Teatro para as infâncias

Foto A Fábrica dos Ventos - Créditos João Cláudio de Sena (8)

03 06 2024

Assopradores de balão de todos os lugares uni-vos

Nunca 50 minutos foram tão poderosos. O reino criado pela Trupe Lona Preta, de São Paulo, parece distante do nosso, mas as opressões e as alegrias são bem próximas. Os trabalhadores seguem um regime puxado, têm uma rotina totalmente mecânica e vigiada, trocam sua força por alguns tostões e são estimulados a consumir no pouco tempo livre de que dispõem para que outras indústrias e outros trabalhadores tenham, por fim, do que se ocupar. “A Fábrica dos Ventos” é um lúdico manifesto, uma máquina de ameninar o tempo, capaz de traduzir pelo ritmo e graça da palhaçaria conceitos que a academia tem suado para explicar. O espetáculo é um misto de Marx e Engels e, ainda, de Adorno e Horkheimer para crianças.

Quatro palhaços no palco dão conta de um número bem maior de personagens. Alexandre Matos, Joel Carozzi, Sergio Carozzi e Wellington Bernado se dividem entre quem controla os meios de produção e quem detém a força de trabalho. Eles são mão de obra explorada, sim, mas são, também, uma coroa pomposa, com direito a um rei cheio de vontades e um exército subserviente. São poucos, mas se fazem de muitos. São indivíduo e massa. Constroem até uma rua movimentada e um cardápio variado de programas de televisão. “A Fábrica dos Ventos” tem tudo aquilo que se espera dos números puxados pelos palhaços, no picadeiro e no mundo, ancorado por uma dramaturgia corajosa, pelo risco de se fazer hermética ao público, e um trabalho musical excepcional.

Com direito a torta na cara, tapa na cara, muito jogo de trapaças, “A Fábrica dos Ventos” envolve o público da primeira à última cena. Na verdade, sem que sejamos devidamente informados, somos também personagens daquela história. Somos alucinados por bexigas ou balões ou bolas de assopro, consumidores desenfreados independente do tamanho e cor das peças, sem que atentemos para o fato de que aquilo pode ser, de algum modo, o pretexto ou a razão para a exploração de alguém. Os trabalhadores de “A Fábrica dos Ventos” perdem o fôlego e até a vida para encher balões horas e horas do dia, ao tempo em que sonham e lutam pelo direito de ter também um balão, de preferência bem estilizado, para poder chamar de seu.

Há quase 20 anos em atividade, a Trupe Lona Preta demonstra no espetáculo uma competência exemplar de técnicas circenses, tem um trabalho singular no encontro com a linguagem musical, mas sobressai pela coragem de enfrentar uma temática tão complexa, ainda mais considerando que tem as crianças como público prioritário. “A Fábrica dos Ventos” é profundo e sensível, é uma brincadeira leve e um alerta poderoso. Com graça, a montagem critica de modo contundente um mundo imaginário que também é o nosso. A alegoria da Trupe Lona Preta tem referências muito diretas ao nosso cotidiano. Do alerta de mensagens do WhatsApp à vinheta de acesso da Netflix, passando pelas dancinhas do TikTok, o reino de lá tão é tão diferente assim.

“A Fábrica dos Ventos” tem cenas hilárias e cenas com um traço violento também. Há trechos de embates físicos, até cruéis, nos quais fica mais acentuado a crítica à cultura do consumo. Uma bexiga com 50% de desconto é motivo de um conflito brutal, em que o “vencedor” ganha não só seu objeto de desejo como a realização de ter um concorrente a menos em sua jornada. Nesse mundo de valores duvidosos, até palhaços entristecem e são condenados à solidão. É isso, ao fim, que mobiliza a grande revolução que a Trupe Lona Preta convida sua plateia a participar. De nada adianta ficar só, mesmo quando se arrebata em promoção a bexiga dos sonhos. Ainda mais, quando se sabe que o rei, sem encher um só balão, tem uma verdadeira fortuna deles.

Com encenação de Alexandre Matos, Joel Carozzi e Sergio Carozzi e direção musical de Joel em parceria com Wellington Bernado, “A Fábrica dos Ventos” organiza uma visualidade fantástica e delicada. O espetáculo fala com as crianças com uma sinceridade e uma intimidade profundas, enquanto envolve adultos com maestria. “A Fábrica dos Ventos” é, sim, para todas as idades. É uma alegria cantar e brincar com o elenco, torcer e temer ao ritmo das trapalhadas. Melhor ainda é poder ser confrontado, com tanta poesia, diante de questões que têm conduzido nossas relações e nossas práticas há gerações. “A Fábrica dos Ventos” mostra que um outro mundo é possível. Um reino com um rei concentrando todos os balões só para si, à custa do fôlego de outros que não sabem se nunca vão possuir um balãozinho sequer, definitivamente, não é um lugar bom de se viver.

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01 06 2024

Estética vistosa e dramaturgia corajosa marcam o ‘Pequeno Príncipe’ da Cênica Cia.

Dib Carneiro Teatro para as infâncias 2

Meu santo Exupéry, valei-me. Imagine você quantas vezes um crítico veterano, com mais de 30 anos de carreira, teve o privilégio de ver pelos palcos o personagem do Pequeno Príncipe. Uma delícia. Vi dezenas pelo Brasil afora e agora mais um, em Pernambuco. Obrigado, meu santo Exupéry.

‘O Pequeno Príncipe’, como todos sabemos, não é uma peça de teatro. É um livro muito famoso, no mundo inteiro, e no Brasil sempre lembrado porque era citado como leitura de cabeceira das candidatas a miss de antigamente, nos concursos de beleza (hoje tão anacrônicos e incorretos, mas resistentes). Agora, o lugar do principezinho é no teatro para crianças. E, por ser um livro, cada adaptador cuida de transformá-lo na sua peça de teatro. São incontáveis as versões.

Acontece que a forma na qual o livro foi escrito – o pequeno príncipe vai encontrando um personagem de cada vez – favorece que a grande esmagadora maioria dessas produções e adaptações use no teatro a estrutura conhecida em que o protagonista fica em cena e os coadjuvantes vão surgindo e desaparecendo, um a um. Isso exige uma habilidade muito grande da direção, já que a surpresa não virá na forma do andamento da narrativa. Para que o espetáculo não fique modorrento e sem ritmo, é preciso atrair o interesse do público de outras formas, porque todos já sabem que sai o reizinho, entra a rosa, sai a rosa, entra a raposa e assim por diante até o final. A trama é essa mesmo, a jornada do menino e pronto.

Toni Rodrigues, da Cênica Cia de Repertório, criada em Recife em 2001, foi bastante corajoso. Como autor e diretor, não abriu mão de nenhum personagem do livro, nem daqueles que comumente os adaptadores descartam, alegando que uns são mais próprios para as crianças do que outros. Toni manteve todos e, além disso, intercalou a peça inteira com o jogo beckettiano de assumir para o público que, no palco, há atores contando uma história. Então, volta e meia o elenco surge caracterizado de crianças, e não como os personagens do livro. Quando vão virar os personagens do livro, tiram seus figurinos de dentro de malas azuis e os vestem à frente do público. Isso foi inteligente, porque a garotada se identifica com o jogo e se aproxima da proposta, mas, por outro lado, isso aumentou ainda mais o número de cenas do espetáculo.

