e, de tão azeitado no cotidiano criativo do coletivo, abriu espaço para o projeto de uma trilogia. A relação da Pane Produções Artísticas com Caio F., assim, iniciada lá atrás, deve se estender num perder de vistas. Pacheco Neto e Marcelo Francisco, com isso, revelam sua devoção ao autor e a sua obra, o que explica muito daquilo que conseguem entregar ao público. Em “A dama da noite”, eles se apresentam como conhecedores dedicados das tramas e tipos criados por Caio Fernando Abreu e isso acaba por se traduzir, em cena, num respeito e controle excessivos.

É certo que “A dama da noite” da Pane Produções Artísticas não poderia ser outra, que não a “Dama da Noite” de “Os dragões não conhecem o paraíso”. A história é um só. A questão é que a referência, por fim, se revela algo que asfixia e, não, que liberta. Antônio Pacheco Neto e Marcelo Francisco trabalham, na maior parte do tempo, tendo Caio Fernando Abreu como um limite, como uma fronteira. A montagem, no entanto, vaza, transborda, não respeita barreiras. A maravilhosa puta velha que Caio F. fabula para censurar um mundo que se especializou em censurar tem uma força nas páginas que é ímpar. Para ganhar os palcos, porém, ela cobra um tanto mais de ousadia. O texto toca em opressões que hoje se configuram de outras formas e, com isso, exige um outro tipo de elaboração no horizonte da encenação.

A carpintaria de “A dama da noite” engessa a performance de Marcelo Francisco. O espetáculo tem uma partitura muito estática, conduzida por pontos de luz muito frios. A atuação escorre por uma marcação muito sublinhada. Tudo tem um lugar muito específico, um tom muito específico, um movimento muito específico. “A dama da noite” da Pane Produções Artísticas parece presa, controlada. O figurino um tanto alegórico e o cenário mais realista embaralham entendimentos. Antônio Pacheco Neto lê Caio Fernando Abreu com um certo lirismo. Embora mantenha a literalidade do texto muito presente, com uma ou outra citação para tornar a narrativa “contemporânea”, a direção conduz o olhar do espectador mais para uma dimensão de fantasia, de embriaguez, de alucinação. Caio F. é mais bruto. Pacheco Neto, mais delicado.

Enquanto o conto é mais direto, mais áspero, a versão da Pane Produções Artísticas é mais sensível, mais subjetiva. O drama de Caio Fernando Abreu expõe um lugar, um tipo e um recorte de conflitos particular, já a peça de Antônio Pacheco Neto e Marcelo Francisco parece borrar aquilo que a referência assume com rigor e precisão. De todo modo, é Caio F. quem detém as rédeas do espetáculo. O texto e o autor são os maiores pontos de destaque, muito embora seja forçoso reconhecer que Marcelo Francisco tem repertório para superar essas amarras. “A dama da noite”, por vezes, consegue, sim, ser elogioso sem ser obediente. Caio Fernando Abreu merece e até instiga algo mais subversivo. Antônio Pacheco Neto e Marcelo Francisco poderiam muito bem sair do campo da leitura de uma obra e enveredar mais pela composição de uma obra outra, uma cópia que não é cópia porque não quer ocupar o mesmo lugar da original.

Em cartaz há 20 longos anos, “A dama da noite” da Pane Produções Artísticas, porém, não é algo mais da ordem da experiência, da dúvida. Ali, Pacheco Neto e Marcelo Francisco compartilham suas convicções. O espetáculo é a síntese do teatro que eles acreditam. Da plateia, o que se vê, no entanto, são possibilidades de criação que demonstram consistências muito específicas. “A dama da noite” se coloca como mais autoral e vibrante quando aposta na música, quando flerta com a performance, acentuando o corpo do ator em cena, ao tempo em que perde intensidade em sequências presas demais ao texto, revelando quase um exercício de retórica, amparadas num conjunto de recursos cênicos muito precários. É um espetáculo honesto em suas limitações. Pena que Marcelo Francisco só explode na taça arremessada ao chão no minuto final.

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30 05 2024

Inventividades de “O Equilibrista” fascinam e mostram como é duro um menino-artista virar homem

Leidson Ferraz Teatro Adulto 6

A sensação de observar uma pedra preciosa por vários ângulos, daquelas que mudam de cor e continuam únicas à sua maneira. Assim posso traduzir a minha experiência com o espetáculo “O Equilibrista”, que a Cia. YinsPiração Poéticas Contemporâneas, de Brasília, apresentou no Teatro Apolo, no Recife, na noite de quarta-feira 29 de maio de 2024, abrindo a temporada de circulação nacional da equipe pelo Palco Giratório. Com dramaturgia e direção de Luciana Martuchelli e atuação de Filipe Lima, em diálogo com as filigranas sonoras da guitarra de Guilherme Cezário, a peça, repleta de recursos de linguagem, diversifica as possibilidades de escrita da cena, liquidificando estímulos e materiais bem distintos.

Personagens que sinalizam lirismos em fluidez, fragmentos de textos que expandem tempo e espaço, iluminação com tonalidades distintas em mudanças totais de cor, trechos de canções oriundas de nacionalidades variadas, organização cenográfica quase como instalação minimalista, projeção audiovisual em liberdade documental e objetos manipulados para uma ressignificação constante, ufa, tudo ali é polissêmico. Tanto que é bem possível que muita gente, na intenção de apenas entender a obra racionalmente, tenha se distanciado dela por não decodificar por completo as inúmeras operações em conjunto. São mesmo outros parâmetros de percepção e recepção para que se usufrua melhor da poética de “O Equilibrista”.

O título da montagem já nos coloca diante da questão de se situar numa inconstância, assim como o próprio artista em cena, Filipe Lima, que além de enfrentar desde pequeno a acusação de possuir voz de menina, em certo momento da vida descobriu que queria ser artista, profissional a viver na corda bamba, para desespero dos seus familiares. A obra, então, tem como fio principal dos seus depoimentos (reais ou ficcionais?) uma possível masculinidade renovada, mas também dá voz à opção de se abraçar o mundo artístico, do passar ou parar das horas no enfrentamento do medo de crescer e à grande aventura que é viver com escolhas próprias.