Não é nenhum pecado. Ninguém precisa abrir mão de sua criação só porque previamente se supõe que a juventude de hoje não aguenta muito tempo concentrada em uma trama teatral. É preciso enfrentar essas premissas, em vez de aderir às facilitações. Mas quando as plateias estão lotadas de escolas – e era o caso – fica muito difícil domá-las, não no sentido de castrá-las ou reprimi-las, mas no sentido de fazer com que fiquem o tempo todo interessadas pelo espetáculo.

Todos que vão ao teatro para crianças e observam o comportamento das plateias sabem que criança tem determinado comportamento quando está em família e outro quando está em um grupo numeroso de coleguinhas da escola. Foi assim que vi a sessão da tarde de sexta-feira (31) no Teatro Luís Mendonça. Alunos irrequietos, muitos adultos ao celular, conversando sem cerimônia, crianças pedindo para ir ao banheiro ou querendo também usar o celular, mães ralhando, coordenadores coordenando… tudo durante a peça. É da vida. Em maior ou menor grau, acontece em qualquer canto do Brasil, seja qual for o espetáculo.

O fato é que, no caso de O Pequeno Príncipe da companhia recifense, nada disso tirou o brilho do palco, porque havia talento, consistência, firmeza na proposta. Alguns meninos e meninas fruíram mais do espetáculo do que outros e outras? Sim. Acontece. Mas o que importa que fique registrado aqui é que se trata de uma peça extremamente feliz em suas escolhas, sobretudo as escolhas estéticas. O que a gente vê do começo ao fim é um desfile bem cuidado e bem-acabado de figurinos (Luciano Pontes) e adereços, por exemplo. Cada peça (objeto ou vestimenta) é mais criativa do que a outra. A personagem da rosa ganha roupagem nada óbvia. Sombrinhas e guarda-chuvas ganham capas ricas, coloridas, belas em texturas e estampas. Produzem um efeito cênico arrebatador e que nos transporta para um mundo de imaginação, que é a proposta anunciada pelos atores desde o começo: viajar na imaginação.

Outra ótima escolha foi ter dois músicos ao vivo (Douglas Duan e Arnaldo do Monte), ao lado do palco, fazendo toda a trilha e toda a sonoplastia à vista das crianças. Quando o menino ao meu lado percebeu pela primeira vez o músico cantando, foi de arrepiar. Ele se virou para a mãe, com os olhos brilhando, e perguntou: “Mãe, você viu? É ele que está cantando!” Parece banal ressaltar essa cena em uma crítica, mas imagine o resultado disso na vida de uma criança. É pura educação musical, ou iniciação musical, sem precisar do tom de sala de aula. O teatro existe para que as crianças compreendam as infinitas possibilidades de se expressar artisticamente, criativamente. E mesmo que elas não virem artistas quando crescerem, tudo isso que lhes foi disponibilizado no teatro da infância as fará se tornarem adultos melhores, mais humanistas, mais preparados para lidar com qualquer tipo de questão.

A história do Pequeno Príncipe é danada para fazer os encenadores caírem nas armadilhas da lição de moral. Duas das frases mais conhecidas da literatura mundial saíram justamente desse livro de Antonie de Saint-Exupéry: 1) Tu te tornas responsável por aquilo que cativas. 2) O essencial é invisível aos olhos. Com base nisso, nessas duas frases tão conhecidas, o risco de querer pregar é muito grande. Felizmente, a dramaturgia da Cênica Cia. cuidou para que o texto se revelasse muito mais abrangente do que apenas o que se tornou difundido.

É sempre encantador, por exemplo, o momento em que o aviador mostra seu desenho para o príncipe e esse enxerga no papel a cobra que engoliu o elefante, coisa que nenhum adulto foi capaz de perceber na infância do aviador, reprimindo nele a vocação para o desenho. O principezinho entendeu o desenho porque é criança e ainda não perdeu sua capacidade de imaginar. Mais adiante, quando ele pede o desenho de um carneiro, e o aviador desenha ‘apenas’ uma caixa, o príncipe ‘vê’ o carneiro dentro da caixa, ao que o aviador comenta: “Eu mesmo já cresci, porque não consigo mais ver os carneiros dentro das caixas.” Que bela metáfora do livro mantida na peça. Todos aqueles adultos na plateia, ligados no celular durante espetáculo tão sensível, jamais conseguiriam enxergar os carneiros nas caixas. Jamais. “Como gente adulta é estranha”, exclama várias vezes o pequeno príncipe. Sim, garoto, a plateia estava mesmo lotada de gente grande bem estranha, insensível e despreparada para qualquer tipo de jogo de imaginar. Felizmente, havia também muitas e muitas exceções. Felizmente, existem companhias como a Cênica que resistem e insistem em querer mudar esse quadro.

Gosto demais também que se mantenham os momentos em que o principezinho demonstra não saber o significado de algumas palavras. Ele pergunta: O que é admirar? O que quer dizer efêmeras? O que quer dizer cativar? Essas também não são apenas perguntas banais. Elas estão ali para que as crianças se identifiquem com essa fase dos questionamentos, a fase das descobertas, a fase em que a curiosidade gera crescimento.

Que beleza que é também o momento em que o príncipe sentencia a seguinte pérola: “Os adultos têm essa mania de querer explicação e as crianças precisam explicar tudo para eles.” É uma inversão proposital da ordem natural das coisas, assumindo que os adultos é que precisam que as crianças lhes expliquem o mundo. E aí vem o melhor de tudo: a reclamação de que adultos sempre perguntam as mesmas coisas, sem imaginação nenhuma. Nunca perguntam às crianças “de que cor é sua voz?” Ou: “você coleciona borboletas?” O mundo não seria muito melhor se a curiosidade dos adultos pelas crianças fosse dessa natureza? Um estado de poesia constante. É isso que propõe a peça da Cênica Cia.

27 05 2024

No sonho frenético e intenso da Buia Teatro Company, não há lugar para maus pensamentos

Magela Lima Teatro para as infâncias 5

Há determinadas pressões e cobranças no contexto do chamado teatro para as infâncias, no mínimo, equivocadas. Com frequência, artistas são provocados com frases como: que mensagem seu espetáculo deixa para as crianças? Ou ainda: sua montagem consegue mesmo prender a atenção da plateia? Fala-se isso e outros tantos absurdos como se os teatros para públicos outros, para além dos miúdos, estivesse liberado formalmente de um enfrentamento coerente dos temas que põe em evidência ou ainda que as encenações se organizassem sem que o espectador fosse uma preocupação de primeira ordem. Embora indevidas, as demandas externas sobre as peças infantis acabam por conduzir suas realizações para um outro lugar.

“Cabelos Arrepiados”, espetáculo da Buia Teatro Company, de Manaus, é uma dessas experiências que, de tão zelosa para cumprir à risca a lista de exigências para se rotular como “infantil”, acaba por surpreender também o olhar dos mais velhos. Com texto de Karen Acioly e direção de Tércio Silva, o espetáculo é uma soma de referências as mais variadas. Tem música, tem animação, tem manipulação de bonecos, tem drama, tem comédia, tem mágica. É uma colagem de performances múltiplas com um apelo visual preciso e facilmente absorvido. “Cabelos Arrepiados” faz uma apropriação muito clara do universo imagético do cinema de Tim Burton. Há uma esquesitice delicada no perfil e nos traços dos tipos que apresenta que lembra filmes como “Edward – Mãos de Tesoura”, “A Noiva Cadáver” e “Frankenweenie”, por exemplo.

É um trabalho que se desdobra com recursos de várias linguagens, que funciona pelo excesso. É uma overdose de criatividade e recursos, apesar de o trabalho ser temporalmente enxuto, cerca de 50 minutos. De todo modo, é preciso reconhecer que Maria Hagge, Magda Loiana, Jeferson Mariano, Roque Baroque e Dimas Mendonça transitam e misturam esses códigos tão absurdamente variados com grande habilidade e, quase sempre, com equilíbrio. Ficando apenas no recorte do teatro musical, a peça se apresenta como uma opereta, merece destaque o fato de “Cabelos Arrepiados” não realçar tensões recorrentes ligadas às figuras irregulares do “ator que canta” ou do “cantor que atua”. O correr das cenas e os números musicais são intercalados com muita harmonia e competência. O espetáculo é fluido e mantém o ritmo sem grandes oscilações.

Em cena, o elenco se divide – se multiplica, justiça seja feita – para contar a história – as histórias, melhor dizendo – de Tico, Cora, Flora e Dora, Clara e Ciro. Crianças de tempos e mundos particulares, eles se aproximam na medida em que são todos meninos “estranhos”, além de compartilharem o drama de que não conseguem dormir. “Cabelos Arrepiados” organiza sua encenação em torno do curioso tema da privação do sono entre os pequenos e enfrenta essa questão com muita poesia. Para a Buia Teatro Company, crianças que não dormem são crianças que tiveram seus sonhos roubados, objetiva e subjetivamente falando. A companhia encontra soluções muito felizes para compor uma dramaturgia que conduz a resolução dos pequenos atos de forma afirmativa. Mesmo quando enfrenta aspectos mais áridos que impactam o bem dormir, o desfecho é positivo. Ao final, o sono vem e todos dormem com tranquilidade.

Tico, Cora, Flora e Dora, Clara e Ciro são tão diferentes quanto comuns e, embora alegóricos, despertam grande intimidade. Não há quem não se identifique com alguma das características que eles realçam. Em atividade desde 2015, a Buia Teatro Company deixa claro em “Cabelos Arrepiados” que se guia por uma continuidade de pesquisa e trabalho. O encontro com o público infantil não é algo acidental para o coletivo, é uma constante, e isso se coloca de forma muito evidente na maturidade das escolhas. Há de ter uma lógica para a construção de cenas mais complexas em suas partituras que em suas temáticas. Em “Cabelos Arrepiados”, tudo o que é dito presa por uma economia de articulações e sugestões, enquanto o modo de apresentação dessas questões percorre um caminho inverso. A performance cênica da Buia Teatro Company é visualmente intensa, superlativa, beirando a exaustão.

Com um palco que gira, figurinos e maquiagens ricos em detalhes, desenho de luz muito presente, trechos musicados variados, “Cabelos Arrepiados” é um turbilhão de informações. Fica fácil entender a concentração da plateia, diante de uma obra tão intensa. Não há pausa para um desvio do olhar, é surpresa atrás de surpresa do início ao fim. Esse espetáculo funciona e encanta, sim. Entretanto, a qualidade dos atores é tamanha e a abordagem do tema central tão sensível que a peça funcionaria, sem prejuízos, de cara lavada e sem tanta parafernália. “Cabelos Arrepiados” é uma, rasgando elogios ao cinema de Tim Burton, mas não se perderia, caso se apresentasse meio que como ensaio de banda de garagem. Por baixo de tantas sobreposições de recursos, a Buia Teatro Company tem uma poética particular que também merece ser vista.

26 05 2024

Poesia, música e bolhas de sabão para capturar crianças grandes e pequenas

Leidson Ferraz Teatro para as infâncias 2

Se em capitais como São Paulo e Belo Horizonte, como afirmou o crítico Dib Carneiro Neto, há uma profusão de grupos teatrais que preparam shows cênico-musicais a partir das trilhas sonoras das suas peças, o Recife carece de produção nesse sentido. Não que não haja ótimos compositores à frente das canções criadas para espetáculos voltados às infâncias, alguns até lançando suas obras para comercialização junto ao público – até bem pouco tempo atrás, sempre ávido por esse tipo de produto –, mas são poucas as iniciativas que se assumem como shows para crianças de todas as idades. Excetuando aqueles artistas ou conjuntos que já trabalham nesse sentido (como Tio Bruninho, As Fadas Magrinhas, Mini Rock, a dupla Viviana Borchardt e Pochyua Andrade, o Tintim Por Tintim, Carol Levy e o fenômeno Mundo Bita), um breve retrospecto histórico mostra que poucos vindo do teatro se lançam em tal empreitada.

Minha memória me faz lembrar do Palhaço Chocolate em primeiro lugar, que sempre traz canções e personagens de algumas de suas montagens aos shows que realiza. Também recordo dos espetáculos “Cantigas ao Pequeno Príncipe” (1996), que lançou a elogiada trilha sonora em fita cassete; “A Terra dos Meninos Pelados” (2002) e “Vento Forte Para Água e Sabão” (2016), ambos com canções originais registradas em CD. Isso sem contar a trilogia das festas brasileiras de Ronaldo Correia de Brito, Assis Lima e Antônio Madureira, que compuseram “Baile do Menino Deus” (1983), “O Pavão Misterioso” (1985) e “Bandeira de São João” (1987), além de outro sucesso, “Arlequim” (1989), todos gravados em LP e estreados no palco.

Não posso esquecer também do artista Demétrio Rangel, que divulgou o show/disco “Cena de Abril” (2004), reunindo canções suas de espetáculos como “Grande Circo em Presente de Palhaço”, “O Gás da Graça” e “A Terra dos Meninos Pelados”, entre outras de montagens adultas. Ou ainda a peça “O Amor do Galo Pela Galinha d’Água” (2006), que chegou a fazer parte da programação de shows de bairros periféricos no Carnaval do Recife no ano seguinte à sua estreia.