De início, logo após o contato com cartas de tarô no telão, uma voz ao longe prenuncia a chegada de um Barong, personagem da mitologia e do teatro balinês. É esta criatura quem começa a narrar a força do fogo por vários teatros pelo mundo, devido a casas de espetáculos que se reduziram às cinzas. Numa delas, os artistas arriscaram a própria vida para saírem com o figurino a salvo. Isso porque sabiam da força que um espetáculo tem para fazer arder consciências e memórias. Como aquelas que começam a desfilar no fluxo contínuo de pensamento do artista-menino-homem em cena, que se despe da personagem balinesa para adentrar num palco-ilha onde as referências ao tempo serão constantes.

Primando por uma atuação performativa cujo corpo e voz são construídos milimetricamente como recursos técnicos potentes, Filipe Lima quase sempre brinca com a disjunção entre gesto e palavra, inserindo objetos como surpresa na narrativa e propondo-lhes novos usos (basta lembramos do casaco, da gaiola, dos relógios, dos navios, das ampulhetas e dos livros com dobraduras tridimensionais). Ele também embaralha fábulas e poesias, com visitas à morada de Deus em meio aos anjos; nos leva a um jardim do imperador chinês à beira da morte que teimou em aprisionar um beija-flor (sua mão e uma buzina de bicicleta já bastam para vermos o pequenino pássaro), como também à Terra do Nunca onde residem os Meninos Pelados e o terrível Capitão Gancho, ainda a morrer de medo do crocodilo Tic-Tac, o tempo que assusta os adultos.

Sua partitura de movimentos é intensa e obsessiva, mas nada de estado de energia mais elevado, é tudo comedido, lírico, singelo, mesmo que haja um excesso de marcas, falas, situações, metáforas e até um falso final. Tudo isso certamente borra compreensões lógicas, mas também abre possibilidades de significação as mais variadas. Afinal, essa descontinuidade é proposital e consegue nos capturar a um fluxo de minúcias de sensações em desdobramentos poéticos. E como num rito de passagem do menino-criança que não pensa no tempo àquele menino-rapaz que encara as expectativas do pai, ao menino-adulto que descobre, pelo viés feminino aceito por ele, o que é ser homem de verdade, se revela mais uma joia fascinante dos artistas do teatro brasiliense.

Crédito das fotos: Guilherme Lostt.

29 05 2024

A revolução rebolativa de Eron Villar e DJ Vibra

Magela Lima Teatro Adulto 3

Colaboração do ator Eron Villar e da DJ Vibra, “Se eu fosse Malcolm?” não chega a ser o que se anuncia, embora acabe por se configurar como uma experiência muito poderosa. O Malcolm do título do espetáculo faz menção a Malcolm X, militante norte-americano que atuou na década de 1960 pelos direitos civis dos negros. A interrogação ali presente também merece atenção, não é meramente retórica. Eron Villar, que assina a dramaturgia, se faz, literalmente, esse questionamento. Alguém com as ideias de Malcolm X, deslocado 60 anos no tempo, falaria a quem? Um Malcolm X do século XXI seria mais forte, encontraria mais eco para suas teses? O fato é que “Se eu fosse Malcolm?” não se fixa numa referência tão particular assim.

Aparentemente, um tanto obcecados pela biografia singular de Malcolm X, Eron Villar e DJ Vibra cruzam trajetórias reluzentes de outras personalidades negras. Malcolm X, assim, perde espaço para nomes como os ativistas Bayard Rustin e Martin Luther King Jr., o lutador de boxe Muhammad Ali, a diva Nina Simone e até mesmo ícones brasileiros, como Zumbi, o rei dos Palmares, e a cantora Elza Soares. Isso, para ficar nas figuras públicas que assumiram uma projeção mais regular no correr da história. “Se eu fosse Malcolm?”, entretanto, é entrecortado por citações de dor e de luta, de certo modo, anônimas. É o caso, por exemplo, de George Floyd e seu “I can’t breathe”, também lembrados em cena por Eron Villar e DJ Vibra.

“Se eu fosse Malcolm?” não tem a literalidade que provoca e só se afirma na medida que se dilata. “Se eu fosse Malcolm?” não fala de X, fala de um alfabeto inteiro de enfrentamento ao racismo, em suas diversas formas de apresentação. A montagem imagina ter um foco muito definido, quando, na verdade, o que funciona mais claramente no contato com o público é a articulação inteligente e ágil de tantos temas e tantos tipos e tantos tempos e tantos lugares. Talvez, todos sejam um tanto Malcolm X, mas essa também não é a questão. “Se eu fosse Malcolm?” não trata, ao fim, de um lutador, trata de uma luta, que tem sido de muitos, é verdade, e deveria ser de todos, mais verdade ainda.

Muito bem resolvido na plasticidade de sua composição, combinando, com equilíbrio e muita beleza, recursos de iluminação com projeções de vídeo e trechos musicados, “Se eu fosse Malcolm?” se perde, entretanto, ao se assentar indevidamente numa estrutura de solo. Assim como o ponto central de atenção não está em Malcolm X quando se observa em detalhe a dramaturgia, o ponto central de atenção não está em Eron Villar quando se observa em detalhe a encenação. Muito embora Malcolm X acione os questionamentos que conduzem a narrativa e Eron Villar funcione como um núcleo irradiador de todo processo, inclusive interpretando o ativista, “Se eu fosse Malcolm?” seria outro sem a presença definitiva da DJ Vibra.

Em cena, DJ Vibra não tem uma atuação acessória. Ela está lá como DJ, sim, mas assume funções cruciais para organizar o discurso da peça. É DJ Vibra., por exemplo, quem interrompe as elocubrações de Malcolm para localizar o racismo no Brasil com outras violências que não as vividas pelas comunidades negras nos EUA. É DJ Vibra, ainda, quem conclama a plateia para uma revolução rebolativa, subvertendo o que é da ordem do clichê e do estereótipo em potência transformadora. “Se eu fosse Malcolm?” encontra em DJ Vibra uma força física que merece mais destaque. “Se eu fosse Malcolm?” tem um caminho virtuoso a ser explorado naquilo que tem de base coreografada. “Se eu fosse Malcolm?” pode e deve ser mais dançado, mais livre.