Todo esse preâmbulo é para saudar, já de antemão, um show que compôs a programação do Festival Palco Giratório no sábado 25 de maio de 2024, no Teatro Marco Camarotti: “Cantigas de Fiar”, da Companhia Fiandeiros de Teatro, que surgiu em 2019 como um “projeto do coração” na intenção de celebrar os dez anos de existência do Espaço Fiandeiros, até então resistindo na rua da Matriz, próximo à Praça Maciel Pinheiro. Agora ocupando um antigo cinema na rua da Saudade (sintomático esse nome!), também no centro do Recife, desde 2023 o prédio passou a ser o Espaço Fiandeiros – Teatro André Filho, em homenagem a este grande artista que infelizmente nos deixou no ano passado. “Cantigas de Fiar”, agora, mais do que nunca, reverencia o seu legado.

O show – e não espetáculo teatral – é uma profusão de música e poesia, com o repertório que André criou para diversas peças em que ele assinou composição original e direção musical, como “O Menino do Dedo Verde” (1989), “As Incríveis Aventuras do Barão Langsdorff” (1993) e “Cantigas ao Pequeno Príncipe” (1996), ao lado do seu maior parceiro, o diretor teatral José Manoel Sobrinho, e aquelas que concebeu para sua própria trupe, como dramaturgo, diretor cênico e musical: “Outra Vez, Era Uma Vez…” (2008); “Vento Forte Para Água e Sabão” (2016), aqui com texto de Giordano Castro e Amanda Torres; e “Histórias Por um Fio” (2017). Convocando o público a um tempo de brincar, sem receio de assumir a palavra saudade como carro-chefe de todo o repertório, “Cantigas de Fiar” faz um passeio musical em que pululam muitas palavras-imagens, brincadeiras e jogos de interação, inclusive abordando temas como perda, morte e medos.

O elenco de atores que cantam, como meninos e meninas trelosos, parece que acabou de sair de um sótão onde foram bolinar nos figurinos de carnaval deixados a um canto, efusivamente dispersos e coloridos. Em meio à sucessão de músicas, sem maiores comentários sobre suas origens, há uma interação com a plateia nos improvisos lançados, mas é uma narrativa poética quem conduz os blocos temáticos, marcadamente dolentes em sua maioria. Confesso que até mais da metade da apresentação pensei que as crianças pequenas – e não as grandes, já emotivamente apanhadas – não fossem se envolver com o que viam e ouviam (isso após os comentários iniciais sobre a beleza do cenário infelizmente estático, sem destacar melhor suas personagens: flores, passarinhos, lua, um bumba meu boi e, especialmente, um cavalo-marinho e um grande pássaro azuis), até que a instauração da brincadeira se deu por completa.

Bastou o chamamento para adivinhações e a meninada atendeu de pronto, dialogando com os artistas na sua exposição mímica de objetos para serem descobertos e cantados na sequência. Também preciso destacar a única criação de outro compositor, “O Coelho e o Tempo”, do jovem maestro Samuel Lira, o diretor musical e regente no seu teclado, com a mais lúdica e infantil de todas. Mas foi com a música-tema do espetáculo “Vento Forte Para Água e Sabão” que a farra aconteceu de vez, assim que uma pistola de bolhas de sabão veio fazer a alegria da turminha. A canção graciosa e serelepe sobre o sopro de vida das inúmeras bolhinhas que tomam conta do teatro é, sem dúvida, o momento ideal para um congraçamento coletivo, e ninguém se fez de rogado em invadir o espaço para estourar as pequeninas translúcidas, em meio a correrias, saltos, rodopios e danças.

Além disso, a piada final do “mais um, mais um”, para que todos do elenco possam se sentir “estrelas” e fazer o esperado bis, cai como uma luva para a graça do afetuoso conjunto. E tudo acaba em festa, com direito a confetes e mais bolhinhas de sabão. Reunindo uma turma que solta a voz em melodias e arranjos que agradam pelo coletivo, os fiandeiros desse show são Charly Jadson (também na percussão), Daniela Travassos, Geysa Barlavento, Kellia Phayza, Layon Figueiroa (ainda no trombone), Manuel Carlos, Samuel Lira (tocando teclado e flauta, além da regência e direção musical) e Victor Chitunda (violão e xilofone). Há ainda a participação de duas crianças filhas das atrizes (a menorzinha chorou e não quis saber de brilhar no palco; já a outra parecia estar em casa, tamanha a desenvoltura em ligar o “Não estou nem aí, eu quero é brincar!”. Mas, pelo meu olhar cênico direcional, esta podia ser apenas uma surpresa ou um achado especial da apresentação. Quem sabe numa próxima récita…).

Crédito das fotos: Guilherme Lostt.

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25 05 2024

Poesia cênica e metáforas inteligentes a serviço da coragem de arriscar

Dib Carneiro Teatro para as infâncias 0

Perguntei, certa vez, ao saudoso dramaturgo e diretor Vladimir Capella (1951-2015) como se faz para escrever boa dramaturgia para crianças. Ele me respondeu assim, exatamente assim: é preciso ter talento. Como contestar uma resposta dessas, tão taxativa, tão definitiva?

No exercício da crítica teatral, há momentos em que dá vontade de também resumir tudo o que se viu no palco apenas assim: o espetáculo é bom porque as pessoas envolvidas nele têm talento – e ponto final. Ou o contrário: não é bom, porque falta talento. Só isso. No frigir dos ovos, não é isso mesmo que explica tudo, conforme nos ensinou Capella? Qual cartilha, que receita, que fórmula e quais regras resumem tão bem a felicidade de conseguir fazer um bom espetáculo? Ou se tem ou não se tem essa característica imponderável, inexplicável, indecifrável chamada talento. Pronto.

‘Vento Forte para Água e Sabão’ é demonstração de talento do começo ao fim. O espetáculo de 2016 da Cia. Fiandeiros de Teatro, fundada há 21 anos em Recife, usa uma estrutura dramatúrgica muito comum no teatro para crianças: personagens fabulares, várias canções intercalando as ações, ritmo de jornada em que os protagonistas vão encontrando os coadjuvantes pelo caminho e assim por diante. Mas não tem nada que soe ou pareça antigo no espetáculo, porque foi feito por gente que tem talento, e de forma inteligente, criativa, bem escrita, sem chavões pobres e frases de almanaque, tratando criança com horizontalidade e não com atitude vertical de dedo em riste.

Vento, a peça escrita por Giordano Castro e Amanda Torres e dirigida por André Filho (1961-2023), que muita falta vai fazer neste mundo, trata criança com poesia e metáfora. Isso já faz tudo ficar muito mágico e universal, um texto que pode atravessar os anos, porque poesia boa nunca envelhece. E para fazer poesia cênica e encher o texto de metáforas e imagens poéticas é preciso acreditar na inteligência cognitiva das crianças e ter… talento.

Para começar, ninguém do elenco grita ou faz voz infantilizada só porque é uma peça para crianças. Que incrível quando os encenadores entendem que os intérpretes não precisam abrir os braços a cada frase e afinar a voz – isso se fazia muito antigamente no teatro. E basta um chapéu arredondado transparente para as crianças acreditarem que são todos bolhas de sabão em cena – para que figurinos óbvios e caricatos? Pequenos espelhos nas mãos dos atores já fazem todos acreditarem que estão diante de um lago ou espelho d’água. E um bastão cheio de fitas esvoaçantes já serve para sentirmos uma ventania danada pelo ar. Teatro é isso. Teatro bom é isso. Aposta na imaginação, não na obviedade explícita. Mas, para ter essas sacadas criativas, é preciso ter… talento.

Não se faz mais peça infantil musical com letras que começam com “eu sou o sol”, quando o personagem é o sol, ou “eu sou o tempo”, quando o personagem é o tempo. Isso se fazia antigamente, quando se achava que criança precisava dessas facilidades para compreenderem um espetáculo. As canções de ‘Vento Forte para Água e Sabão’ têm letras poéticas e ritmos sofisticados, melodias de gente grande, gente que tem… talento. Cada canção emociona mais do que a anterior, porque não estão ali só para ilustrar e fazer a plateia bater palminhas, e sim para ajudar a contar a história, empurrando a narrativa para frente.

A ideia do enredo é absolutamente incrível. Surpreende, encanta, nos cativa do começo ao fim, sem chance para que nenhuma criança esperta descubra antes o desfecho. Porque foi pensado com… talento. O fio condutor é a divertida e amorosa amizade entre uma delicada bolha de sabão e um vento vaidoso. Sem precisar de lições explícitas nem de mastigar valores com palavras rasas, a peça é um valioso tesouro sobre ter coragem, enfrentar os medos, querer se aventurar, querer correr riscos. A bolha, ao sair fora do copo de água e sabão, corre o risco de estourar a qualquer momento, mas aceita a jornada de conhecimento e aventura que o vento lhe propõe. Muito mais do que se algum ator tivesse vomitado na plateia frases como “Vamos enfrentar nossos medos, porque a vida é curta”, ou “Coragem é nosso maior tesouro” (frases, aliás, que passam longe deste magnífico espetáculo poético), as crianças aprendem, entendem, digerem cada intenção da fábula, cada emoção contida em cena, sem que diretor e autores tenham de lançar mão de facilidades castradoras. É que eles têm talento para fazer isso, não precisam de muletas antiquadas.

Um espetáculo infantil sobre correr riscos. Que maravilha de ousadia. E que sintomático é isso para o fazer teatral. Quem faz peça sem correr riscos, só se apegando ao já testado e ultrapassado, faz teatro pífio, um desserviço para a formação saudável de nossas crianças. E como ainda existe esse perfil de companhia pelo Brasil afora! A Cia. Fiandeiros corre riscos e instala um frio delicioso na barriga da bolha protagonista, assim como em todos nós da plateia. Isso é bom teatro. O teatro que nos faz sentir frio na barriga, por ser uma aventura com riscos – como, de resto, é a vida.

Uma hilária e inusitada galeria de personagens auxilia na fruição da narrativa, nunca de forma naturalista, sempre com pegada poética e jeitão de fábula. Uma dupla de algodões doces, um trio de sorvetes de casquinha, uma garota que usa o pum como defesa, um menino apertado pra fazer xixi, uma brisa atrevidinha, um casal que adora paçoca e lamber raspa de bolo… O quarteto de capins e raminhos com medo da chuva no jardim é uma das cenas mais criativas e brilhantes que eu já vi no teatro para crianças. Que feliz criação – e execução. O elenco responsável por todo esse…talento é: Tiago Gondim (Vento Arlindo), Daniela Travassos (Bolha Bolonhesa), Geysa Barlavento, Kellia Phayza, Victor Chitunda, Layon Figueiroa, Milena Marques e Ricardo Angeiras.

Há talento também no desenho de luz de João Guilherme de Paula, que inteligentemente muda o clima do palco na hora do primeiro voo do vento com a bolha. E a iluminação da cena final, com todos cantando sentados no palco em formação de casais, é outro grande acerto. Aliás, quanto à luz, há um comentário a se registrar aqui.

Muitos realizadores evitam o blecaute total em peças para crianças, para que não comece uma gritaria incontrolável enquanto os refletores não forem acionados de novo. ‘Vento Forte para Água e Sabão’, na sessão do Palco Giratório 2024, na tarde de sexta (24), começou com um blecaute total, até que os atores se ajeitassem para a primeira cena. (E que primeira cena tão bem pensada! Crianças aprendendo a fazer bolhas de sabão e dando dicas de como praticar o método mais eficaz. Maravilhoso prólogo, de inteligência sagaz. É preciso ter… talento.)

Mas, voltando à luz, o blecaute de fato fez as crianças iniciarem um berreiro até certo ponto previsível. O que quero comentar é o seguinte: nada disso alterou o ritmo da primeira cena, por total e absoluto… talento do elenco. Eles iniciaram a cena nos tons de voz já estabelecidos pelo espetáculo e o que se sucedeu foi de arrepiar. Em menos de dois minutos, para conseguirem ouvir o que se passava em cena, as crianças mergulharam num silêncio total e absoluto. A boa cena trouxe as crianças para o espetáculo. Ninguém mais se lembrava do escuro do blecaute. Fez-seum dos silêncios mais lindos que já vi recentemente no teatro para infâncias. O silêncio de crianças participando da história, sem que nenhum ator tivesse de gritar, ralhar, alterar o combinado. Só com aforça do bom teatro.

O silêncio de uma plateia infantil completamente absorta pelo talento de quem sabe fazer teatro com qualidade. Descanse, André Filho. Sim, você vai fazer falta, mas, pelo que vi, sua criação será eterna, porque o seu talento ficou irremediavelmente entranhado em fiéis fiandeiros, que o transmitirão para os vindouros.

24 05 2024

Um infantil à moda antiga: respeitemos os veteranos do teatro pernambucano

Dib Carneiro Teatro para as infâncias 0

Todos nós sabemos que há pessoas ainda fazendo teatro no Brasil como se fazia nos séculos passados, não abrindo mão do que sempre fizeram, do jeito que sempre fizeram, apoiados no sucesso que sempre tiveram, ainda que tudo nos pareça anacrônico e ultrapassado. É o que eles sabem fazer. Antes de qualquer julgamento, trajetórias precisam ser respeitadas, e não simplesmente negadas e rechaçadas em nome de uma contemporaneidade que um dia também será coisa do passado. Todo mundo adora dizer que o Brasil não tem memória, pois então respeitemos os veteranos do teatro que ainda seguem em atividade, pelo que eles já trilharam em suas trajetórias, pelos caminhos que eles abriram para que as renovações pudessem ter sido feitas.

É o caso de José Francisco Filho, diretor geral de Seu Sol, Dona Lua, infantil apresentado na tarde de quinta-feira (23), no Teatro Marco Camarotti, como parte do festival Palco Giratório 2024. Um evento como esse do Sesc Pernambuco precisa apontar caminhos e apostar em ousadias, mais do que dar espaço para linguagens antigas, ainda que consagradas. Questiono a inclusão dessa peça na programação. Seu Sol, Dona Lua é teatro que representa uma era e que reproduz modelos já superados como linguagem e dramaturgia.