Com cerca de 60 minutos de duração, o espetáculo tem um ritmo dinâmico de esquete e um trato com o público muito intenso. Por diversas vezes, Eron Villar e DJ Vibra interagem com os espectadores como que a querer arregimentar novas vozes para fazer coro as suas ideias. E conseguem. A resposta é muito bonita, viva, interessada. “Se eu fosse Malcolm?” tem uma conexão muito forte com o hoje, com as demandas desse tempo presente e com as formas de criação cênica desse tempo presente. É uma montagem que faz dialogar linguagens, enquanto provoca convenções, inclusive sociais. Ainda com uma história muito recente nos palcos, tendo estreado em maio de 2023, “Se eu fosse Malcolm?” tem ajustes a fazer, sem dúvidas, mas tem, também, um caminho muito vasto pela frente. Nina Simone e Elza Soares ainda vão tocar muito!

29 05 2024

Ainda carente de ajustes, o espetáculo-denúncia “Në Rope – A Fertilidade da Nossa Origem” vale por entrar na luta da defesa indígena

Leidson Ferraz Teatro Adulto 2

Num país em que “índio” ainda é fantasia de Carnaval e os verdadeiros indígenas continuam a sofrer genocídios, o espetáculo “Në Rope – A Fertilidade da Nossa Origem”, do Coletivo Grão Comum, com direção de Júnior Aguiar, é imprescindível que continue a resistir, mas merece podar excessos. Verdadeiro manifesto contra uma enxurrada de desmandos nesse Brasil, a montagem reforça a tese de que o jornalismo investigativo justo é um parceiro dos direitos dos povos nativos, mesmo que o idealize de maneira um tanto heroica e salvacionista. Afinal, interesses sempre há em meio à valentia.

Entre várias inspirações que infelizmente continuam como ciclo de violência contínua, o caso do indigenista Bruno Pereira e do jornalista britânico Dom Phillips, assassinados em 2022 no Vale do Javari, no extremo oeste do Amazonas, deve ter impulsionado os artistas – e também jornalistas – Júnior Aguiar e André Zahar, autores e intérpretes da obra, na concretização deste trabalho. A peça estreou em janeiro de 2023 e, como muitas outras produções pernambucanas, fez duas sessões aqui, outra ali, carecendo ainda de reparos pela inconstância de apresentações com maior assiduidade. Digo isso principalmente pelo descuido nas questões técnicas.

Optando por uma interpretação que convoca ao real dois atores em diálogo sempre íntimo, às vezes com falas ditas em tom tão baixo que ficava impossível ouvi-los, foi imperdoável ter um computador aberto para o profissional que ia soltar as projeções com a luz incidindo nos olhos dos espectadores o tempo todo. Isso sem contar que nenhum dos vídeos – de imagens reais ou animação – acrescentava nada de novo ou de significativo ao enredo, tornando-se um recurso totalmente dispensável. Aliás, foi a palavra quem ganhou relevo durante toda a sessão que durou 1h40 no Teatro André Filho – Espaço Fiandeiros, na programação do Festival Palco Giratório, em horário e dia inconvenientes, às 16 horas de uma terça-feira (28 de maio de 2024). Público pequeno, então.

A palavra, aliás, era sempre contínua, transbordante, repisada, mas extremamente necessária. Basta lembrarmos que está aí a tese do “Marco Temporal”, na intenção de destruir a proteção aos territórios indígenas já demarcados, e o teatro, claro, precisa entrar nessa luta. “Në Rope – A Fertilidade da Nossa Origem”, cujo título se refere ao “princípio da fertilidade da floresta” (personagem que não se vê, até a inserção do dispensável vídeo, mas está lá), nos faz acompanhar um jornalista da mídia independente que, cansado das notícias de violência na região amazônica, resolve adentrar na floresta e investigar o assassinato do filho de um pajé.

Como numa tragédia anunciada, o clima é marcadamente envolto em sombras, com direito a cheiros e sons durante o seu percurso de denúncia e embate, especialmente com o advogado dos garimpeiros acusados do crime. Numa espécie de nicho-aldeia ao centro, além da presença coadjuvante, ao fundo, do músico Breu da Silva, executando uma tímida ambiência musical, e do indígena Caio Katson Fulni-ô, dois atores dão vida às personagens. André Zahar, bem comedido, vive o obstinado jornalista, enquanto Júnior Aguiar se desdobra nos papéis do seu editor-chefe, no pai do jovem assassinado, um xamã (é linda a cena em que ele, forrado por um manto de palhas, chora guturalmente pelo filho); e, finalmente, no advogado vilão.

Uso esse adjetivo porque me pareceu um tanto over tal figura, acentuada na gesticulação e no cinismo, quando já se sabe dos seus interesses, sem precisar ressaltar nada mais. Inclusive, a cena de violência física – um tanto forçada e inverossímil – que acontece entre ele e o jornalista com um simples gravador na mão merecia ficar nas entrelinhas, afinal, todo o mundo já conhece como o garimpo ilegal e seus financiadores resolvem pendências. Com o uso de pontuais vozes em off em que o ficcional e o real se borram, além do aproveitamento de reflexões de vários pensadores indígenas salpicadas na narrativa (há indicação à “queda do céu” que o xamã yanomami Davi Kopenawa fez diante da devastação ambiental), a peça resulta numa crescente dramaticidade, mas poderia ser mais enxuta, cena por cena.

É que formatada numa jornada em três atos, com falsos finais, até parece que o momento de descoberta da espiritualidade ancestral do aguerrido protagonista, e tudo o mais que vem depois, se torna dispensável. Na certeza de que pelo menos Júnior Aguiar desenvolve atividades xamânicas, talvez esse seja o cerne do que a dupla de atores/autores quis reforçar – com direito a uso de rapé e ao “chá mágico” ayahuasca –, então vale excluir redundâncias no correr do texto. O palavrório é tanto que ainda há espaço para se tratar dos dilemas políticos da América e, pela representação e discurso do boliviano Evo Morales, uru-aimará que subiu ao poder, não só se questiona onde foram parar os “empréstimos” provenientes dessa terra, mas também o que é ser indígena e qual o lugar que as etnias podem ocupar.

Ou seja, é um transbordar de questionamentos remoídos enfaticamente. Ao término, como num julgamento sobre máquinas de extermínio, lança-se uma problemática que ainda precisa ser abraçada não só pela frágil Justiça brasileira e mundial, mas por todos nós em atenção aos povos originários. “Në Rope – A Fertilidade da Nossa Origem”, como denúncia pela gente que é floresta, faz a sua parte com a dignidade de um libelo, mesmo podendo estar cerzido engajadamente de maneira bem mais direta.

Crédito das fotos: Guilherme Lostt.

28 05 2024

O teatro segundo Agrinez Melo

Magela Lima Teatro Adulto 2

No coração da cidade do Recife, no tradicional bairro da Boa Vista, vive e pulsa um teatro-roda-terreiro. Lá, Agrinez Melo investiga uma cena que não se convenciona – ou, sendo mais preciso, que se convenciona a partir de outros códigos e outros corpos, que não os brancos, europeus. Agrinez Melo poderia muito bem pesquisar sozinha, mas, felizmente, suas poéticas carregam outros fundamentos. Ela é de uma linhagem de filhas do vento, entende que seu corpo, essa casa que dança, é, na verdade, uma vastidão povoada de tempos. Assim, do encontro, nasce “Aldeias”, uma lindeza costurada por uma sabedoria ancestral que a Paó Produção & Comunicação em parceria com a Doceagri, acham por bem chamar de espetáculo, mas que poderia ser batizada de teimosia da insistência.

“Aldeias” carrega a força e a delicadeza do que é puro. O que é dado a ver ao público é, simplesmente, um tanto de verdade. Claro, há uma camada de representação, sim, mas, apenas muito pontualmente, o elenco transita por uma composição interessada pela construção artificial de um outro. Em “Aldeias”, os atuadores – músicos, dançarinos e atores – são eles e suas memórias, aquelas mais recentes e outras tantas, muitas, que vêm de longe, ancestrais. Sempre que a encenação se coloca a serviço de uma interpretação em que os artistas se expõem como eles mesmos, com suas alegrias e suas dores, “Aldeias” explode. O teatro de Agrinez Melo não é preso a um mimetismo da ordem do como se fosse, é um teatro genuíno, que é o que é.

Logo em sua primeira cena, a montagem deixa claro essa chave de criação. Ester Soares, sozinha, é ela e todas as mulheres do mundo, ao tempo que se veste de Rainha da Encruzilhada. A Pomba Gira de “Aldeias” sai do panteão e se espraia pela vida. A Pomba Gira é Ester Soares, ao tempo que Ester Soares é a Pomba Gira do culto e dos pontos, entoados com maestria, mas também é a mulher açoitada por ser mulher, a mulher de quem a sociedade tem medo, a mulher, porém, que não sofre do proibido e sabe que, sem ela, não haveria de existir alegria nem revolução. “Aldeias” arrebata pelo batuque, pelo ritmo, pelo movimento, mas, sobretudo, pela capacidade de provocar temas contemporâneos. A ancestralidade de “Aldeias” é absolutamente presente.

No teatro-roda-terreiro de Agrinez Melo cabe tudo. Questões ligadas ao universo LGBTQIAP+, por exemplo, demarcam seu espaço na medida em que se conectam com outras exclusões e outras censuras. A exclusão e a censura ao povo preto, a exclusão e a censura à mulher, a exclusão e a censura às religiões de matriz africana, a exclusão e a censura, enfim. “Aldeias”, no entanto, está longe de ser uma arena de debates. Definitivamente, não é uma peça didática. A dinâmica é mais da ordem do compartilhamento do vivido. O público é colocado quase que diante de um segredo. “Aldeias” tem, a um só tempo, a força do coletivo e a força da intimidade.

Experimentado desde 2019, “Aldeias” vem sendo inventado e reinventado ao sabor das trocas formativas desenvolvidas por Agrinez Melo na lida cotidiana dos 20 anos de atuação do Grupo O Poste Soluções Luminosas, formado por artistas negros interessados pelo resgate das culturas afro-indígenas no Recife. Com isso, “Aldeias” tem uma partitura que é aberta à renovação, tem uma trama porosa e acolhedora, que sempre pode receber uma nova cena e um novo ator. O músico Beto Xambá ganhou texto falado na sessão do último dia 27. A estreia, do modo como se deu, só é possível porque, no jogo jogado pelo elenco de “Aldeias”, não há espaço para individualidades. A ancestralidade é coletiva. Quando fala de si, Beto Xambá está falando de todos, está falando do mundo, assim como Ester Soares e Jorge Féo e Jully e todo o elenco também o fazem.

“Aldeias” é uma alegria compartilhada, uma festa com direito a banho de cheiro e bombom. É um trabalho suado, poderoso, que tem uma pesquisa muito consistente e pode e deve seguir reverberando e compartilhando seus resultados. “Aldeias” é um encontro muito desafiador para dentro e para fora dos limites de seu intenso e fértil teatro-roda-terreiro. Enquanto se conecta com os seus de agora e com os seus de sempre, Agrinez Melo cria uma experiência se não nova, inovadora, que só é possível, num revisar de convenções. Agrinez Melo questiona para ela, para seus atuadores e para os seus públicos o que é teatro, como se faz teatro e como se assiste teatro. “Aldeias” não fecha questão, não conclui nada, não traz resposta, mas abre veredas e desperta desejos. Sim, outros teatros são possíveis.

27 05 2024

Um Zaratustra que esbarra na liberdade coletiva do Tá na Rua

Leidson Ferraz Teatro Adulto 4

Às vezes, o Recife é uma cidade bem generosa para o teatro. Isso ficou evidente no número excessivo de palmas durante toda a apresentação de “Zaratustra – Uma Transvaloração dos Valores”, atração do Festival Palco Giratório no domingo 26 de maio de 2024, com o aguardado grupo Tá na Rua. Tanta benevolência não foi por menos, afinal, o próprio mestre e diretor Amir Haddad, logo no início do espetáculo, explicou que um ator ou uma atriz, ao abrirem os braços, estão pedindo aplausos. Frente a um elenco que repetiu tal movimento inúmeras vezes, a plateia do Teatro Marco Camarotti seguiu à risca aquele ensinamento. Pura generosidade.