Mas seu realizador, o professor José Francisco Filho, com 43 anos de atuação e mais de 30 espetáculos no currículo, tem seu valor histórico para o cenário teatral pernambucano – e não deixa de ser louvável termos a chance de vê-lo em ação, acreditando piamente no que faz. O sonho de cada um é o sonho de cada um. Sorte dele que teve o aval dos curadores do Palco Giratório, para que sua peça feita nos moldes dos anos 1980 ainda consiga visibilidade para a geração de hoje.

Mas é preciso delicadamente deixar registrado que é um espetáculo datado, praticado de um jeito que o teatro de hoje já enxerga como estereotipado e reducionista. Temos de ver Seu Sol, Dona Lua com olhos de condescendência histórica, com a disposição generosa de entender que houve um tempo em que se acreditava nesse tipo de espetáculo como se fosse o melhor jeito de falar com as crianças no teatro.

Um aspecto que acontece muito ainda hoje no teatro para crianças, no Brasil todo, e que vem desde essa época inaugural a que me refiro, é a participação da plateia. Atores “provocam” as crianças com perguntas diretas e fáceis, elas respondem, todas juntas, e, a partir desse estímulo vindo do ator, passam o resto da peça gritando, falando alto, querendo conversar com os personagens. Os diretores – esses diretores que são dessa escola obsoleta de teatro – ficam plenamente satisfeitos com o alto nível de participação da plateia ao seu espetáculo. “Vocês viram como as crianças gostaram e como participaram tanto?” – eles se vangloriam. Isso acontece demais até hoje. Parabéns.

Cada um que acredite no que quiser, mas, para mim, que prezo pelo teatro de qualidade, isso é ilusão de participação. Porque foi forçado. Foi um recurso fácil. E, além do mais, o ator despreparado perde a mão com a plateia. No século 21, já há espetáculos ditos infantis em que essa participação acontece de forma mais inteligente, menos óbvia, mais espontânea, mais bem pensada pelo dramaturgo. Sem contar que, muitas e muitas e muitas vezes, o silêncio de uma criança na plateia é um indicativo maior de que está plenamente “dentro” do espetáculo, uma prova bem mais clara de que está gostando e “participando”, do que se estivesse gritando e respondendo às perguntas do atores.

Quero transcrever aqui algumas frases, talvez não literalmente (por falha de memória), que ouvi em ‘Seu Sol, Dona Lua’, cujo texto na ficha técnica é assinado por Marcos Sá. Vejam:

“Estou na fossa.”

“Mais triste do que ter um sorriso triste é não sorrir.”

“Ninguém pode ser feliz sem amor.”

“Você vai encontrar a razão de ser feliz.”

“No fundo, sempre vale a pena amar.”

“Mas vocês pensam que é fácil amar?”

“O amor é a base de tudo.”

“Liberdade de expressão é o estado do amor.”

“As cicatrizes que estão riscadas para sempre na minha alma e que se chamam solidão.”

“Quando as pessoas se amam têm muito a enfrentar.”

“Eu sou aquele amante à moda antiga.”

Essa última frase é sintomática e reveladora sobre ‘Seu Sol, Dona Lua’. Uma peça à moda antiga. Tenho certeza de que, ao ler esse meu texto e, sobretudo as frases que compilei aqui, muita gente vai querer ir correndo ver a peça em sua próxima récita, levar filhos e filhas, netos e netas. É um tipo de público que existe. A tal propalada diversidade não é isso? Eu, crítico há mais de 30 anos, aprendi a gostar e valorizar outro tipo de espetáculo – e a apenas respeitar esses que têm seu valor arqueológico.

23 05 2024

O refinamento estético de uma trupe do sertão pernambucano

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Grata surpresa foi conhecer na tarde de quarta (22), como parte da programação para crianças do Palco Giratório 2024, em Recife, o grupo Tropa do Balacobaco, que surgiu em 2007 na cidade de Arcoverde, encravada no sertão de Pernambuco, com menos de 80 mil habitantes. Eles participaram da programação com o espetáculo ‘Mundo – Em Busca do Coração da Terra’, com texto, encenação e direção de arte de Ney Mendes. E que direção de arte! Que apuro estético, quanto refinamento – uma montagem que faz frente a tudo o que se apresenta nos maiores centros de produção teatral do restante do País. Um espetáculo de causar muito orgulho para o povo pernambucano.

Os figurinos são arrebatadores, do começo ao fim. Há uma profusão de personagens e todos estão muito bem caracterizados, vestidos, maquiados. Dos pés à cabeça. De uma enorme coroa de flores na personagem que representa a morte aos calçados coloridos e floridos dos dois atrapalhados irmãos portugueses, que aliás têm cores trocadas: um com calça vermelha e colete verde, o outro com calça verde e colete vermelho. Um mero bastão encapado vira adereço luxuoso. Perucas de samambaias são divertidas. As meias máscaras são impressionantes. Os bonecos são sofisticados.

Enfim, tudo impecável. Pedro Gilberto assina os figurinos, confeccionados por Sandra Lira. Visagismo também é dele, com a parceria do diretor. Se fosse um festival competitivo, com certeza melhor figurino e melhor direção de arte já seriam da Tropa. Até agora ninguém foi melhor do eles nesses quesitos.

No mais, ‘Mundo’ é um competente desfile de lendas regionais, misturado com jornada de herói, um pouco de rimas de cordel e a celebração de ritmos populares (direção musical e composições de Eduardo Espinhara). “Olha o caroço do mundo rodando e girando e virando sabugo de tanto embolar.” Com esse refrão na canção inicial, que se repete em outros momentos, caímos de amores pela trupe/tropa e de interesse pela trama, muito bem contada, cheia de graça, aventura e suspense.

Em essência, é uma peça sobre o mundo à procura de um novo coração. Nada mais do que isso. Quer coisa mais linda do que essa metáfora para falar de hoje, de nós, do planeta adoentado, da falta de afeto? Um mundo em busca de coração. Mundo é o personagem Raimundo, um moço que a morte (Dona Caetana) espertamente recruta para retirar o coração da pequena Abayomi de dentro da barriga de uma cobra.

Acontece que Abayomi é a responsável por fazer o dia virar noite. Desde que a cobra engoliu seu coração, a menina “se encolheu como se quisesse entrar em si” (olha que frase linda) e, assim, não há mais noite naquele lugar. Felizmente, tudo o que Mundo mais quer é vivenciar de novo a escuridão enfeitada pelo brilho da Lua e o brilho das estrelas. Por isso, ele aceita a jornada proposta pela morte. “Caminha, Mundo!”, ordena outra canção que se intercala entre as cenas – um refrão que diz muito mais do que está dito em sua primeira camada. Que beleza de trabalho.

O velho Velhinho no alto da árvore, a fogosa Dona Mocinha (que virou leitoa como castigo por ter desrespeitado sua criadagem), a hilária gralha azul, o cardume de peixes dourados, a desbocada serpente Caninana – a galeria de personagens é inesquecível, cada um mais atraente e interessante do que o outro. Belíssimas composições do elenco, formado por Danielly Lima, Everson Melo, Jéssica Mendes, Paulo Almeida, Renata Cordeiro, Thiago José e Yan Vinícius.

A trama é perfeita para levantar valores éticos e construtivos, sem virar uma pregação chata e moralista. Coragem, amizade, compromisso, honestidade, generosidade – tudo isso está na peça e na atitude das personagens. Na forma de bom teatro fabular, não de catequese paternalista e verticalizada. Que maravilha ter a morte passeando pela peça toda – um espetáculo feito para crianças, sem medo de enfrentar temas tidos como tabus. Nem ela, a implacável Caetana com seu capuz preto e seu bisaco funéreo a tiracolo, acredita no sacrifício final que o Mundo faz para trazer a noite de volta. ‘Mundo’, a peça, emociona na trama e na sua execução. Uma brasilidade posta em cena com talento e verdade, sem folclorizações nem estereótipos redutores.

22 05 2024

Peça pernambucana requer ajustes, mas cativa pela sensibilidade de falar de autismo com teatro de objetos

Dib Carneiro Teatro para as infâncias 0

É bom, muito bom, que na vasta programação de um festival teatral haja estreias nacionais de espetáculos, não só peças que já estão em temporadas regulares há algum tempo. A meu ver, isso dá viço à programação e prestígio para o grupo que vai estrear dentro de um evento tão reconhecido. Na tarde de terça-feira, dia 21, no Teatro Marco Camarotti, do Sesc Santo Amaro, estreou em Recife o infantojuvenil ‘Hélio – O Balão Que Não Consegue Voar’, atração local do dramaturgo e ator Cleyton Cabral. Foi a primeira apresentação – e a sala estava lotada, com cadeiras extras. E foi mais um abraço quente do público recifense ao bem-vindo Palco Giratório 2024, de volta a Pernambuco dez anos depois.

Na hora de avaliar um espetáculo que nunca tinha dado sua cara a tapa, é preciso ser um pouco condescendente. É o que penso como crítico – e sei que muitos não concordam comigo nesse particular. No Sudeste brasileiro, onde vivo, na época áurea dos jornais impressos, por exemplo, lá pelo século passado, críticos corriam no dia da estreia para que suas avaliações já estivessem no jornal do dia seguinte. Injusto avaliar em uma noite em que os atores ainda estão nervosos e a plateia comprometida, já que repleta de convidados e familiares. Espetáculos de teatro precisam de maturação, de récita após récita, porque as primeiras sessões podem demandar ajustes. O que se pensava que funcionaria, só pelos ensaios, muitas vezes não funciona.

Apertos na engrenagem ‘Hélio’ requer ajustes. Pronto, falei. Seu ritmo ainda está ralentado. É um digníssimo (e louvável) representante do chamado teatro de formas animadas com manipulação de objetos, e isso exige atuação detalhista, bem treinada. Não é o caso ainda. Falta óleo na engrenagem. As demoras no ritmo se dão, ao que parece, por falta de domínio pleno das mãos sobre os objetos-personagens, que não são poucos.

Mas, ao que tudo indica, o elenco vai chegar lá. O trio em cena, Cleyton Cabral (o autor), Fábio Caio e Luciana Barbosa (produtora), demonstra desembaraço, apresenta carisma, entrega verdade. Falta o diretor – Marcondes Lima – dar um aperto nos tempos, para que a história flua mais facilmente. Nos tempos atuais, em que – dizem – as pessoas querem tudo rapidamente, decretar que um espetáculo está moroso pode ser mal interpretado. Sou a favor de se demorar o tempo que for preciso. Sou a favor de que dramaturgias não se alterem só porque a geração Tik Tok isso e aquilo… Mas no caso de ‘Hélio’, agilizar vai avivar, vai potencializar, vai iluminar a trama mais ainda. O tempo dirá.

E, diga-se logo, é uma trama incrível. Não à toa o trabalho de Cleyton Cabral venceu o Prêmio Ariano Suassuna de Cultura Popular e Dramaturgia em 2019, na categoria animação. Numa loja de festas, vão nascendo balões e mais balões. Vemos os namoros, a gravidez, os nascimentos de balõezinhos novos. Vemos todos eles serem usados em festas, revéillon, piqueniques, passeios, aniversários, baladas. Até que nasce Hélio – e não voa. Não consegue. Só o que ele quer é admirar por horas e horas objetos que rodam, que giram: cata-ventos, ventiladores, móbiles e seu inseparável globo terrestre.

Um transtorno chamado TEA Hélio é um balão autista. Quanto ele cresce e vai para a escola, fica solitário em um canto, com um livro. Dói ver outros balões fazendo bullying com ele. Hélio tem o Transtorno do Espectro Autista (TEA) – o espetáculo não diz isso com todas as letras, mas, ainda que alguém não identifique esse tema, o balão que não voa é visto logo como uma criança com algum tipo de deficiência, e isso basta para a compreensão do enredo.

Sua mamãe (um balão vermelho em forma de coração) cuida dele com muita persistência. É um autêntico, puro e comovente “amor de mãe”. O balão-pai sai de cena, não sabe lidar – e isso é tão comum na vida real… Imagine sentir isso tudo na plateia, só com balões, sem texto falado. É maravilhoso, realmente uma ideia luminosa que nos arrebata. Produzir uma peça com esse tema tão necessário, alvo ainda de tanto preconceito e muita desinformação, é de se aplaudir de pé efusivamente, sobretudo porque não basta falar do tema: é preciso sensibilidade e delicadeza na abordagem. O espetáculo consegue. Parabéns ao Palco Giratório, que recrutou essa estreia.

Só é preciso tomar cuidado com mais alguns aspectos, um deles relacionado à sonoplastia criada por Marcelo Sena. Se a ideia é que crianças autistas também estejam na plateia, para tentar criar nelas uma empatia tão necessária na missão de que aprendam a se aceitar e a se compreender, é preciso urgentemente diminuir o volume da trilha. Autistas sairiam da sala logo nos primeiros minutos do espetáculo, por excesso de ‘barulho’.

E mesmo que o espetáculo não seja para eles, mas para uma sociedade que precisa entendê-los e decifrá-los, esse cuidado com a trilha sonora seria fundamental. Todos temos de aprender. Isso até já tem um nome bastante difundido: acessibilidade atitudinal. Pensar nos autistas (e nos neuro divergentes, de forma geral) e tomar atitudes a seu favor. Além da trilha, a bem-pensada cena em que o balãozinho sonha com criaturas voadoras tem uma iluminação linda (quem assina é Luciana Raposo, com efeitos visuais de Álcio Lins), mas que também seria rejeitada de imediato pela sensibilidade à luz de um autista. É luz de teatro de sombras, parecida com a estroboscópica. Melhor evitar, pois seria fatal.

Sinto uma pulsão quase irresistível de contar aqui a solução final encontrada para Hélio, que é balão, mas não consegue voar. Mas não farei isso. Só digo que é um desfecho bonito demais. Inteligente. Poético na medida certa. A cena precisa de acertos na luz e no ritmo, para ficar mais poética ainda, mas é de uma potência bárbara. Saímos da sala alegres e cheios de esperança, por ver que aquela criança-balão-deficiente achou seu jeito de ser feliz.