Isso porque, assim como o profeta idealizado por Friedrich Nietzsche não convenceu a quase ninguém com seus discursos sobre a superação do ser humano, penso que a equipe carioca poderia ter se saído melhor ao mergulhar no prólogo da obra “Assim Falou Zaratustra”, a mais famosa do filósofo alemão, inserindo ainda outros trechos do livro. Em quase duas horas de apresentação, a conjuntura – provavelmente necessária – de se assistir Amir, aos 87 anos, lendo falas tão longas e reflexivas, com a ajuda do texto impresso numa estante de pauta, entrecortado por interferências quase jograis dos nove atores que o acompanham, ao meu ver, fez a peça parecer mais espichada do que deveria. A empreitada realmente não era fácil.

O texto nietzschiano traz como personagem central um pensador que, após exilar-se numa montanha e passar dez anos afastado do convívio humano, volta para esclarecer questões sobre a vida e os valores que se mostram impostos a todos nós. Suas críticas dirigem-se especialmente à religião e à moral dos homens, com fundamentos tidos como imutáveis, absolutos e eternos. Zaratustra rechaça essa moral vigente, tentando fazer ver que determinadas concepções nada têm de transcendentes, mas são frutos de avaliações humanas, criadas e ordenadas em algum momento.

Assim, procura derrubar ídolos (a morte de Deus como fato!), inverter e recriar novos valores, abrindo olhos e ouvidos ao mundo verdadeiro, do aqui e do agora, sem ideais metafísicos, sem promessas de outra existência para além da vida terrena, esta sim, precisando ser bem aproveitada, vivida na sua plenitude de liberdade. Para quem conhece minimamente a trajetória de Amir Haddad e do seu grupo Tá na Rua, que surgiu em 1980 como um dos expoentes do teatro de rua no Brasil, sabe do rompimento que ele fez com certos padrões da cena brasileira e do abraçar ao teatro como arte pública, sustentado pela experiência do compartilhamento festivo para todos, sem distinção.

De certa maneira, Zaratustra tem a ver com Amir e Amir pode, sim, ser Zaratustra, ainda que de perfil comedidamente dionisíaco. A peça, então, brinca com os dois amalgamados, mas o trabalho livre, aberto do Tá na Rua, deixou-se amarrar pelo negacionismo crítico de Nietzsche e não se saiu bem nessa. A questão maior é que, para além dos discursos ali proferidos, é o conceito do próprio teatro do grupo que parece estar deslocado àquelas parábolas. As músicas, danças, rodopios e a intensa troca de roupa do elenco – marcas do coletivo – não dão um arcabouço mais verticalizado a tudo aquilo, nem plasticamente nem como teatro vivo, pulsante, que precisaria ser arrebatador, pois esbarra na falta de timing das longas falas proféticas.

O espetáculo é constantemente amortecido pela opção da leitura, parecendo ainda imprecisas as falas da maioria do elenco. O jogo proposto como no futebol, de passar o lance rápido para o outro em sequência, fica a desejar. Aqui e ali o humor é até bem-vindo (a piada transposta na canção “Pense em Mim”, de Leandro & Leonardo, na tentativa de se aceitar Nietzsche, o rompimento, e negar Hegel, a conciliação, é fabulosa), mas tudo esbarra para superar a lentidão, mesmo diante da inegável entrega afetuosa do elenco à montagem. Talvez a ranhura de se ver um teatro que é propositadamente inacabado, com variados tecidos rotos e coloridos, onde os movimentos multiplicam-se constantemente, enfrentando uma literatura em dialética profunda – o texto robusto, quase messiânico –, sufoca as estratégias pensadas e a peça não flui como deveria.

Gestos, cantos, olhares e sorrisos não bastam para avivar a dinâmica necessária, ainda que se busque um “teatro vivo sem cartas marcadas”. No entanto, a rede de proteção na dramaturgia, sinceramente, foi pesada demais. É uma pena que a estética libertária, de espacialidade ampla (as trocas de figurino acontecem, quase todas, ao olhar do público), carnavalizada, afrodescendente até em certo trecho, destoe flagrantemente do discurso verbal, e as potencialidades apontadas não sobrevivam por muito tempo. Ainda assim vale destacar o maior achado poético da encenação, que se deu exatamente pela presença de um artista ali estreando, o menino alagoano Benjamim Eller, de 5 anos, sobrinho de uma das atrizes.

Num espetáculo cujo texto-base reclama que as pessoas vivam aproveitando o viver, sem maiores julgamentos (apesar do estranho vídeo em projeção que mostra uma bronca que Amir deu num de seus atores), as cambalhotas em sequência daquele menino loirinho, desapegado, liberto, são a maior lição do que Zaratustra poderia ter nos oferecido. Afinal, a existência é mesmo um movimento que, para a frente ou para trás, com ou sem apoio na superfície, nos coloca de cabeça para baixo na intenção dos pés sempre voltarem ao chão, à terra firme. Pelo menos em tentativa.

Crédito das fotos: Rasta no Cllick.

26 05 2024

“Alguém pra fugir comigo” brinca com realismos enquanto seduz o público

Magela Lima Teatro Adulto 0

Se o Bily entra em cena e pega o Tigrão dele, “Alguém pra fugir comigo” teria cumprido sua jornada. Com encenação de Analice Croccia e Quiercles Santana, o espetáculo do Resta 1 Coletivo de Teatro é incerto e corajoso, como a vida, essa luta quase eterna contra uma derrota anunciada, deveria ser. Em cena, além da própria Analice Croccia, Ane Lima, Caíque Ferraz, Clau Barros, Pollyanna Cabral, Raphael Bernardo e Wilamys Rosendo sabem bem o que querem fazer. A montagem tem uma clareza muito convicta de suas escolhas, muito embora isso não a conduza para um lugar de conforto. “Alguém pra fugir comigo” erra e acerta, erra e acerta, erra e acerta, erra e acerta. É um espetáculo vivo, tem fragmentos lindos e, a todo instante, conduz seu movimento, sua energia, para um lugar de encontro.

“Alguém pra fugir comigo” provoca uma escuta muito delicada. O que você fez da vida? O que a vida fez de você? Quanto isso lhe custa e até quando você aguenta? O que sobra para viver? Sem coragem, para onde é que a gente vai? Essas e outras tantas perguntas, nada retóricas, costuram uma dramaturgia que perpassa tempos e tipos os mais variados, aparentemente provocando, mas, na verdade, acolhendo. “Alguém pra fugir comigo” se anuncia panfletário, grita, chama para briga, cospe na cara, mas entrega algo de outra natureza. “Alguém pra fugir comigo” é um abraço sincero, é uma mão estendida, é um ombro amigo. A preta Liberdade vai fugir, sim, quantas vezes for preciso, mas ela quer, sobretudo, que a mãe fuja também, mesmo que não fujam juntas.

Transitando por linhas de composição muito distintas, “Alguém pra fugir comigo” é um espetáculo que não se pode dizer preso a uma narrativa. Tem uma história sendo contada, sim, mas a história mostrada é mais sensível e sedutora. A plasticidade, a materialidade, da montagem é tão consistente quanto o enredo e, na grande maioria das vezes, cria uma camada de informação, fora do lugar do meramente ilustrativo. Analice Croccia, Ane Lima, Caíque Ferraz, Clau Barros, Pollyanna Cabral, Raphael Bernardo e Wilamys Rosendo mantém um ritmo intenso e propositivo de troca, de colaboração, que faz cada cena transbordar sobre as demais, mesmo que não tenha propriamente uma conexão literal, dramática. O Resta 1 Coletivo é e funciona como um grupo de teatro e isso não é pouca coisa.

Nos palcos desde 2017, “Alguém pra fugir comigo” tem, ainda, uma provocação de estreia. É fresco. É presente. É arriscado. O elenco avisa que não há nada de novo ali, que é melhor o público não criar expectativas, que não vai representar nada nem defender ideia alguma, mas, ao fim, não cumpre o receituário por completo. “Alguém pra fugir comigo” tem uma hipótese, uma tese, uma intenção argumentativa que acompanha o espetáculo da primeira e enfadonha cena ao exuberante e profundo ato final. Enquanto Liberdade foge sozinha e acaba sendo capturada pelo escroto do delegado a mando do comendador, aquele asqueroso, o Resta 1 Coletivo de Teatro foge em bando e leva junto o público, totalmente entregue a sua poesia.

“Alguém pra fugir comigo” explora, pelo menos, duas possibilidades de teatro de viés mais realista. Há no espetáculo um recorte dedicado à representação de tipos. Liberdade e sua mãe, por exemplo, são apresentadas vindo de um outro lugar e um outro tempo, são uma verdade inventada. Há, ainda, um outro recorte que se volta para uma espécie de desvelamento dos próprios atores. É quando conhecemos o cãozinho Bily, dono do Tigrão que passeia por muitas cenas. Bily, ao contrário de Liberdade, é impregnado de um registro de real mais tátil. No corpo dos atores, essas dimensões exigem expressões muito particulares. A verdade é que o Resta 1Coletivo de Teatro não domina com precisão nenhuma proposta de composição, mas é muito ciente disso.

Em nenhum momento, as performances dos atores saem do lugar do rascunho, do experimento. É tudo uma bela e honesta tentativa. “Alguém pra fugir comigo” tem, no entanto, chaves de criação muito ricas, sem que nenhum integrante se sobreponha aos demais. O Resta 1 Coletivo de Teatro atua em grupo e, insisto, isso não é pouca coisa. Fora do campo da narrativa, a montagem oferece uma dinâmica muito interessante. Os trechos musicados e coreografados são muito potentes, embora tímidos. “Alguém pra fugir comigo”, mesmo enveredando por temas os mais indigestos, estabelece um diálogo muito afetuoso com o público. Dá vontade de ver mais, dá vontade de continuar vendo. Dá vontade de ver outra vez. Dá vontade de reencontrar “Alguém pra fugir comigo” mais consistente, mais seguro, mais acabado.

25 05 2024

O “segredo preto” de saber contar/cantar suas próprias histórias

Leidson Ferraz Teatro Adulto 0

Maurício Tizumba é bom de prosa. Não só ele, mas também sua filha, Júlia Tizumba, e o amigo-irmão Sérgio Pererê. Este trio formado por artistas plurais das Minas Gerais – atores, cantores, compositores e instrumentistas – encantou o grande público que foi conferir “Herança”, da Cia. Burlantins, atração do Festival Palco Giratório na sexta-feira 24 de maio de 2024. O espetáculo, apresentado no Teatro do Parque e dirigido pela também mineira Grace Passô, nos revela histórias de identidades pretas a vasculhar ancestralidades, numa experiência que cativa pela extrema maestria dos discursos e de sua condução.

“Nós queremos nossas coisas de volta”, é a frase que ecoa nos primeiros momentos, logo após sabermos que um rei negro do povo Bamum de Camarões, na África, criador de um alfabeto visual próprio, teve o seu território invadido por colonizadores alemães e franceses. Um artefato seu em especial foi roubado: um trono de madeira talhada, forrado com contas de vidro e búzios, composto por figuras que simbolizam a fertilidade. Esse patrimônio expropriado serve de força motriz para a profusão de histórias pessoais que serão contadas, cantadas, dançadas e batucadas como painel da herança cultural afro-brasileira, num ritual de grande comunicação.

Manipulando falas, marcas, danças, músicas e percussão, e tendo ao fundo uma projeção audiovisual – de Renato Pascoal, Desali e dos VJs Bah e Kraken – ora elegantemente coadjuvante (com seus rabiscos de espera cinematográfica), ora de intensa presença (na utilização de fotos de acervo, de grafismos afro, de vídeo real da busca pelo trono no Museu Etnológico de Berlim ou apenas na exposição sensível de chamas de fogo em trecho duro e poético), tudo transpira teatralidades. Até mesmo quando apenas os instrumentos musicais são o destaque, vide o momento da gunga – chocalho tocado e dançado com os pés, que, na tradição do Congado, é conexão com a energia da terra –, a interferência visual se faz presente e raios dinâmicos de luz moldam sombras.

É no sentido mesmo de comunhão, como se fôssemos coro de escuta ativa, que os artistas chegam a descer do palco e, transitando por corredores iluminados pelo ótimo designer de luz Edmar Pinto, nos enredam com suas performances cênico-musicais no sentido mais expandido das palavras. Isso porque as narrativas, que emaranham fatos de parentes (mãe, avó, avô, bisavó, tia ou tio), são constantemente entrecortadas, seja para dialogar literalmente com o violão, piano, flauta ou instrumentos ancestrais como o tama/tambor falante e a mbira, seja para transformar-se em pura música preta, do blues às referências religiosas de matriz africana.