21 05 2024

Mineiros do Maria Cutia buscam renovar os sempre parecidos roteiros de shows musicais infantis

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Existe no Brasil um filão artístico que é bastante numeroso: grupos que fazem canções autorais infantis e se apresentam quase sempre no mesmo formato, qual seja, cada canção é antecedida por textos, brincadeiras, diálogos divertidos entre o elenco. Intercalam texto e música o tempo todo. Essa, quase sempre, é a estrutura de roteiro nos shows infantis de música – e muitos teimam em dizer que isso é teatro, por causa dessas ‘quase cenas’ que se criam entre um e outro número musical. Minas Gerais é farto nisso. Recentemente fui avaliador de projetos de artistas mineiros, para crianças, e constatei: metade dos inscritos na categoria teatro infantil – talvez até mais do que a metade – eram grupos fazendo música para crianças. Minas sempre foi um Estado muito musical, para nosso puro deleite, e era natural que isso se estendesse também para o cancioneiro infantil.

Mas não temos a obrigatoriedade de revolucionar formatos o tempo todo. Há grupos oportunistas e nada criativos? Há. Aos borbotões. Mas também há muita gente boa, usando esse formato batido da melhor forma possível, com muita competência, muito talento, renovando com propriedade o repertório infantil para além dos clássicos. Na época da reclusão pandêmica, vi de forma online um encantador Sarau Musical (era esse o nome do espetáculo), do grupo Maria Cutia, de Belo Horizonte. Fiquei extasiado e emocionado. Era o formato de sempre? Era, mas como eles são bons no que fazem! E como compõem encantadoras letras com ritmos variados!

Agora, no Festival Palco Giratório 2024, de Recife, Maria Cutia surge presencialmente com outro espetáculo de caráter musical, ‘Mundos’, trazendo um subtítulo explicativo: ‘Uma Viagem Musical pela Infância dos Cinco Continentes’. Quem viu – e o Teatro Marco Camarotti, no Sesc Santo Amaro, estava abarrotado de gente, incluindo cadeiras extras em plena segunda-feira à tarde – saiu de lá hipnotizado por tanto acerto, tanta afinação, tanta felicidade cênica. Eu fui um desses espectadores embevecidamente cativados.

A ideia do subtítulo está toda lá. Sete países, de cinco continentes, são contemplados com canções infantis típicas, defendidas com garra por quatro atores (Mariana Arruda, Leonardo Rocha, Hugo da Silva e Dê Jota Torres) e dois músicos (Evandro Heringer e Vitim Nascimento). Eles renovaram o formato, diga-se. Desta vez não há textos nem esquetes intercalando e ilustrando as canções previamente, preparando os números musicais, por assim dizer. Não. Eles simplesmente cantam e encantam.

Ou quase, porque isso não significa que não há uma dramaturgia. Existe um jogo cênico muito bem pensado e praticado pelo sexteto mineiro. Placas coloridas, com os nomes dos sete países (Benim, França, Tonga, Indonésia, Japão, Colômbia e Holanda), designam qual canção virá a seguir. Mas, antes, a cada intervalo de país para país, há uma brincadeira diferente para escolher qual dos quatro atores vai buscar a placa e revelar o país para a plateia. As crianças ficam num frisson maravilhoso, querendo logo ler a próxima placa. A ideia é sensacional, brilhante. Tão simples, mas tão cênica e funcional. Algo, de fato, precisava existir entre as canções, para não virar só um recital. Maria Cutia achou um jeito diferente do que tem sido feito em profusão no seu Estado natal.

Unidunitê, Lá em cima do piano tem um copo de veneno, bambalalão… são algumas das brincadeiras entre eles, para fazer esse ‘sorteio’. Pura ludicidade usada de forma inteligente, remetendo, inclusive, à infância dos adultos ali presentes. É um espetáculo que contempla as famílias inteiras, por sua pulsão de alegria, seu clima de festa, seu propósito de comunhão em torno de boas músicas infantis mundiais. Que bela pesquisa!

Mariana Arruda emociona a cada nota, com sua voz hipnótica afinadíssima. A concepção cenográfica de Leonardo Rocha é fascinantemente inspirada no mapa-múndi, com uma versátil estrutura octogonal de rodinhas, ao centro do palco, ornada por pinturas incríveis de Rai Bento. Os figurinos de Luiz Dias, à base de retalhos coloridos, retratam uma infância estilizada e combinam à perfeição com os adereços de madeira usados em vários formatos, como peças do quebra-cabeças geométrico Tangram. A direção de Eugenio Tadeu é detalhista, posto que há sete países a serem homenageados e isso demanda mudanças constantes na atitude cênica do elenco.

Gosto de perceber, por exemplo, que – mesmo sendo canções de sete países – há uma vinheta musical dando unidade a ‘Mundos’ e que aparece a cada início de novo bloco, interpretada de formas variadas. Gosto de observar, também, que a canção francesa, a certa altura, ganha um ritmo acelerado de revolução das barricadas. Sem contar a divertida coreografia criada especialmente para ela. Gosto de notar, ainda, que os atores à mesa, batendo os dedos impacientes, não estão esperando a comida chegar, mas a música começar. Outro tipo de alimento. E assim por diante. São detalhes, são cuidados. Panos esvoaçantes no Japão, narizes de palhaço para a Colômbia, ventilador soltando ‘neve’ para a Holanda, pratos e talheres de alumínio para Tonga.

Só uma correção: não é uma peça musical totalmente sem texto falado, como eu escrevi antes. Sim, há um único momento em que há texto no espetáculo: na hora do Japão, quando os quatro atores falam (um trecho cada um) sobre como nasce a Flor de Lótus. É lindo e rápido. Logo a música retoma o protagonismo.

Só para não dizer que não ‘impliquei’ com nada, na cena da refeição musical, quem busca a comida e a serve aos outros é a única atriz. A mulher no grupo. Ok, é como se fosse a mãe, mas quem disse que é tarefa só de mãe? Seria melhor evitar essas reproduções antigas de papeis num espetáculo tão incrível.

Ao final, bem, eles espertamente fingem que é um final, pois retomam a peça após os aplausos e fazem a plateia dizer qual país está faltando: Brasil, é claro. Nessa hora, esse arremate emocionante sai completamente do óbvio e nos enternece. Poderiam, nesse tributo brasileiro, surgir com qualquer linda canção infantil bem conhecida, clássica, e fazer todo mundo cantar junto. Mas não. Maria Cutia é um grupo que quer mais – e sabe fazer mais. Os quatro atores juntos tocam um mesmo violão (as crianças vibram!) e cantam algo autoral, preparado especialmente para ‘Mundos’, com um refrão que diz: “Se a gente lá no fundo é cada canto do mundo…” É uma letra que resume tudo o que se passou no espetáculo. Uma beleza, um brinde, um bônus extra.