Por vezes, nos relatos, palavras completas ou sílabas apenas em repetição ganham contornos sonoros incríveis, ampliando percepções entrecruzadas. A cena em que o neto Sérgio Pererê discorre sobre a perseguição que sua avó sofreu, e pergunta onde uma cadeira em que ela sentava foi parar, transformando a sua fala-denúncia num grito, choro, vômito, solfejo lamentado é pujante de emoção (seria uma espécie de vissungo, o canto de força da tradição banto no seu aspecto místico-religioso?). E tudo fica em puro estado de suspensão, êxtase mesmo.

Assim, em meio ao relato afetivo de trajetórias de superação – da mãe que enfrenta o poder masculino para que não lhe roubem o que planta ou do tio baterista que, ainda tão jovem, viu o seu sangue se esvair pela Doença de Chagas (belo o traço vermelho sangrento que lhe sai do nariz para invadir a plateia com fitas vermelhas); ou ainda do avô que, mesmo cuidando de porcos e sendo manco, se mantinha elegante frente a uma sociedade que lhe via com galhofa –, o desejo maior de recuperar e compartilhar histórias em diáspora ganha pleno relevo. Minudências íntimas, então, ecoam ampliadas, transformando aqueles sujeitos pretos em sua dimensão mais coletiva, tal qual o trono que foi usurpado e necessita voltar ao seu povo, como herança cultural conjunta transplantada à sua origem.

Portanto, uma simples máquina de costura recuperada pode aflorar memórias e identidades, tal qual a trajetória do ator Grande Otelo, do líder revolucionário Zumbi dos Palmares, do capoeirista Besouro Mangangá ou dos três multiartistas em cena, Júlia e Maurício Tizumba e Sérgio Pererê, com participação em vídeo de Rosa Moreira (irmã de Tizumba). Sensível ao extremo, “Herança”, de memória pessoal, passa a ser coletiva, identitária e de matriz ancestral, pulsando num trabalho performativo que não deixa de ser também uma bela e justa homenagem àquele garoto de oito anos que ganhou show de calouros na TV e não podia mais concorrer por ser tão vencedor, mas também, como violência simbólica, foi parado por uma viatura policial por estar carregando uma TV sua que levaria ao conserto.

Completando 50 anos de carreira artística e 66 anos de vida, o “preto velho” Maurício Tizumba (um dos reverenciados nesta edição do Palco Giratório), junto com seus companheiros de cena, todos com vozes privilegiadas e a utilização de sonoridades para lá de expressivas num cantar, dançar, batucar e contar – como diria outro grande mestre, o professor Zeca Ligiéro –, nos transporta para o legado que todo o povo afro-brasileiro tem de sobra: uma origem nos bons contadores de histórias, as suas próprias, descolonizadas e espiraladas no correr dos tempos, felizmente transmitidas de geração a geração. Não poderia haver melhor partilha de tantos bens preciosos.

Crédito das fotos: Guilherme Lostt.

24 05 2024

A decolonialidade enviesada de “O irôko, a pedra e o sol”

Magela Lima Teatro Adulto 0

É possível que um olhar mais apressado pense que “O irôko, a pedra e o sol”, do Grupo O Poste Soluções Luminosas, seja um espetáculo que cruze temas como sexualidade e religiosidade. Não. Não é. “O irôko, a pedra e o sol” é, por excelência, uma denúncia contundente de como operam e se espraiam as estruturas do colonialismo. A peça não só flagra como demonstra a abrangência e os efeitos do pensamento colonial, tão caduco quanto intenso, que segue a controlar ideias, afetos, crenças e corpos. Somos todos colonizados, vivemos um mundo ainda moldado por valores específicos e facilmente localizados, que se afirmam fazendo do outro, do “diferente”, uma constante ameaça.

“O irôko, a pedra e o sol” quer crer que fala da trágica história de amor de Severino e Sebastião, dois garotos de uma comunidade quilombola evangelizada do sertão pernambucano. “O irôko, a pedra e o sol”, porém, não tem protagonistas nem um lugar de ação tão definidos assim. A história é de uma inocência pisada, de uma miséria anônima, como diria Clarice. É a história de todos nós, que fugimos a regras, cuja finalidade de existir é, única e exclusivamente, garantir que nós, que fugimos a regras, sejamos apagados e, quando muito, tolerados pela confissão daquilo que é professado como pecado. “O irôko, a pedra e o sol” é o registro de uma luta sem fim entre oprimidos e opressores, também oprimidos, meros reprodutores de opressões seculares.

É disso que se trata o colonialismo. Uma opressão secular. “O irôko, a pedra e o sol”, em suas mais de duas horas de duração, enfrenta e se perde numa infinidade superficial de temas, quando, na verdade, concentra no afã de romper com essas estruturas de dominação seu eixo dramático. O espetáculo se faz diante da possibilidade de uma expressão outra da masculinidade, de uma expressão outra do papel social das mulheres, de uma expressão outra dos valores e cultos de matriz africana. Tudo isso não acontece ou acontece no limite do impossível porque o colonialismo dita o que é e o que deixa de ser um homem, por exemplo. O pensamento colonial é uma sofisticada engrenagem de censuras que se impõe sobre as mais variadas áreas. Inclusive, no teatro.

Com texto, direção, letras, cenário e iluminação de Samuel Santos, “O irôko, a pedra e o sol” não consegue romper em absoluto as amarras e convenções de um teatro, a seu tempo, colonial. O Grupo O Poste Soluções Luminosas, embora tenha uma pesquisa sólida sobre corporalidades outras e teatralidades outras, acaba assumindo uma preocupação excessivamente narrativa, textocêntrica, para compor a obra. “O irôko, a pedra e o sol” tem uma curva dramática convencional, com a jornada dos seus heróis muito esquematizada e fundamentada numa lógica questionável de causas e consequências. As melhores cenas da peça, no entanto, estão à margem dessa composição. Há um “O irôko, a pedra e o sol” preocupado em contar uma história e um outro “O irôko, a pedra e o sol”, despreocupado, mais ligado a fluidez dos movimentos e sonoridades.

“O irôko, a pedra e o sol” é fruto da colaboração do Grupo O Poste Soluções Luminosas com o Grupo Bongar – Meme Bongar, que executa toda a trilha do palco. “O irôko, a pedra e o sol” brilha nos trechos musicados, particularmente os que a virtuose se desprende da pretensão narrativa. O espetáculo se investe de muita força quando adota estratégias de encenação mais físicas e menos dramáticas. A cena que o elenco desce do palco e procura abraços na plateia e os dois números que arrematam os atos são muito expressivos nesse contexto. Teatro nem sempre precisa de uma lógica sequencial. Quanto mais liberdade se permite, mais interessante e convidativa a montagem se coloca. O Grupo O Poste Soluções Luminosas tem a chance de conduzir o público a um mundo novo, com éticas e poéticas de outra sorte, mas não consegue romper com esquemas e visões de mundo de uma tradição colonial.

O espetáculo é, por assim dizer, também uma vítima do discurso que denuncia. “O irôko, a pedra e o sol” não só aceita como reproduz opressões. Faz sentido, em pleno 2022, quando a peça estreou, associar o vírus da AIDS à homossexualidade? Como questionar a leitura estereotipada das religiões de matriz africana quando se apresenta um recorte tão estereotipado dos cultos evangélicos? Falta a “O irôko, a pedra e o sol” uma espécie de refinamento diante de uma exuberância de questões que pretende abarcar. Caso se resumisse ao primeiro ato, sem julgamento, sem vingança, sem morte, sem tragédia, talvez, a montagem causasse uma outra impressão. O Grupo O Poste Soluções Luminosas tem um caminho criativo muito interessante a seguir, basta acreditar na linguagem cênica que tem desenvolvido.

22 05 2024

“Alegria de Náufragos” é para poucos e bons e não há problema algum nisso

Magela Lima Teatro Adulto 0

Na estrada desde 2007, o Grupo Ser tão Teatro é dono de uma caminhada curiosa. Em meio à previsibilidade de montagens como “Flor de Macambira” e “Farsa da Boa Preguiça”, a companhia paraibana se desfaz de fórmulas e surpreende até os mais curiosos com “Alegria de Náufragos”. A peça é tudo, menos a história do laureado professor Nicolai Stiepánovitch. “Alegria de Náufragos” é um grande desabafo e, também, uma grandessíssima declaração de amor. O espetáculo tem a energia de uma confraternização de fim de ano de firma misturada à tensão de um Natal em família. É frio na barriga do início ao fim.

Em cena, Cely Farias, Rafa Guedes, que vale por 300 atores, e Thardelly Lima, substituído por Polly Barros devido às gravações da novela das 18h, se esforçam para sensibilizar o público com o despertar da inocência do professor Stiepánovitch, na juventude de seus 72 anos. De repente, o orgulho do velho mestre diante de suas próprias conquistas se esvai em meio a uma debilidade de valores que ele cultivou desde sempre. O trabalho na universidade, o rigor da ciência e até a família tradicional, com isso, se esfacelam e fica evidente a figura de um sujeito que passou pela vida, deixando a viva passar. Com um currículo invejável, falta ao professor Nicolai Stiepánovitch, um homem marcado pela insônia, um tanto de alegria. Nem que seja a alegria dos náufragos.

Cely Farias, Rafa Guedes e Polly Barros falam, na verdade, deles mesmos. Enquanto se revezam no vasto recorte de personagens – Stiepánovitch, sua esposa, sua filha, a pequena órfã de quem ele é tutor, o porteiro da universidade e seus muitos alunos – o elenco do Ser tão Teatro fala dessa gente estranha que faz teatro e é feliz fazendo teatro. Essa gente que precisa suportar a demora na liberação de verba de edital público, essa gente que convive com gente sem talento, essa gente que se vê obrigada a fazer elenco de apoio na televisão, essa gente que vê seus trabalhos premiados sendo ridicularizados pelos amigos em suas montagens e, mesmo assim, é feliz. “Alegria de Náufragos” é para poucos e bons e não há problema algum nisso.

É uma peça para iniciados. Com texto e direção assinados em parceria pelo potiguar César Ferrario e pelo pernambucano Giordano Castro, “Alegria de Náufragos” é costurada por referências e autorreferências. É um espetáculo que fala, que provoca, mais diretamente quem é da lida do teatro. Tem uma camada de texto e de ações que são apreendidas mais diretamente pela memória e pela dor, num misto de crítica e elogio. “Alegria de Náufragos” é uma brincadeira muito séria. É como se os atores estivessem, a todo instante, testando a si mesmos e testando o próprio teatro, testando a entrega a algo tão absurdamente difícil de ser suportado, mas, ao mesmo tempo, tão absurdamente capaz de produzir e espalhar felicidades.

O público médio, claramente preterido em “Alegria de Náufragos”, acompanha tudo com o pavor gostoso da arquibancada dos circos. O espectador, que não faz teatro, não precisa entender tudo o que está em jogo na construção das cenas. A sorte é que o teatro é uma arte convival e, se for para rir, a plateia vai rir de qualquer jeito, porque sempre tem alguém do lado que não vai se controlar. O hermetismo de “Alegria de Náufragos” é engraçado, ácido, escatológico. Tem torta na cara, tem tapa na cara, tem talco na cara, tem água na cara, tem açúcar na cara, tem verdade na cara. É um crescente, sem limites, sem modéstia e sem pudor. Tudo isso para provar que vale a pena, sim, fazer teatro.

Um tanto violento pelo excesso de informações e sensações que condensa, “Alegria de Náufragos” é um trabalho que se sustenta ou se fundamenta pela excelente performance dos atores. Rafa Guedes é um nome desses para anotar e sair procurando nos cartazes e fichas técnicas. Se a intenção era provocar lamento e piedade diante da sina grandiloquente e desastrosa do professor Stiepánovitch, o Ser tão Teatro naufraga feio. “Alegria de Náufragos” navega a pleno vapor por outros mares. O espetáculo fala e critica e provoca e desafia quem faz teatro, mas deixa o resto dos pobres mortais com o senho de ter uma existência mais feliz aos próprios olhos que aos olhos do mundo.